A Dictionary of Musical Terms pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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作者:Baker, Th., Dr.

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页数:272

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价格:317.00 元

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isbn号码:9781443730150

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《古老乐章的低语：一部关于失落音乐传统的探索》 作者： 伊莲娜·凡·德·霍夫 出版： 黎明之钟出版社，2023年秋 --- 书籍简介： 在音乐历史的长河中，我们所熟知的巴赫、莫扎特、贝多芬的辉煌篇章，仅仅是冰山一角。隐藏在典籍和学院派规范之下的，是无数失传的旋律、被遗忘的演奏技巧、以及与特定地域、社会阶层紧密相连的音乐形态。《古老乐章的低语：一部关于失落音乐传统的探索》 并非一本工具书，它是一次深入历史肌理的考古发掘，旨在重构那些在工业革命、文化融合与战争洪流中逐渐消散的听觉遗产。 本书作者，著名的音乐人类学家兼历史提琴家伊莲娜·凡·德·霍夫，历经二十余年的田野调查与档案爬梳，将读者带离音乐厅的喧嚣，潜入欧洲中世纪晚期到二十世纪初的隐秘角落。这本书的核心论点是：音乐知识的“标准化”过程，必然伴随着地方性、实用性音乐智慧的系统性流失。 第一部分：回声的碎片——中世纪与文艺复兴边缘的声响 第一部分将焦点投向了在官方音乐编纂中常常被边缘化的民间和宗教边缘群体的音乐实践。凡·德·霍夫首先考察了伊比利亚半岛上，摩尔人（Moorish）影响下的“塞法迪旋律”的衰亡。她详细分析了如何通过对古老手抄本上的符号学注释（而非音高本身）的解读，来推测出那些带有复杂阿拉伯音阶色彩的吟诵调的呼吸与颤音模式。 随后，她转向了阿尔卑斯山脉深处的山地部落。这里的音乐，特别是与狩猎仪式和季节更替相关的“山歌”（Jodler），并非简单的抒情之作，而是一种复杂的声带训练技术，旨在跨越广阔的峡谷进行信息传递。本书展示了失传的“峡谷共鸣法”（The Fjord Resonance Technique），一种需要极高肺活量和喉部控制的演唱方式，并辅以她本人尝试复原这些技巧的录音笔记（读者可通过附带的数字资源链接收听模拟的成果）。 重点章节还探讨了“游吟诗人”阶层在15世纪末期如何被宫廷乐师的“理性化”音乐理论所取代。书中收录了对一些被误认为是“粗俗”而焚毁的乐谱残片的考证，揭示了其结构复杂性远超当时主流的对位法。 第二部分：律动的错位——巴洛克前夜的实用音乐 巴洛克音乐的诞生，标志着欧洲音乐从“为仪式服务”向“为审美愉悦”的重大转变。然而，这种转变留下了巨大的空白。第二部分深入探讨了那些服务于日常功能但缺乏完整记录的音乐形式。 1. 航海与钟声： 作者花费了大量篇幅研究17世纪的航海音乐。这些音乐的主要目的并非娱乐，而是校准钟摆、计时、以及在迷雾中通过特定的节奏模式来识别所属船只。本书详细分析了“大西洋节拍”（The Atlantic Cadence）——一种基于不同船体材料和海浪频率而微调的节拍系统，这种系统在现代精确计时技术出现后彻底消失。 2. 织工与纺锤： 在法国和低地国家的纺织工厂中，机器的轰鸣声中夹杂着工人们为了保持节奏和提高效率而哼唱的“工作歌”。凡·德·霍夫指出，这些歌谣的旋律结构是高度重复但内在变奏无穷的，它们的功能性节奏强于旋律性，是当时社会阶层情绪的无声记录。本书利用早期工业社会学家的观察报告，试图重建这些旋律的“功能性听觉蓝图”。 3. 炼金术的音阶： 这是一个极具争议的章节，作者探讨了16世纪末一些神秘学团体如何将化学元素与特定的音高和音色联系起来。她不是宣称这些联系是“科学的”，而是将其视为一种高度符号化的“声音冥想”练习。通过对炼金术士笔记中神秘符号与当时已知乐器音域的对比，她推测出了一套关于“转化之声”的实验性调式。 第三部分：现代性的侵蚀——十九世纪的“被遗忘的民族之声” 进入19世纪，民族主义兴起，音乐家开始系统性地搜集民间音乐。然而，这种搜集往往带有强烈的“整理”和“美化”倾向，使得原本粗砺、原始的音乐形态被“净化”。 本书的第三部分着重批判了这种“纯化”过程对音乐真实性的破坏。作者将目光投向了东欧，特别是喀尔巴阡山脉地区的“边缘鲁特琴音乐”。这种音乐的特点是极高的即兴成分和对非标准音程（microtones）的频繁使用，以适应当地复杂多变的语言声调。当被记录下来时，这些即兴的微小差异被“修正”为最近的半音，从而丢失了其情感的细微差别。 凡·德·霍夫还分析了第一次世界大战对音乐文化造成的不可逆转的影响。她考察了那些在战壕中诞生的、转瞬即逝的黑色幽默歌曲，它们使用复杂的、颠覆性的和声结构来表达对既有秩序的绝望。这些歌曲因其政治敏感性或纯粹的非记录性，大多只以口头形式流传，战后迅速被“更具建设性”的音乐所取代。 --- 结语： 《古老乐章的低语》是一部充满思辨和实证精神的作品。它不提供现成的乐谱，而是提供了一套倾听历史的方法论。凡·德·霍夫挑战读者去思考：我们今天所珍视的“经典音乐”，究竟是我们文明全部的听觉记忆，还是仅仅是那些最适合被书写、被保存、被统治者认可的声音片段？这本书提醒我们，真正的音乐宝库，常常深埋在那些没有被五线谱记录的、沉默的空气之中。它呼唤的，是对每一个时代、每一个角落中，那些不再奏响的声音保持警醒与敬意。

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这本书给我的感觉，简直就像是一个老派音乐行家在和你耳边低语，分享他多年的经验和感悟。它的语言风格非常独特，不像教科书那样板着脸孔，而是带着一种温暖的、近乎是散文式的叙述感。比如，当我们查阅“延音踏板”（Sustain Pedal）时，它不仅解释了物理作用，还引用了肖邦或德彪西的作品片段，去描绘踏板如何在音乐的“呼吸”中创造出模糊而又丰富的情感层次。这种细腻的笔触，让人在学习知识的同时，也情不自禁地沉浸在音乐的美学之中。我发现，这本书对于那些希望提升演奏表现力的乐器演奏者来说，简直是一本“秘密武器”。它清晰地指出了不同表情术语背后的情感动机，而不是仅仅告诉你“慢一点”或“轻一点”。我最近在练习一首勃拉姆斯的作品，书里对“Stürmisch und drängend”（风暴般和急促地）的诠释，让我对乐曲的内在张力有了全新的理解。这种将技术定义与艺术表达完美融合的写作手法，是市面上很多死板的词典所无法比拟的。

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说实话，我购买这本书主要是为了给我的高中音乐鉴赏课做准备，需要一本能应付各种突发问题的“百科全书”。令我惊喜的是，这本书在解释那些大家耳熟能详的术语时，也总能提供一个全新的、更深层次的视角。例如，对于“奏鸣曲式”，它不仅仅停留在呈示部、发展部、再现部的结构分析上，而是深入探讨了这种结构在贝多芬手中如何被“戏剧化”和“心理化”，甚至提到了海顿在其中起到的奠基作用。这种层层递进的解释结构非常适合教学。我特别喜欢它在术语解释中穿插的“小贴士”或“历史侧记”，它们往往能解答学生们那些“为什么会这样”的疑问，而不是仅仅停留在“是什么”。这本书的索引做得极为细致，即便是对某个历史人物或特定乐团术语的引用，也能找到对应的解释页面，非常实用。对我这个需要不断备课的老师来说，它极大地减轻了查找一手资料的负担，是一个可靠的知识后盾，让我能够自信地站在讲台上，回答学生们那些刁钻的问题。

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说实话，我本来对这种“工具书”抱有很低的期待，总觉得它们读起来枯燥乏味，无非就是生硬的定义和冰冷的术语对照。我购买这本书主要是因为我的合唱团指挥推荐，说它在处理声乐术语方面做得非常出色。实践证明，这本词典远超出了我的预期。它最吸引我的一点是，它非常注重历史演变。比如，对于“歌剧”这个词条，它不是简单地定义“戏剧和音乐的结合”，而是详细追溯了其起源于文艺复兴晚期佛罗伦萨的尝试，并梳理了从巴洛克时期咏叹调的发展到威尔第时代“抒情主义”的过渡，甚至提到了当代歌剧在电子音乐元素上的融合。这种纵深感让我明白，每一个音乐术语都不是孤立存在的，它们都承载着一段历史的重量和艺术家的思考。此外，这本书在处理乐器法和配器法方面的条目也极其详尽，光是铜管乐器部分的描述，就让我对小号和圆号在不同乐队配置中的角色有了更深刻的理解。对于一个业余的乐谱阅读者来说，这种深度既不会让人望而却步，又能提供足够坚实的知识基础去进行更深入的探索。它成功地将“参考手册”的实用性与“音乐史读物”的叙事性结合了起来。

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我是一个主要研究20世纪先锋派音乐的学者，坦白地说，很多音乐词典在处理序列主义、随机音乐或者噪音音乐相关的概念时，往往力不从心，要么是语焉不详，要么就是直接忽略。因此，当《A Dictionary of Musical Terms》的目录里出现了“微音（Microtone）”、“拓扑学在音乐中的应用”这些条目时，我感到非常振奋。这本书在对当代音乐理论的收录上，展现出了非凡的广度和与时俱进的态度。它对勋伯格十二音体系的解释，清晰地阐述了其数学基础，同时又不失对美学意义的探讨。我尤其欣赏它对于不同文化音乐术语的包容性，虽然主要侧重西方传统，但对于例如印度古典音乐中的“拉格”（Raga）或日本雅乐中的一些关键概念，也提供了简明而准确的注释，这为我的跨文化研究提供了极大的便利。这本书的作者显然深谙音乐领域的复杂性，并且致力于打破不同音乐时代和地域之间的壁垒。对我而言，它已经从一本普通的工具书，升级成了我案头不可或缺的“理论桥梁”，帮助我连接那些看似分散的现代音乐思潮。

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这本书简直是音乐学习者的福音，尤其是对于那些刚踏入古典音乐殿堂的“门外汉”来说。我记得我刚开始接触巴赫的时候，那些术语简直像天书一样，什么赋格、对位、奏鸣曲式，每一个词都像是一堵墙横在我的面前。市面上那些辞典往往过于晦涩，要么是写给专业音乐学院学生的，要么就是过于简略，查了也白查。但是《A Dictionary of Musical Terms》这本书的编排方式非常人性化。它不是简单地把定义罗列出来，而是更倾向于用一种“情境化”的方式来解释概念。比如，它解释“和弦”时，会引用一些著名的乐段作为例子，让你能立刻在脑海中构建出那个声音的画面。更让我惊喜的是，它对不同时期、不同流派的术语都有所涉及，不像有些辞典只偏重于某一特定领域，导致我在研究德彪西时，发现它对印象派术语的覆盖率非常令人满意。排版清晰，索引做得极其到位，即便是查找一个非常偏门的意大利语速度标记，也能迅速定位。对于那些想提升自己音乐鉴赏能力，但又苦于没有系统理论基础的朋友们来说，这本书绝对是最好的“拐杖”。它既有学术的严谨性，又保持了极佳的可读性，这在音乐参考书中是相当难得的品质。我甚至会把它放在床头，偶尔翻阅一下，就像在和一位经验丰富、耐心十足的音乐导师对话一般。

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