具体描述
David Sylvester has been called “the best living writer in English about modern art” (Daily Telegraph). With his expertise, sympathy, and provocative style, he is unique in his ability to talk freely with influential artists. This astounding book includes 21 interviews, recorded over the past forty years, with leading American artists. Together they illuminate all the great developments in American art. Here are the views of David Smith, Richard Serra, Willem de Kooning, Barnett Newman, Franz Kline, Philip Guston, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Frank Stella, Claes Oldenburg, Roy Lichtenstein, Helen Frankenthaler, Louise Nevelson, and more.
Conversations from the 1960s vividly conjure up the New York art scene immediately after the war, when the newly arrived Europeans met the Americans who had worked together in the Depression, their different traditions colliding and fusing as they walked the city, talked and worked together. Others, like those with Carl Andre, Cy Twombly, Alex Katz, and Jeff Koons, speak straight from today. No one but Sylvester could have produced this intricate collage, this chorus of voices that blend to create one of the most revealing and unusual histories of American art in the twentieth century.
作者简介
David Sylvester is an internationally renowned art critic who in 1993 became the first art critic to receive a Golden Lion at the Venice Biennale. His works include the universally acclaimed Looking at Giacometti and Interviews with Francis Bacon.
目录信息
读后感
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用户评价
阅读这本书的过程，对我个人艺术观点的冲击是颠覆性的。我原本抱持着一些根深蒂固的、对于“成功艺术家”的刻板印象，总觉得那些站在博物馆聚光灯下的名字，必然是拥有某种神圣光环的。然而，书中呈现的对话，却充满了日常的琐碎、深刻的自我怀疑，甚至是令人尴尬的迷茫。我记得有一位在国际上享有盛誉的装置艺术家，坦诚地讲述了他早期作品被市场彻底误读的痛苦，以及那种创作激情在面对持续的商业化要求时如何逐渐被消磨殆磨。这种坦诚，极大地拉近了“神坛上的大师”与普通读者的距离。它不再是高高在上的理论灌输，而是一群拥有卓越天赋却也同样在为生存、为表达的纯粹性而挣扎的个体故事。文字中流淌出的，是对创作过程本身那种近乎“苦役”般的执着。我能清晰地感受到，每一次拿起画笔或工具前的犹豫，以及完成一件作品后那种如释重负却又空虚的复杂情绪。这本书让我深刻理解到，伟大艺术的诞生，往往伴随着巨大的精神内耗和与世界的持续性妥协。
评分我对这本作品的结构和叙事节奏感到非常震撼。它不是按照时间线或者艺术流派来编排的，而是采取了一种非常自由、近乎音乐化的对位手法。有时候，你会发现两位看似毫无关联的艺术家，他们的创作哲学或生活态度，在某一瞬间被巧妙地并置在一起，形成一种强烈的张力对比，这种“意外的和谐”是极其考验作者功力的。比如，前一章还在描述一位波普艺术家的喧闹与商业成功，紧接着的下一章，可能就是一位极简主义雕塑家在偏远工作室里对材料本质的孤独探求。这种跳跃感，初读时可能会略感迷失，但很快，你会明白这正是作者想要模仿的艺术创作本身的内在逻辑——灵感和思考往往是碎片化、非线性的。更令人称奇的是，作者在记录对话时，对非语言信息的捕捉能力几乎达到了病态的精准。他会详细描述艺术家在回答某个尖锐问题时，手指如何无意识地摩挲着烟灰缸的边缘，或者眼神如何突然飘向窗外那棵老树。这些细微的“留白”和“动作捕捉”，比任何精心准备的艺术宣言都更接近艺术家的真实面貌。这本书像是一部立体的全景图，通过无数个精确的微观切片，最终拼凑出了一个宏大而复杂的当代艺术生态的面貌。
评分这本书，初拿到手的时候，那种厚重感和内敛的气质就让人觉得这不是一本泛泛而谈的艺术评论集。装帧设计非常考究，纸张的质感摸上去就知道是用心挑选过的，散发着一种老派知识分子的严谨。内页的排版也十分精妙，留白恰到好处，既保证了阅读的舒适度，又让那些密集的文字和偶尔穿插的黑白照片显得井井有条，丝毫没有拥挤感。我尤其欣赏它在引言部分的处理，作者并没有急于抛出宏大的理论框架，而是用一种近乎私密的口吻，描绘了他与第一位受访者初次见面的场景，那种微妙的紧张和期待感，瞬间将读者带入了艺术家的私密创作空间。这不仅仅是一次“采访”的记录，更像是一场缓慢而深入的灵魂对话的开端。我记得其中有一章，探讨了某位抽象表现主义大师对于“空性”的理解，文字的流动性极其出色，仿佛能让人透过文字的缝隙，直接感受到画布上颜料堆叠的重量和光影的变化。这种文学性的叙述，远超了一般访谈录的范畴，它成功地将冰冷的创作理念，转化为了可感知的、富有生命力的体验。整本书读下来，感觉就像是跟随一位经验丰富的策展人，穿梭在不同工作室的时光隧道里，空气中弥漫着松节油、陈旧书籍和咖啡的混合气味。
评分这部作品的学术价值和文献价值是毋庸置疑的，但让我真正沉迷于其中的，是作者提炼信息和构建情感场景的能力。他的文字语言具有极强的画面感和音乐感，尤其是在描述那些抽象的、难以言说的艺术感受时，他总能找到一个非常具象的、触手可及的比喻。例如，当描述一位雕塑家如何与大理石的纹理进行“搏斗”时，作者没有使用生硬的术语，而是将其比作“在冰封的河流上试图读懂水下暗流的诗人”。这种修辞上的精妙，使得即便是对雕塑媒介完全不了解的读者，也能通过文字瞬间建立起一种直观的共情。此外，书中对美国不同地域艺术生态的描摹，也极其细致入微。从纽约的精英文化中心，到西海岸那种受自然环境影响极深的、更注重体验和技术的流派，作者的笔触在地域差异间游走自如，勾勒出了一幅多元而充满活力的大陆性艺术图景。这种对“地方性”的敏感捕捉，使得这本书的广度远远超出了简单的艺术家访谈录，它更像是一部关于“美国精神在不同媒介上的折射”的社会学观察报告。
评分读完这本访谈录，我最大的感受是它提供了一种宝贵的“慢速观看”的视角。在如今这个信息爆炸、人人追求即时反馈的时代，这本书强迫你停下来，真正沉浸在一个长达数小时甚至数日的深度交流中。作者的提问技巧简直是艺术品本身——它们不是为了得到一个标准答案，而是为了拆解受访者防御体系的那些关键切入点。他很少问“你如何看待你的作品”，而是会问“在你完成那件作品的那个下午，你有没有感受到一种恐惧，害怕它不够真实？”这种直指核心、带着哲学思辨的提问方式，激发出了艺术家们最真诚的回应。更重要的是，书中收录的那些关于艺术教育、策展伦理以及艺术市场运作的幕后讨论，为我们理解艺术世界的运行机制提供了难得的内部视角。它揭示了天赋之上，还需要何种社会结构、经济支持和知识体系的支撑才能孕育出真正的艺术大师。这本书读完后，我发现自己对艺术史的看法不再是线性的进步，而是一个充满随机性、竞争与伟大偶然的复杂场域。它让人既感到谦卑，又充满了重新审视自己生活和创作的热情。
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