Funk Piano Method pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:Gelling, Peter

出品人:

页数:0

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出版时间:

价格:154.00 元

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isbn号码:9781864690804

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《爵士钢琴演奏的秘密：从布鲁斯到现代和声的指引》 （一本专注于爵士钢琴基础、理论与实践的深度指南，旨在为严肃学习者搭建坚实的音乐桥梁） --- 导言：跨越风格的音乐对话 本书并非追溯某一特定流派钢琴教材的脉络，而是一部旨在为严肃的钢琴学习者和即兴演奏爱好者提供一套完整、系统化的爵士和声与演奏思维的工具书。我们深知，音乐的魅力在于其无限的可能性与深邃的理论结构。因此，《爵士钢琴演奏的秘密》将聚焦于爵士乐这门迷人艺术的核心——和声的逻辑、节奏的律动以及即兴思维的构建。 本书的创作理念源于对当代爵士钢琴教学现状的深刻洞察：许多学习者在掌握了基础指法和简单的和弦转换后，便陷入了技术与理论的“黑洞”，无法有效地将所学的知识转化为富有表现力的音乐语言。因此，我们的目标是提供一条清晰的路径，从最基础的布鲁斯（Blues）骨架开始，逐步攀升至复杂的现代和声结构，确保学习者不仅“知道”和弦是什么，更能“理解”它们为何如此进行。 --- 第一部分：根基的夯实——布鲁斯与节奏的律动（The Foundation: Blues & Rhythmic Groove） 爵士乐的灵魂深植于布鲁斯。本部分将彻底解构传统的十二小节布鲁斯（12-Bar Blues）结构，不仅仅停留在和弦符号的识别上，而是深入探讨其内在的功能性和声学色彩。 1.1 布鲁斯的解剖学： 我们将详细分析标准布鲁斯进行中的I、IV、V级和弦的演变，特别是“属七和弦的减七替代”以及“调内色彩化”的早期运用。这不是简单的和弦转换练习，而是对“布鲁斯音阶（Blues Scale）”与“调式音阶（Modes）”在特定和弦背景下冲突与融合的深入剖析。 1.2 律动与切分（Groove and Syncopation）： 爵士乐的核心在于其独特的律动。本章将摒弃传统的四四拍僵硬感，引入“摇摆（Swing）”的内涵——并非简单的三连音化，而是对节奏组（Rhythm Section）中低音行走（Walking Bass）与鼓组伴奏（Drum Pattern）的深度模仿与内在感觉的培养。我们将通过特定的练习，训练听觉对次分音符的精确感知，实现手部节奏的独立性。 1.3 基础和弦的色彩化（Tertian Harmony Extension）： 在布鲁斯框架内，我们开始引入九音（9th）、十一音（11th）与十三音（13th）。重点在于识别哪些音是“必需的稳定音”（Guide Tones），哪些是“可替换的色彩音”。我们将展示如何用简单的七和弦进行初步的色彩升级，为后续的复杂和声做铺垫。 --- 第二部分：和声的进阶——功能性与调式思维（Harmonic Advancement: Functionality and Modal Thinking） 一旦掌握了布鲁斯的骨架，学习者便需要理解爵士乐的“语法”——即和弦是如何相互连接的。 2.1 二五一的魔力（The II-V-I Progression）： 这是爵士和声的基石。本书将用超过十章的篇幅来拆解和重构二五一。这包括： 次属和弦（Secondary Dominants）的运用： 如何借用其他调的属和弦来增强进行的方向性。 和声替代（Harmonic Substitution）： 深入探讨三全音替代（Tritone Substitution）的原理及其对低音行走的影响，实现和声的色彩转换而不破坏结构。 调式的功能性（Modal Functionality）： 分析Dorian、Mixolydian、Lydian等调式如何自然地“锚定”在二五一的每个和弦上，以及如何利用调式音阶的特定音来创造即兴的“张力点”。 2.2 调式爵士的开端（Introduction to Modal Jazz）： 随着Miles Davis和John Coltrane等大师的探索，爵士乐从严格的和声进行转向了基于调式的固定音响（Static Harmony）。本章将对比传统和声进行与调式演奏的区别，重点讲解如何处理“长时间停留在一个和弦”时，即兴旋律的组织与发展，避免旋律的枯竭感。我们将详细分析Dorian、Lydian Dominant等在现代爵士中占据核心地位的调式。 2.3 密集和弦的构建与选择（Voicing and Chord Selection）： 爵士钢琴家的声音质量至关重要。本书将专注于和弦的“构型”（Voicing）。我们摒弃教科书式的标准根音在下的和弦排列，转而教授“根音上移”和“内声部移动”的技巧，特别是如何构建“左手低音支撑与右手高位色彩”的平衡结构。特别关注“Drop 2”、“Drop 3”等实用构型的变体，以及如何在不使用根音的情况下保持和声的清晰度。 --- 第三部分：即兴的语言与发展（The Language of Improvisation and Development） 理论的掌握最终必须通过演奏得以体现。本部分关注如何将静态的和声知识转化为流动的音乐叙事。 3.1 旋律动机的发展（Melodic Motif Development）： 即兴并非随机音符的堆砌。我们将探讨如何从一个简单的两到四个音符的“动机（Motif）”出发，通过节奏的变形、音程的逆行、序列的重复等手法，将其发展成完整的乐句。这模仿了古典作曲的严谨性，却服务于爵士乐的自由表达。 3.2 琶音与音阶的实用化（Practical Scale and Arpeggio Application）： 许多学习者熟知所有音阶和琶音，但无法在演奏中快速调用。本书提供的是“基于和弦功能”的音阶选择手册。例如，在属七和弦上，应优先考虑Mixolydian b911，而不是泛泛地使用半全音阶。我们将提供大量的“音阶片段练习”，强制学习者在特定的和声背景下进行快速反应。 3.3 演奏曲目的深入解析： 本章将选取数首爵士标准曲（Standards），进行细致的“演奏蓝图”绘制。这包括： 曲式分析： AABA、ABAC等结构的清晰划分。 和声重构： 分析原曲中可以进行哪些“内行化”的色彩处理。 即兴路线图： 针对每个八小节段落，提出不同的即兴策略，例如：前四小节使用调式音阶强调稳定，后四小节使用经过音和减七和弦制造张力。 --- 结语：成为一个有思想的演奏家 《爵士钢琴演奏的秘密》期望将学习者从单纯的“模仿者”转变为“思考者”。音乐的深度不在于掌握多少技巧，而在于理解声音背后的逻辑。通过本书提供的系统化训练，您将能够自信地驾驭复杂的和声环境，用您的指尖讲述属于自己的爵士故事。这本书，是关于如何倾听、如何理解、最终如何创造的综合性宣言。 --- 本书特色： 极度强调和声功能性与视觉化的和弦图解。 大量提供特定和声背景下的“内行化（Inside Playing）”旋律范例。 侧重于节奏的“感觉”而非机械的节拍器训练。 不涉及任何关于“Funk Piano”或特定摇摆/放克钢琴技巧的教学内容。 内容专注于爵士乐的核心技术与理论深度挖掘。

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我花了大约两周的时间沉浸在这本乐谱的练习中，坦白说，它的难度曲线设计得相当精妙。它并不是一开始就给你丢一个让人望而却步的复杂乐段，而是循序渐进地建立起你对放克钢琴核心要素的认知。最让我印象深刻的是它对“根音和弦”（Rootless Voicings）的讲解部分。很多教材只是简单地罗列出和弦构成，但这本书深入剖析了为什么在特定的放克律动中，省略低音的根音反而能让整体听起来更“开阔”和“有空间感”。作者用非常直白的语言解释了这种声部配置对低音线（Bassline）的衬托作用。我尝试着跟着书中的练习曲进行演奏，一开始总觉得手指跟不上那种快速的交替和声部切换，但坚持下来后，明显感觉到自己对键盘的控制力提升了一个档次。特别是它关于“Ghost Notes”（幽灵音）处理的章节，简直是醍醐灌顶。它不仅仅告诉你什么时候该弹，更重要的是教你如何用极轻的力度去“暗示”这个音的存在，而不是真正地把它弹出来，这才是放克律动的灵魂所在。

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这本书的封面设计非常引人注目，那种带着复古感的配色和字体选择，一下子就抓住了我的眼球。我是在一个朋友的推荐下买的，他是个资深的键盘乐手，平时对乐理和演奏技巧都有非常独到的见解。他当时说，这本书在处理一些比较“边缘”的和弦进行和节奏型方面做得非常深入，尤其对于那些想突破传统流行钢琴框架的乐手来说，绝对是一剂强心针。拿到书后我主要翻阅了它的前几章，感觉作者在讲解基础概念时，并没有采取那种枯燥的、教科书式的说教方式，而是融入了大量的实际案例和一些非常实用的练习曲。比如，它对“切分音”在放克音乐中如何被巧妙地运用进行了详尽的分析，这对我理解那种“律动感”非常有帮助。而且，排版上相当清晰，重要的理论点都有专门的区块突出显示，即便是像我这样偶尔会走神的人，也能很快抓住重点。我尤其欣赏它对不同“感觉”的量化描述，比如如何通过手指的触键力度和时值控制来营造出那种“松弛而又紧凑”的放克律动，这比单纯看五线谱要直观得多。这本书的配套音频资源也是一大亮点，提供的示范演奏质量非常高，让我能够清晰地分辨出细微的节奏和音色差异。

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这本书的纸质和装帧质量也值得称赞。在反复翻阅和在钢琴上操作的过程中，我发现纸张的厚度适中，不会因为手汗而轻易变形，而且油墨印刷清晰，即便是快速扫视时，五线谱上的小节线和休止符也不会模糊不清。这点对于需要大量阅读乐谱的乐手来说至关重要，毕竟在练习时，你可不想因为看不清一个八分休止符而打断了整个Flow。此外，作者在每章末尾都设置了“演奏反思”的小栏目，这更像是一个私人的导师在跟你对话。它会提出一些发人深省的问题，比如“你刚才的演奏，有没有让听众想跟着点头？”或者“有没有哪个音听起来像是‘多余的’？”这些引导性的思考，促使我不断地自我纠正和完善演奏细节。总而言之，这不仅仅是一本教材，更像是一本伴随我成长的演奏哲学指南，它成功地将硬核的理论知识和实用的演奏技巧无缝地融合在一起，对任何想认真对待放克键盘演奏的人来说，都是一本不可多得的宝藏。

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从一名爵士乐背景的钢琴手角度来看待这本书，我发现它在融合不同音乐风格的交叉点上做得非常出色。我过去习惯了爵士乐中更复杂的和声色彩和更自由的即兴框架，但放克音乐对节奏的精准度和重复性的要求是另一番挑战。这本书很巧妙地将两者结合起来，它并没有完全抛弃爵士和声学的知识，而是教你如何将那些更复杂的九和弦、十一和弦“简化”或“重构”成更适合放克律动的强劲和弦型。例如，书中有一段关于“哇音”（Wah-wah effect）在钢琴上的模拟练习，虽然钢琴本身没有效果器，但作者通过特定的节奏和力度变化，竟然能让人“听”出那种标志性的扫弦效果。这种跨媒介的思维转换，在我看来是这本书最具创新性的地方。它不只是教你弹奏，更像是教你如何用钢琴这个乐器去“模拟”其他乐器的音色和功能，拓宽了作为键盘手的想象空间。

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这本书的理论深度远超我的预期，我原本以为它会更侧重于技巧展示，但事实证明，作者对音乐理论的理解非常扎实。它不仅仅是告诉你“怎么弹”，更重要的是解释了“为什么这么弹会好听”。例如，在谈到“切入点”（Attack）的控制时，书中引用了音响学的一些基本概念，解释了声音的初始瞬态如何影响听众对节奏的感知。这对于那些希望从“弹奏者”进阶到“理解者”的读者来说，价值极高。我特别喜欢其中关于“Groove Compartmentalization”（律动分层）的讨论，作者将一个复杂的放克乐句拆解成三个独立的层级：低音驱动层、和弦填充层和节奏装饰层，然后分别指导读者如何练习和串联。这种结构化的学习方法，大大减轻了初期练习的挫败感，让复杂的任务变得可管理。我感觉自己不再是机械地模仿，而是开始主动地构建自己的律动感，这种成就感是无与伦比的。

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