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出版者:

作者:Scarlatti, Domineco (COP)/ Kirkpatrick, John (CRT)

出品人:

页数:132

译者:

出版时间:1986-11

价格:$ 12.42

装帧:

isbn号码:9780793543960

丛书系列:

图书标签:

• 巴洛克音乐
• 键盘音乐
• 奏鸣曲
• 意大利音乐
• 古典音乐
• 作曲家
• 音乐史
• 音乐理论
• 18世纪音乐
• Scarlatti

《巴洛克时期键盘音乐的辉煌遗产》 内容梗概 本书深入探讨了巴洛克时期（约1600年至1750年）键盘音乐的丰富面貌、发展脉络及其在西方音乐史上的独特地位。本书将音乐史的宏大叙事与具体作品的精微分析相结合，旨在为读者构建一幅关于这一黄金时代键盘艺术的全面图景。 我们将从巴洛克键盘乐器的演变及其技术特性入手，详细考察大键琴（Harpsichord）、维吉纳琴（Virginal）和管风琴（Organ）在创作和演奏实践中的作用。接着，本书将梳理出巴洛克键盘音乐在不同地域和学派中的差异与交融，重点分析意大利、法国、德意志以及英国等主要中心的音乐风格特征。 核心内容将聚焦于这一时期最重要的体裁和作曲家，包括赋格（Fugue）、托卡塔（Toccata）、组曲（Suite）、奏鸣曲（Sonata）和练习曲（Exercise）的结构原理与表现手法。通过对巴赫、亨德尔等巨匠代表作的详尽解析，读者将得以领略复调音乐的精妙逻辑和情感深度。此外，本书亦不乏对次要但同样重要的作曲家的介绍，以期更全面地展现巴洛克键盘音乐的广阔疆域。 本书的价值在于，它不仅是一部音乐史的梳理，更是一份演奏者和鉴赏者理解巴洛克音乐“语境”的指南，帮助读者理解在那个特定的历史文化背景下，键盘音乐是如何承载和表达人类精神世界的。 --- 第一部分：时代的基石——巴洛克键盘乐器的演变与技术语境 (约 350 字) 巴洛克音乐的独特音响效果，建立在当时乐器制造技术的突破之上。本部分首先追溯大键琴家族的发展，从早期的意大利式和佛兰德斯式大键琴的音色差异，到后期法国Double Manual（双排键）的复杂构造与表情潜力。我们将分析琴弦排列、音栓系统（Stop Mechanism）如何影响演奏者对音色的选择和织体的处理。 同时，管风琴作为教堂和宫廷音乐的灵魂，其机械系统（如滑键系统和风箱的压力调节）如何直接塑造了赋格等大型作品的宏伟结构。我们还将简要探讨早期钢琴的雏形——“强弱钢琴”（Pianoforte）的出现，虽然它在巴洛克末期才开始崭露头角，但其对古典风格的预示作用不容忽视。理解这些乐器的物理限制和声学特性，是进入巴洛克音乐情感世界的关键前提。演奏者必须熟知何时使用颤音、何时采用清晰的颗粒感，这与他们手中乐器的构造息息相关。 第二部分：风格的地理图谱——地域流派与主要体裁的兴衰 (约 450 字) 巴洛克键盘音乐并非铁板一块，它在欧洲各国土壤中生根发芽，形成了风格迥异的“方言”。本部分将系统梳理这些地域特色： 意大利学派： 强调速度、炫技与清晰的节奏感。以帕蒂诺的托卡塔和卡巴尔第的奏鸣曲为代表，体现了对即兴创作精神的继承，注重旋律线的流畅性和清晰的终止式处理。 法国“古斯塔夫”学派（Les Goûts Réunis）： 侧重于键盘舞曲的精致化和装饰技巧的运用。库普兰的“风格化”观念，即通过细致的指示来描绘特定情感或场景（如《音乐会曲集》），代表了键盘音乐对室内乐的借鉴与融合。 德意志学派： 融合了南北德意志的传统，发展出最严谨的对位法结构。布克斯特胡德和帕赫勒贝尔的作品展示了管风琴音乐在和声复杂性和对位深度上的巅峰，为后来的“集大成者”奠定了理论和实践基础。 英国学派： 尤其关注维吉纳琴音乐（如伯德和吉尔曼），其作品常带有强烈的民谣色彩和独特的“假指法”（Keyboard Idioms），展现了独特的民族性格。 体裁方面，本书将详细解析组曲如何从独立的舞曲组合演变为具有统一调性或情感脉络的连贯作品（如前奏曲、阿尔曼德、萨拉班德、吉格的固定顺序），以及奏鸣曲在不同地区形态上的演变。 第三部分：复调的逻辑与技艺的极致——赋格的结构与演绎 (约 450 字) 赋格（Fugue）被公认为巴洛克键盘音乐最富智慧的表达形式。本部分将以深度剖析的方式，解析赋格的“骨架”——主题（Subject）、应答（Answer）、进入（Episode）和呈示部、发展部、再现部的组织逻辑。 我们将探讨巴赫的《平均律键盘曲集》（The Well-Tempered Clavier）如何不仅在技术上证明了所有大调和小调的实用性，更在艺术上确立了赋格作为一种哲学思辨的载体。详细分析不同的赋格类型，如双重赋格、三重赋格，以及在演奏中如何保持各声部清晰的独立性，同时服务于整体的和谐统一。 此外，本书还将讨论托卡塔与前奏曲在结构上的自由度与即兴性，它们常常作为赋格的序曲或独立的炫技篇章出现，考验演奏者对速度、力度和节奏的掌控能力。对位法的精髓在于“逻辑的美”，我们试图揭示隐藏在复杂音符之下的清晰结构。 第四部分：从巴洛克到古典的过渡与展望 (约 250 字) 巴洛克末期，审美趣味开始转向明晰、对称和情感的直接表达。本部分将探讨“风格转换”（Style Galant）对键盘音乐的影响。 大型的、严谨的赋格和复杂的对位织体逐渐被更简洁的旋律线条和清晰的主题对比所取代。我们考察那些处于风格交界点上的作曲家——他们如何开始尝试新的奏鸣曲式雏形，如何将大键琴的细腻感与钢琴的力度变化潜力相结合。这种转变不仅仅是技巧上的，更是哲学上从对上帝秩序的敬畏转向对个体情感和自然规律的关注的体现。本书的收尾，将为读者展望这一重要时期如何为莫扎特和海顿的古典主义高峰奠定了不可或缺的艺术与技术基础。通过对这些辉煌遗产的深入理解，听众能更好地欣赏到键盘音乐在西方艺术史上不可磨灭的贡献。

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这本书的装帧设计简直是一场视觉的盛宴，从封面的质感到内页的纸张选择，无不透露出一种对古典艺术的深深敬意。那种略带纹理的米白色纸张，拿在手里分量十足，仿佛能感受到数百年前乐谱的沉淀。书脊的烫金字体在光线下低调地闪烁着，‘Domenico Scarlatti’这几个名字被精心排布，既古典又现代。我特别喜欢它内页的版式，大片的留白让每一个音符和文字都有了呼吸的空间，阅读体验极其舒适，眼睛不会有丝毫的疲惫感。很多音乐传记类书籍为了塞进更多资料，常常把排版挤得密不透风，但这本显然走的是精品路线，每一页都像是一件精心打磨的艺术品。装帧的细节处理也非常到位，比如扉页上印着的那一小段不知名的巴洛克式花纹，虽然与主体内容似乎没有直接联系，却极大地提升了整体的格调。翻阅时，那种纸张摩擦发出的细微声响，都让人感觉自己正在与历史进行一场私密的对话。这种对物理载体的极致追求，让我立刻愿意将其摆放在书架最显眼的位置，它不仅仅是知识的载体，更是一件值得收藏的工艺品。

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这本书的资料引证工作做得极其扎实，但奇怪的是，它读起来却毫无“学术论文”的沉闷感。这无疑是作者高超的文献整合能力和提炼技巧的体现。我特别留意了它对各个不同版本乐谱的考据部分，作者似乎对现存的各种手稿和早期印刷本有着惊人的掌握度，他能够清晰地指出不同版本在速度标记、装饰音处理上的微小差异，并且解释这些差异可能反映了演奏实践的变迁，而非简单的抄写错误。更难得的是，他并没有将这些考据性的细节堆砌起来让读者望而却步，而是将它们巧妙地融入到对作品风格演变的论述中，让每一次的“技术辩论”都服务于更宏大的艺术史观的构建。这种在深度和广度之间游刃有余的能力，让这本书既能满足专业研究者对严谨性的要求，也能让普通爱好者在阅读时感到收获满满，它提供了一个坚实的基石，让音乐欣赏不再是凭空想象。

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这本书的视角非常新颖，它没有将焦点完全集中在Scarlatti创作的那些著名的键盘奏鸣曲上，而是花了相当大的篇幅去探讨他作为一位宫廷音乐家、一位歌剧顾问的角色转换，以及这种多重身份如何反哺了他的键盘创作。作者巧妙地引入了18世纪意大利与西班牙宫廷对音乐品味的差异，解释了为什么他的许多作品会带有那种强烈的异域色彩——这并非偶然，而是他为了迎合特定听众和环境所做的精妙的“市场定位”。这种将作曲家置于其所处的政治、经济和文化生态系统中进行考察的方法，极大地拓宽了我们对巴洛克音乐实用性的理解。读完后我开始重新审视那些奏鸣曲，不再仅仅将其视为纯粹的练习曲或音乐沙龙的消遣，而是理解了它们背后的每一次精心编排，每一次对听众的试探与取悦。这是一种从“音乐作品本身”向“作品在特定时空中的功能”的完美过渡，让整个阅读体验充满了顿悟的喜悦。

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我发现这本书的厉害之处在于它对“情感光谱”的细致描摹，而非仅仅停留在技术分析的层面。很多音乐史论家在讨论巴洛克晚期的作曲家时，往往会过于强调对位法的精妙或者和声的复杂性，但这本书却将笔墨更多地聚焦在了Scarlatti作为个体在异国他乡的内心世界。它没有直接给出“他很孤独”这样的结论，而是通过对他在西班牙宫廷中日益增长的疏离感，以及他音乐中偶尔闪现出的那种略带忧郁的西班牙民间调性的渗透，不动声色地构建出一种深沉的、内敛的悲怆。那种在极度华美和形式规范下压抑的个人情感，被作者用一种近乎小说家的细腻笔触挖掘了出来。读到某些段落时，我仿佛能“听见”键盘上敲击出的不仅是音符，更是他复杂的心绪波动。这本书成功地将一位历史人物从僵硬的传记框架中解放出来，使他真正“活”在了纸上，让我对这位键盘大师的理解，超越了键盘本身。

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这本书的叙事节奏把握得简直如同大师指挥的协奏曲，起承转合之间充满了张力与平衡感。作者似乎深谙如何将枯燥的生平年代学叙述，转化为引人入胜的戏剧性展开。开篇并未急于交代出生年月，而是直接切入到某个特定的宫廷场景，通过对当时音乐氛围、贵族生活细节的细致描摹，将读者瞬间拉入那个华丽而又充满微妙政治暗流的时代背景之中。随后，叙事线索才缓缓回溯，揭示主人公早年的学习与挣扎。最令人称道的是，每当谈及某一个标志性的音乐时期或作品的诞生，作者总能巧妙地穿插一小段对当时欧洲社会思潮的解读，让音乐的创作动机不再是孤立的，而是根植于时代土壤之中的必然产物。它的结构不是线性的流水账，而是螺旋上升的，每次回顾，都能带着更深层次的理解。即便我对某些历史时期的背景了解不多，也能轻易地跟上作者的思路，这种流畅性，在学术性与可读性之间找到了一个近乎完美的黄金分割点。

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