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出版者:

作者:Thompson, Kim Mitzo

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:

价格:108.00 元

装帧:

isbn号码:9781575832982

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远方的回响：古籍修复师的秘密足迹 图书简介 作者： [此处留空，由出版方填写] ISBN: [此处留空，由出版方填写] 页数: 620页 装帧: 精装，附赠手绘插图集 定价: 人民币 128.00 元 --- 内容提要 在时间的长河中，文字与图像是人类文明最脆弱也最坚韧的载体。然而，岁月、水火、虫蛀，乃至每一次不经意的翻阅，都在无声地侵蚀着那些珍贵的纸页与绢帛。《远方的回响：古籍修复师的秘密足迹》并非一部关于色彩与几何的教科书，而是一部深入探究“修复”这一古老手艺的史诗。它聚焦于一群沉默的守护者——古籍修复师，记录了他们在尘封的书库、幽静的工坊以及尘封的历史碎片中，如何以耐心和智慧，对抗遗忘的洪流。 本书以一位年迈的、享有盛誉的修复大师——陆衡的视角展开，串联起跨越近一个世纪的修复传奇。陆衡的职业生涯，恰好横跨了传统修复技艺的鼎盛与现代科学介入的转折点。读者将跟随他的脚步，从江南水乡一座被洪水侵袭后的百年书斋，到西北沙漠中一座即将坍塌的石窟寺藏经洞，见证那些被判定为“死刑”的古籍如何重获新生。 第一部分：纸的记忆与伤痕 本书的开篇，带领读者进入一个充满樟脑与陈旧纸张气味的世界。我们首先了解古籍损毁的“病理学”：纸张的酸化、霉菌的侵蚀、蠹虫留下的迷宫般的隧道，以及装帧材料的自然老化。这不是枯燥的科学论述，而是伴随着具体案例的生动描述。 案例一：宋版《太平广记》的“蝶翅”修复。 一册因意外受潮而严重粘连的宋版珍本，纸张脆弱如同蝴蝶的翅膀。陆衡团队如何运用特制的植物淀粉浆糊，在显微镜下小心翼翼地分离每一层纸张？书中详述了他们如何利用湿法处理，将墨迹中的化学成分稳定下来，避免在干燥过程中进一步洇散。这部分内容，是对“耐心”的极致考验的详细描摹。 案例二：明代舆图的“补洞”艺术。 一幅描绘郑和下西洋航线的巨幅舆图，在历史动荡中遭受了严重的撕裂与缺失。修复的挑战在于，新补入的纸张必须在质地、颜色和透光度上与数百年前的旧纸融为一体。本书揭示了修复师如何通过手工造纸，根据古籍的纤维结构（麻、桑皮、楮皮）精确配比，制作出“同源”的补纸。其目标不是掩盖缺失，而是使修复的痕迹成为历史的一部分，一种“可见的谦卑”。 第二部分：技术与哲学的交锋 随着故事的深入，本书探讨了修复领域内技术革新带来的伦理困境。是完全遵循古法，保留历史留下的痕迹，还是大胆采用现代科技，如激光除酸、高分子稳定剂等，以求得更长久的保存？ 陆衡的经历提供了一个绝佳的观察窗口。他早年跟随老一辈匠人学习的“砑光”（用玛瑙或贝壳打磨纸面以增加平滑度与韧性）与现代的“真空吸附脱酸处理”形成了鲜明对比。书中穿插了陆衡与现代图书馆学家、化学家的激烈辩论，这些对话深刻地触及了“原真性”的定义：我们究竟是在修复物件本身，还是在修复我们对历史的想象？ 案例三：敦煌遗书的数字化保护与物理干预。 当面对数以万计、极度脆弱的敦煌残卷时，物理修复的速度显然跟不上信息流失的速度。本书详细描述了修复团队如何与图像采集专家合作，在不进行任何物理接触的情况下，通过高精度扫描获取数据。随后，修复师的工作转向了“数据修复”——如何利用这些数字模型来指导对实物的微创干预，防止因过度保护而导致的僵化。 第三部分：隐匿的学问与传承 《远方的回响》的魅力不仅在于技艺的展示，更在于对传承的深沉关怀。陆衡收了一位来自现代艺术院校、起初对传统手艺嗤之以鼻的年轻学徒——沈薇。沈薇的到来，带来了新的视角和对材料科学的理解，但也引发了关于“匠人精神”与“现代职业”之间张力的探讨。 书中记录了他们在偏远山区寻找一种特定的、用于修复受油污侵害的线装书的天然溶剂的过程。这个过程充满了艰辛与发现，他们必须深入当地民俗，理解传统制物对特定植物的依赖性，这不仅仅是化学知识，更是一种跨越时空的文化对话。 尾声：超越修补 全书的结尾，陆衡回顾了他一生修复的数百部典籍。他发现，每一次修复，都是一次与原作者和前人修复者的对话。他最终领悟到，古籍修复的最高境界，不是让书本看起来像“新”的一样，而是让它在承受了风霜雨雪之后，依然能够以其最真实、最坚韧的面貌，继续讲述它的故事。 《远方的回响：古籍修复师的秘密足迹》是一部关于时间、材料、耐心与坚守的非虚构作品。它邀请所有热爱文字和历史的人，一同潜入那些尘封的角落，聆听纸张发出的、穿越千年的低语。它不谈论抽象的图案或基础的形态，它探讨的是文明的重量，以及有人愿意用一生去承托这份重量的决心。

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坦白说，我买这本书纯粹是出于一种好奇心，想看看现代设计师是如何处理这么一个古老主题的。《Colors & Shapes》在我的书架上，它看起来非常低调，封面设计几乎是反商业化的——没有任何引人注目的标题字体或浮夸的插图。但一旦你打开它，那种冲击力是建立在极度成熟的内功之上的。这本书最让人印象深刻的是它对“深度感”的营造。在很多跨页设计中，作者只使用了两到三种颜色，但通过巧妙的光影处理和形状的重叠，他们硬是创造出了仿佛可以走进去的三维空间。我特别喜欢其中一章，完全使用了单色调（比如深海蓝），但通过改变纹理的密度和边缘的锐度，成功地区分出了前景、中景和背景，那感觉就像是在深海中潜行，光线被层层过滤，一切都变得神秘而幽深。这本书的伟大之处在于，它迫使你的眼睛进行“主动工作”。你不能被动地接收信息，你必须主动去分辨哪些是实体，哪些是阴影，哪些是形状的边界，哪些又是形状内部的结构。它是一本训练你“看”的眼睛的书，而不是一本让你“知道”颜色的书。对于那些厌倦了浮夸、追求实质内容的视觉工作者来说，《Colors & Shapes》提供了一种返璞归真的视觉盛宴，它告诉你，最强大的表达往往来自于最简洁的元素和最精湛的技艺。

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我最近的心情一直有些低落，生活好像被一种灰蒙蒙的单调所笼罩，直到我偶然间发现了这本画册——哦，抱歉，我更愿意称之为“光影手册”。《Colors & Shapes》这本书，我必须承认，它的标题有点误导性，因为它远超出了基础的范畴。它更像是一部关于“光线如何在介质中舞蹈”的视觉日记。书中的用色极其克制而精准，与其说是在展示颜色，不如说是在解构色彩背后的情绪张力。我特别留意了其中关于“互补色”的那几页，作者没有简单地将红与绿并置，而是通过一系列渐变的、半透明的叠加，创造出一种类似教堂彩色玻璃窗的复杂光晕效果。那种从热烈燃烧到宁静深邃的过渡，让我感到一种久违的震撼。更让我感到惊艳的是，书中对“形状”的定义被彻底颠覆了。那些我们习以为常的直线、曲线，在这里被赋予了生命和叙事性。比如，一个锐利的尖角，它不再仅仅是一个几何点，它代表着突如其来的顿悟，或者是一道划破长空的闪电。整本书的装帧工艺也透露出一种匠人精神，纸张的厚度和触感都经过了精心挑选，使得油墨的饱和度达到了极致。阅读这本书，就像是进行了一次深度的冥想，它把我从日常的琐碎中抽离出来，专注于最纯粹的视觉感受，那份宁静和力量，是任何其他媒介难以替代的。

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这本《Colors & Shapes》简直是视觉盛宴！我原本以为它会是一本简单的儿童启蒙读物，无非就是红色的苹果，蓝色的天空，圆形的饼干。但当我翻开第一页，立刻就被那种大胆、富有创意的色彩搭配和形状组合所震撼了。作者显然没有满足于教科书式的教条，而是将色彩和形状提升到了一种艺术表达的层面。比如，他们用深紫色的阴影来描绘一个看似简单的三角形，旁边的文字却在探讨“缺失”与“完整”之间的哲学思辨，这让我一个成年读者都陷入了沉思。更别提那些令人惊叹的纹理处理，虽然是印刷品，但你几乎能感受到那些斑驳的砂纸质感和光滑如镜的玻璃表面。我特别喜欢其中一个跨页设计，它用极其克制的黑白线条勾勒出了一个复杂的、看似无序的几何结构，但当你从特定的角度去看时，色彩的碎片突然汇聚成一个清晰可见的、会呼吸的蝴蝶翅膀。这本书的排版极具巧思，留白处理得恰到好处，让每一个元素都有足够的空间“呼吸”，不会显得拥挤。它不是在教你认识颜色和形状，它是在邀请你重新审视你对世界的感知方式。如果你家有孩子，这无疑是培养他们审美情趣的绝佳工具；如果你自己也对设计、艺术或纯粹的美学抱有热情，那么这本书绝对值得你放在书架上时常摩挲。

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说实话，当我打开《Colors & Shapes》时，我有点不屑一顾，心想：“又是那种老掉牙的教育读物。”我是一个研究符号学出身的学者，我对过于直白和表象化的东西不太感兴趣。然而，这本书在极短的时间内，就让我收回了我的傲慢。它最厉害的地方在于它的“语境创造力”。作者似乎深谙，脱离了语境，任何元素都只是空洞的符号。书中有一组对比极其强烈的页面：一边是饱和度极高的霓虹色块，用最粗暴、最直接的方式冲击视觉；而相邻的页面，却是用极其柔和、几乎分辨不出细微差别的灰阶色块构成的，形状也都是模糊不清的轮廓。这种强烈的并置，迫使读者去思考“信息密度”与“感知阈值”的关系。它不仅仅是展示颜色和形状，它是在讨论我们是如何被信息轰炸，以及我们如何选择性地忽略那些“太多”或“太少”的输入。书中对负空间（留白）的运用达到了令人发指的程度，有时候，空白区域本身就是主要的视觉元素，它像是一个沉默的旁观者，定义了被展示的形状的边界和意义。这本书的文字部分也极少，但每一行都像是经过精密计算的数学公式，简洁、有力，且充满暗示性。对于任何致力于探索视觉语言底层逻辑的人来说，这本《Colors & Shapes》都是一份不可多得的参考资料，它将基础元素提升到了元语言的层面。

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我给这本书打五星，但不是因为它有多么“可爱”或“适合孩子”，而是因为它精准地捕捉到了一种“原始的秩序感”。这本书的整体调性非常稳定，仿佛是根据宇宙的基本频率来设计的。我注意到，许多设计书籍都热衷于展示混乱中的美感，但《Colors & Shapes》反其道而行之，它展示的是“秩序中的无限变奏”。例如，它用一系列极其相似的圆形，从最完美的欧几里得圆，逐步向外扩散，每一次扩散，圆的边缘都会引入一个微小的、几乎不可察觉的瑕疵——可能是轻微的抖动，或是颜色的细微渗出。通过这种细微的“破坏”，作者揭示了自然界中完美的抽象概念是如何被物质世界所扭曲和生命化的。这不仅仅是印刷技术的问题，这是一种深刻的哲学表达：绝对的完美是不存在的，真正的美存在于接近完美的过程之中。我花了大量时间研究其中关于“三原色”的演绎，作者没有停留在红黄蓝的物理混合，而是展示了这些颜色在不同光照条件下的心理暗示作用。一页是刺眼的日光下，另一种是黄昏时分的暖光下，同样是“红色”，却散发出完全不同的情感温度。这本书的编排节奏如同音乐的奏鸣曲，有高潮，有沉静，有主题的反复和变奏，读完后感觉精神世界被重新梳理了一遍，非常治愈。

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