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出版者:Kendall Hunt Publishing

作者:COAST LEARNING SYSTEMS

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2008-7-19

价格:USD 67.95

装帧:Misc. Supplies

isbn号码:9780757545429

丛书系列:

图书标签:

• 音乐基础
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• 音乐技能
• 数字音乐

好的，这是一份针对名为《MUSIC FUNDAMENTALS ONLINE》之外的图书的详细简介，旨在避免提及该书内容，并力求自然流畅。 --- 《巴赫的精妙：对位法的深度探索与实践指南》 作者： [此处填写作者名称，例如：阿诺德·冯·霍夫曼] 出版社： [此处填写出版社名称，例如：和声学研究出版社] 装帧与篇幅： 精装，共计 780 页，内含大量乐谱实例、图表及深入分析。 --- 卷首语：结构、逻辑与神圣的几何 自文艺复兴以来的数个世纪里，西方音乐的结构骨架，很大程度上依赖于对“对位法”（Counterpoint）这一复杂而迷人的技艺的理解与掌握。对位法并非仅仅是古典和声学的僵硬规则的堆砌，它是一种音乐思维的训练，是线条（Line）与结构（Structure）之间动态平衡的艺术。它要求作曲家同时关注水平方向（旋律的逻辑性与美感）和垂直方向（音响的和谐性与功能性）。 本书《巴赫的精妙：对位法的深度探索与实践指南》旨在将听众和学习者从基础的音高认知，直接引向对十七、十八世纪音乐语言巅峰的解析。我们不满足于停留在表层的“规则说明”，而是深入探究其背后的哲学、数学基础及其在伟大作曲家作品中的实际应用。 第一部分：对位法的源流与哲学基石（约 200 页） 本部分追溯了对位法的历史演变，重点聚焦于从帕莱斯特里那（Palestrina）的严格对位到巴赫（Bach）成熟的复调体系之间的关键过渡。 章节概览： 1. 调式思维的遗产： 探讨教会调式（Church Modes）如何塑造了早期的旋律轮廓，以及这些调式特征如何影响了线条的进行。详细分析了“固定音型”（Tactus）的概念，以及其在节奏处理上的重要性。 2. 帕莱斯特里那的纯粹性： 通过对《教皇马塞勒斯弥撒》等核心作品的细致分解，阐释了“纯净对位”（Pure Counterpoint）的五种基本种类。特别关注了如何处理不协和音（Dissonance）——何时、何地、以及如何将其“解决”（Resolution）——这并非是武断的禁令，而是声响张力的精心编排。 3. 从垂直到水平的视角转变： 分析了十六世纪末期，随着调性中心逐渐清晰，音乐家如何开始有意识地将对位技巧服务于更宏大的结构目标，而非仅仅满足于局部和声的稳定。 4. 理论的数学根基： 引入了毕达哥拉斯音程理论的早期应用，解释了音程的“比例”与“美感”之间的内在关联，为后续的学习奠定坚实的理性基础。 第二部分：赋格曲的建筑学：巴赫的结构语言（约 350 页） 如果说对位法是砖石，那么赋格曲（Fugue）就是由这些材料构建出的宏伟建筑。本部分的核心目标是揭示约翰·塞巴斯蒂安·巴赫如何将对位法推向其逻辑和艺术的顶峰。 核心分析内容： 1. 主题的生命力——动机的提炼： 深入研究赋格主题（Subject）的构成要素：音程范围、节奏特征以及它如何天然地引导出“应答”（Answer）的形态。本书提供了数百个巴赫主题的详细分析，包括它们在不同调性中的“移位”处理（Real vs. Tonal Answer）。 2. 进入与铺陈： 详尽解析赋格曲的“呈示部”（Exposition）布局，包括双主题赋格、反向赋格（Inversion）的运用，以及如何通过“连接句”（Episode）的精心设计，使听众的注意力在主题回归之前得到必要的喘息与期待。 3. 中段的逻辑迷宫： 这是本书的重点。我们探讨了中段（Middle Entry）如何服务于调性转移。深入分析了“转调技法”（Modulatory Techniques），特别是如何利用对位手法，例如“ stretto”（紧凑再现）和主题的碎片化发展，来自然地导航至远关系调。 4. 技术的极致体现——《平均律键盘曲集》的深度透视： 《平均律》第一册/第二册的对比分析： 并非简单地逐首解读，而是将它们视为一个整体的“对位法百科全书”。我们着重分析了那些使用了极端技巧的作品，例如：运用所有四种调性关系（正位、反位、增值、减值）的赋格，以及那些以卡农（Canon）为基础的复调结构。 结构模型的图示化： 提供了大量的结构图表，清晰地标示出主题的进入点、和声功能区段、以及对位技巧的转折点，帮助读者“看见”音乐的内在骨架。 第三部分：超越规则：实践与应用（约 250 页） 本书的最后部分将理论和分析转化为作曲家的实践工具。我们强调，对位法是一种语言，掌握语法是为了更自由地表达。 实践指南内容： 1. 卡农的艺术： 区别于赋格，卡农（Canon）强调旋律的严格模仿。本部分详细介绍了不同种类的卡农：两部、三部、四部卡农，以及更复杂的“环形卡农”（Circular Canon）的构造方法。提供了大量由浅入深的练习范例，指导学习者从最简单的二对一模仿开始，逐步构建复杂的“幽灵卡农”（Phantom Canon）。 2. 自由对位与配器考量： 讨论了当技巧应用于管弦乐队或室内乐时，对位法必须做出的调整。如何处理不同乐器音域的限制，如何通过配器色彩（Orchestration Color）来强调旋律线条的独立性，而不是让它们淹没在和声的“泥泞”之中。 3. 现代语境下的对位思维： 探讨了二十世纪作曲家（如欣德米特、肖斯塔科维奇）如何继承和革新了对位法，将其融入非传统调性体系（如十二音体系）之中。这部分展示了对位法作为一种逻辑工具，其适应性和永恒价值。 4. 作曲练习与自我评估： 提供了分阶段的作曲项目，要求学习者创作不同种类的对位片段（例如，一个纯粹的帕莱斯特里那风格的二部对位，以及一个带有反向与紧凑再现的赋格中段）。附录中包含了一套详尽的“自我诊断清单”，用于评估创作出的线条是否具备足够的独立性和逻辑连贯性。 结语 《巴赫的精妙》并非一本速成手册，它是一份邀请函，邀请您进入音乐结构最严密、思维最清晰的殿堂。通过对这些大师级作品的深入剖析，读者将不仅理解“如何写出”巴赫式的音乐，更重要的是，理解他“为何如此思考”。掌握了对位法，您便掌握了音乐逻辑的最高形态，为任何风格的创作打下不可动摇的基石。

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这本书简直是为我这种对音乐理论知之甚少，却又渴望深入了解音乐世界的“小白”量身定做的！我得说，我过去尝试过几本号称是“零基础入门”的教材，但读起来总是感觉像是在啃一本厚厚的、充满晦涩术语的教科书，很快就让我望而却步。然而，这本《音乐基础在线》完全颠覆了我的体验。它的叙述方式极其平易近人，仿佛有一位耐心又充满热情的导师在你身边，一步一步地引导你穿越音乐的迷宫。最让我惊喜的是，它并没有急于抛出复杂的乐理概念，而是从最基本的声音是如何构成的讲起，用生活化的例子和清晰的比喻来解释音高、节奏和拍号这些看似高深莫测的内容。比如，它解释“节拍”时，不是直接给出定义，而是让你想象心跳的规律，这种将抽象概念具象化的处理方式，极大地降低了学习的门槛。而且，作为一本“在线”的资源，它似乎还巧妙地融入了多媒体互动的元素（虽然我只能通过文字感受），让人感觉学习过程是动态而非静态的，这一点对于习惯了数字化学习的我们来说，简直是福音。我特别喜欢它对“调性”的讲解，它没有强迫我们去记住枯燥的音阶排列，而是通过旋律的走向和情感的表达来体现调性的意义，让我开始真正“听”出音乐中的色彩和情绪，而不是仅仅在纸面上分析音符。这本书无疑为我打开了一扇通往更广阔音乐领域的大门，让我对未来的学习充满了期待。

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说实话，我是在一个非常偶然的机会下接触到这本书的，当时我正在为一场业余的乐队排练做准备，需要快速掌握一些基本的和声进行知识，但时间紧迫，传统的乐理书根本来不及细读。我对《音乐基础在线》的印象，首先是它结构上的精妙布局。它似乎有一种魔力，能够将原本看似零散的音乐元素，编织成一张逻辑严密、层层递进的知识网络。它没有沉溺于过多的历史考据或学院派的繁文缛节，而是直击核心——如何“构建”音乐。我发现它在处理“和弦”这一核心概念时，采用了非常实用的视角。它不仅仅是告诉你C大三和弦由C、E、G组成，更重要的是解释了为什么这三个音组合在一起会产生那种和谐、稳定的感觉，以及如何通过添加七音或九音来增加色彩和紧张感。这种注重“功能性”和“听觉效果”的教学方法，对我这种更侧重于实践应用的人来说，简直是醍醐灌顶。我甚至能够根据书中的指导，在即兴演奏中更自信地运用一些基础的和弦转换，不再是凭感觉乱试，而是有章可循。这本书的文字精准、节奏感强，阅读体验非常流畅，仿佛作者在用一种非常高效的“编程语言”来描述音乐的语法。它确实帮助我跨越了从“会弹”到“会理解”的关键一步。

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坦白说，我被这本书的“现代性”所吸引。我一直觉得传统的乐理教程在面对当代音乐的语境时显得有些力不从心，尤其是在处理节奏的复杂性和非传统调性（如全音阶或十二音体系）时。我发现《音乐基础在线》在这些方面做出了非常积极的尝试。它似乎没有固步自封于十八世纪的规范，而是大胆地将一些现代音乐理论的概念，以一种非常温和的方式引入进来。例如，它在讨论“音高集合”时，所使用的语言和图示，明显比我大学时期读的任何教材都要更具包容性和前瞻性。它让我们意识到，音乐理论并非一成不变的教条，而是一个随着艺术实践不断发展的有机体。特别是对“节奏的非对称性”的讨论，它通过一些非常有趣的节拍组合练习，成功地让我适应了那些看似杂乱无章，实则内在逻辑严密的现代节奏型。这本书的价值在于，它不仅教你“如何分析”过去的音乐，更重要的是，它启发你“如何思考”未来的音乐可能性。它给了我一种理论上的自由感，让我不再被陈旧的规则束缚，敢于去探索更广阔的听觉空间。

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我必须承认，我购买这本书的初衷非常功利：我需要快速提升我的音乐鉴赏能力，以便更好地撰写关于音乐类节目的评论稿。我需要的不是成为一名作曲家，而是成为一个能够准确描述听觉体验的“翻译者”。在这方面，《音乐基础在线》的表现超出了我的预期。它的强大之处在于，它构建了一套清晰的、跨越不同音乐风格的“描述性词汇库”。作者非常注重“听觉感知”与“术语表达”之间的桥梁搭建。例如，在解释“不协和音程”时，它不仅仅给出了物理上的频率比，更重要的是，它清晰地罗列了不同程度不协和音在听众心中可能引发的心理感受，并建议使用哪些词汇来准确传达这种“张力”或“摩擦感”。这对我撰写乐评至关重要，因为观众和读者更关心的是音乐带给他们的感受，而不是冰冷的音符排列。这本书的结构就像一个工具箱，里面装满了各种精密的测量仪器，帮助你量化和阐释那些原本非常主观的听觉体验。它让我从一个仅仅是“喜欢”音乐的听众，蜕变成一个能够有理有据地“解析”音乐魅力的评论者，这种能力上的飞跃，让我觉得这本书的投入是极其值得的。

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作为一名沉浸在古典音乐领域多年的爱好者，我对那些试图“简化”乐理的书往往抱持着一种审慎甚至略带挑剔的态度。我总担心它们会为了追求易懂而牺牲掉音乐的深度和严谨性。然而，《音乐基础在线》这本书成功地找到了一个绝佳的平衡点，这一点值得大书特书。它最让我印象深刻的是对“对位法”和“织体”概念的处理。这些通常被认为是高级作曲技巧的领域，在这本书里却被拆解得井井有条，清晰可见。作者没有回避这些略显复杂的技法，而是通过引入一些著名的、结构清晰的复调音乐片段作为案例，结合详尽的图形化分析（如果这本书在线版本能提供可视化工具，那就更完美了），让我得以窥见不同声部如何在同一空间中共存、对话，甚至相互竞争。这种“宏观结构”与“微观细节”的结合，让我对巴赫作品的理解上升到了一个新的层面。它没有告诉我“你应该怎么听”，而是给了我一套分析的工具，让我能够自己去发现和欣赏音乐织体内部的精妙运作。这种尊重学习者独立思考能力的教学方式，非常高明，也让我觉得这不仅仅是一本入门书，更是一部可以伴随我们长期研究的参考指南。

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Used MFO for my music theory course, tons of practice (with time/error limits) in order to enhance learning. But I do know people fail the class due to the crazy practice.

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