Mountain Dulcimer pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:

作者:Biggs, Mark

出品人:

页数:79

译者:

出版时间:1998-8

价格:$ 25.93

装帧:

isbn号码:9780786634446

丛书系列:

图书标签:

• Mountain Dulcimer
• Dulcimer
• Appalachian Music
• Folk Instrument
• String Instrument
• Music
• Instructional
• DIY
• Craft
• American Folk Music

悠扬的木韵：指弹吉他与指弹尤克里里的艺术之旅 一本探索指弹吉他（Fingerstyle Guitar）与指弹尤克里里（Fingerstyle Ukulele）丰富世界，涵盖技巧、音乐理论、曲目编排与演奏哲学的深度指南。 --- 第一部分：指弹艺术的基石与心法 第一章：拨动心弦的艺术——指弹的本质与历史回溯 指弹，作为一种音乐表现形式，早已超越了简单的伴奏范畴，发展成为一种独立的、高度复杂的演奏技艺。本章将深入剖析指弹吉他与指弹尤克里里在核心理念上的共通之处与细微差别。我们将追溯指弹音乐从早期蓝草、乡村音乐中的基础运用，到二十世纪中叶独立发展成为一种复杂配器方式的历史轨迹。探讨早期大师们如何巧妙地用一把乐器模拟出一个完整的乐队效果，从旋律、和声到低音线条的独立进行。 定义与范畴： 明确“指弹”（Fingerstyle）与“拨片演奏”（Flatpicking）在演奏技法和音乐效果上的根本区别。 文化根源： 简要介绍美国南方音乐、阿巴拉契亚民谣以及夏威夷音乐（尤克里里起源）对指弹风格的影响。 乐器特性探讨： 对比标准六弦吉他与不同调音的尤克里里在音域、音色、共鸣上的差异，以及这些差异如何塑造了各自的演奏风格。 第二章：调音的魔术——探索开放与特殊调弦 指弹演奏的精髓之一在于对传统调音的突破。本章将系统性地介绍构成指弹音乐的基石——各种开放调弦（Open Tunings）和特殊调弦（Alternate Tunings）的原理、适用曲目以及转换技巧。掌握调音的自由度，是解锁指弹潜能的关键。 标准调弦的局限与突破： 在标准EADGBe之外，如何通过调整音高来拓展和声的可能性。 核心开放调弦详解： 重点解析Open G（如DGDGAD）、Open D（DADFAD）和DADGAD等常用调弦的结构、音程关系及在不同风格中的应用。 尤克里里调弦的独特视角： 探讨标准GCEA调弦（高音G）与低音G调弦（Low G）对指弹编排的影响，以及用于夏威夷音乐的特定调弦法。 实操指南： 提供精确的音高标记和调弦工具使用建议，确保演奏者能够安全、准确地进行调弦转换。 第三章：指法精解——手指的独立性与协调训练 指弹要求演奏者的左手（和弦按压）与右手（拨弦发声）达到惊人的独立性与协调性。本章将提供一套循序渐进的训练体系，专注于提高手指控制力。 右手分离训练（PIMA原则的深化）： 详细阐述拇指（P）、食指（I）、中指（M）、无名指（A）在独立演奏旋律、低音、和声填充时的功能分配。 多声部织体构建： 如何通过精确控制手指的触弦深度和力度，确保低音的清晰、持续和旋律的突出。 技巧分解与练习： 专注于轮指（Rolls）、颤音（Tremolo）在指弹中的应用，以及如何构建流畅的“Walking Bass Line”（行走贝斯线）。 左手技巧的协同作用： 探讨左手闷音（Muting）、击弦（Hammer-on）、勾弦（Pull-off）与右手拨弦的时机配合，以实现“一击多音”的效果。 --- 第二部分：音乐理论与编曲的艺术 第四章：和声的重构——指弹中的低音与和声填充 指弹音乐的“一枝独秀”效果，很大程度上依赖于演奏者对和声的重新编排。本章将指导读者如何将复杂的乐队编曲简化并融入指弹框架。 低音线条的逻辑： 学习如何确立清晰、稳定的根音（Root Note）或行走贝斯线，它构成了指弹的骨架。 和弦的“着色”： 介绍如何在基本和弦基础上添加九音（9th）、十一音（11th）、十三音（13th）以及挂留和弦（Sus Chords），以丰富指弹的音色层次。 琶音与分解和弦的运用： 探讨如何将琶音融入到节奏结构中，避免听起来过于机械化，而是服务于旋律的流动。 调式与色彩转换： 如何在特定调弦中利用开放弦的特性，实现快速的调式色彩变化，增添异域风情。 第五章：旋律的凸显与节奏的律动 在多声部演奏中，确保听众能够清晰地捕捉到主旋律是至关重要的挑战。 旋律重音的定位： 学习通过更强的触弦力度、更靠后的拨弦位置（靠近琴码）来强调旋律音，使其在整体织体中“浮现”出来。 节奏变幻的秘密： 如何在保持固定低音线的同时，对旋律和和声填充部分进行切分、附点、以及三连音的穿插，制造丰富的律动感。 复合节奏的处理： 针对吉他与尤克里里中常见的3/4拍、6/8拍以及复杂拍号的指弹处理技巧。 第六章：改编的哲学——将经典转化为指弹语汇 本章是实践性的指导，教授读者如何解构一首非指弹作品（如流行歌曲、古典乐章或爵士标准曲），并将其成功改编为一套完整的指弹乐谱。 “剥洋葱”式分析法： 如何从原曲中提取出核心旋律、基础和声进行和节奏律动。 声音空间的分配： 确定哪个音符属于“低音区”、哪个属于“中音区（和声）”以及哪个属于“高音区（旋律）”。 技巧的匹配： 根据原曲的速度和复杂性，选择最适合的调弦和拨弦方式。例如，慢速抒情曲可能更侧重于琶音的连贯性，而快速布鲁斯则需要强劲的贝斯线支撑。 原创性与致敬： 探讨在改编过程中，如何保留原作神韵的同时，融入个人演奏风格和创意，避免单纯的机械模仿。 --- 第三部分：风格探索与进阶之路 第七章：风格的肖像画——从蓝草到新古典主义 指弹风格流派众多，每一种都承载着特定的文化背景和技术要求。本章将描摹几种主要的指弹风格的面貌。 指弹蓝草/乡村（Travis Picking）： 专注于Merle Travis、Chet Atkins等大师的“交替低音”技巧，强调稳定、机械般的节奏感。 “指弹吉他”的现代前沿： 探讨如Tommy Emmanuel、Andy McKee等当代大师如何将打击乐（Percussive Techniques）融入演奏，拓展了吉他作为打击乐器的可能性。 尤克里里的创新浪潮： 聚焦于尤克里里指弹如何在高音域内，通过复杂的分解和弦和快速的装饰音，创造出精致细腻的音乐画面。 古典指弹的严谨性： 探讨借鉴古典吉他演奏法的指弹作品，其对乐句划分、动态控制的更高要求。 第八章：打击乐的融入——让吉他/尤克里里“敲”起来 现代指弹的标志性特征之一，便是将击打、扫弦等打击乐元素融入到指弹织体中，使乐器具备了鼓组和贝斯的双重职能。 击打点的确定： 区分琴板（Body）不同区域的音色差异（如琴码、音孔边缘、琴颈连接处），以及它们分别模拟的鼓声（底鼓、军鼓、镲片）。 节奏型与律动： 如何将打击乐的节奏型（Groove）自然地嵌入到既有的低音行走中，而不破坏整体的流畅性。 平衡的艺术： 确保打击乐声部在提升音乐能量的同时，不会掩盖住旋律或削弱和声的饱满度。 第九章：舞台的呈现与录音的艺术 精湛的演奏技巧最终需要通过恰当的方式传达给听众。本章将关注从练习室到舞台的转化过程。 动态控制的舞台运用： 学习如何在大型演出空间中，通过夸张的力度变化和乐器选择来维持声音的清晰度和情感张力。 情绪的构建： 指导演奏者如何通过身体语言、眼神交流，将音乐的情感深度传递给观众，而不仅仅是技术展示。 录音基础设置： 针对指弹音乐的复杂性，介绍基础的麦克风摆位技巧（如双麦克风拾音原理），以及如何处理低音共振和高频的清晰度，以捕捉指弹声音的全部细节。 --- 结语：持续的探索与个性的表达 指弹音乐的魅力在于其无限的可能性。本书提供的理论框架和技巧训练，旨在为学习者奠定坚实的基础，而非限定创作的边界。真正的精通，源于对所学知识的消化、批判，并最终将其转化为独一无二的个人声音。我们鼓励每一位读者，在掌握了这些工具之后，勇敢地去探索未知的调弦、编排陌生的曲目，让指尖下的木头，诉说出属于自己的故事。 ---

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排逻辑非常大胆且富有层次感。它并非完全按照从易到难的传统模式展开，而是采取了一种螺旋上升的结构。开篇并未直接进入演奏的入门部分，而是先用几章恢宏的笔墨描绘了山地洋琴在美国历史长河中的地位，这种先拔高立意的写法，极大地激发了读者的好奇心和探索欲。随后，在讨论具体演奏技巧时，作者却巧妙地融入了大量的音乐理论，但处理得异常巧妙，让人在不知不觉中吸收了知识，而不是感到被说教。我特别赞赏其中关于“即兴与限制”关系的讨论，作者认为山地洋琴的结构本身就提供了一种“限制”，而真正的创造力恰恰是在这种限制中爆发出来的。这种辩证的思维方式，拓宽了我对音乐创作的理解。此外，书中的配图质量极高，无论是乐器细节的微距摄影，还是历史照片的清晰度，都达到了专业水准，为文字提供了有力的视觉支撑。

评分☆☆☆☆☆

初捧此书，心头涌起一股难以言喻的兴奋与期待。封面设计简洁却透露着深厚的底蕴，仿佛已经能从那些留白的角落里嗅到木头的清香和指尖划过琴弦的微颤。我一直对那些带有民谣色彩、质朴而又充满生命力的乐器抱有特殊的情感，而山地洋琴（Mountain Dulcimer）无疑是其中的佼佼者。这本书的排版非常精美，字里行间流淌着对乐器历史的敬畏与热爱。书中对乐器的起源、不同流派的发展脉络描绘得细致入微，即便是对乐理知之甚少的门外汉，也能被作者那种娓娓道来的叙事方式深深吸引。特别是其中关于美国阿巴拉契亚山区的文化背景的阐述，让我仿佛置身于那片雾霭缭绕的山林之中，聆听着古老的歌谣。阅读过程中，我多次停下来，想象着那些早期演奏者如何在艰苦的环境中，用最简单的工具，创造出如此动人心弦的音乐。它不仅仅是一本关于乐器的书，更像是一部浓缩的美国民间音乐史诗，充满了对传统与坚韧的赞颂。我尤其欣赏作者在描述乐器制作工艺时所展现出的那种近乎匠人的执着，那种对每一寸木材纹理的尊重，让人对这件乐器产生了更深层次的敬意。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，我原本以为这是一本偏向于技术指导类的书籍，但阅读下来，我发现它更像是一本关于“心境”和“生活哲学”的探讨。作者似乎并不急于教会读者如何快速上手演奏，而是引导我们去理解山地洋琴背后的精神内核——那种与自然和谐相处、在简朴中寻找丰盈的智慧。书中关于乐器音色哲学的探讨尤其深刻，作者花了大量篇幅去比较不同木材在经过岁月洗礼后所产生的微妙变化，这种对“时间”的重视，让我开始重新审视自己对待学习和创造的态度。它提醒我，真正的艺术不是速成的产品，而是需要时间的沉淀、耐心的打磨。每当我感到浮躁时，翻开这本书的某一页，读到那些关于“慢下来，去聆听”的段落，内心立刻会得到一种强大的平静力量。它不是一本工具书，而是一剂对抗现代社会快节奏生活的良药，让人愿意重新拾起那些被遗忘的慢节奏生活美学。

评分☆☆☆☆☆

这是一本需要反复品味的“老酒”，初次阅读时或许只能品尝到表面的甘甜，但随着时间的推移和阅历的增加，其后劲和复杂性才会逐渐显现出来。我个人最欣赏的是作者处理不同文化交融时所表现出的那种超然和客观。山地洋琴作为一种移民乐器，融合了欧洲传统与美洲本土的特色，书中对这种“混血”身份的探讨，充满了人文关怀。它不仅仅是讲述一种乐器如何演变，更是在探讨一种文化如何在新的土地上扎根、适应并最终形成自己独特面貌的过程。这本书的行文风格非常成熟，没有丝毫的卖弄或故作高深，语言朴实中蕴含着深邃的哲理，读起来让人倍感亲切，仿佛在与一位德高望重的音乐导师进行一次长谈。它成功地架起了一座桥梁，连接了过去与现在，连接了乐器本身与它所承载的广阔的生活图景。

评分☆☆☆☆☆

这本书的文字风格简直像是一场精心编排的音乐会，时而激昂，时而低回，让人在阅读时时刻保持着高度的沉浸感。我尤其喜欢作者在描述演奏技巧时的那种富有画面感的措辞，他没有堆砌生涩的专业术语，而是用大量的比喻和场景再现，将复杂的指法和节奏感转化成了可以触摸、可以听见的体验。比如，描述如何运用“扫弦”（strumming）技巧时，作者将其比作“微风拂过成熟的麦浪”，既轻盈又富有律动，让人立刻就能捕捉到那种音乐的精髓。这种将抽象的音乐概念具象化的能力，是这本书最让我惊喜的地方。而且，书中穿插的那些轶事和老乐手的口述材料，更是为整本书增添了鲜活的生命力，那些关于即兴创作、关于家庭聚会的温暖记忆，让冰冷的文字瞬间有了温度。读到某些段落，我甚至忍不住放下书，拿起身边的任何一个可以发声的物体，尝试模仿那种书中描绘的韵律，可见其感染力之强。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆