The Art of Hawaiian Steel Guitar pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:Phillips, Stacy

出品人:

页数:155

译者:

出版时间:2001-1

价格:$ 28.19

装帧:

isbn号码:9780786660872

丛书系列:

图书标签:

• 夏威夷钢吉他
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• 音乐指南

探寻弦音的古老回响：夏威夷钢棒吉他艺术的精髓与传承 《夏威夷钢棒吉他艺术》并非一本仅专注于特定乐器演奏技巧的技法手册，而是一部深入剖析夏威夷音乐文化脉络、追溯钢棒吉他（Lap Steel Guitar）发展历史、并详尽解析其独特演奏美学的百科全书式著作。这本书以其严谨的考据、生动的叙事和专业的音乐分析，为读者构建了一个立体而丰富的世界，去理解和欣赏这种源自太平洋岛屿的、充满魅力的音乐形式。 本书伊始，便将读者带回十九世纪中叶的夏威夷群岛，详细描绘了彼时社会环境与音乐土壤。在西方文化与本土传统的交汇点上，夏威夷吉他（Ukulele、Taro Patch Guitar等）的引入如何与夏威夷本土的吟唱传统——如“Mele”（歌曲）和“Chant”（吟诵）——相结合，最终催生了钢棒吉他的独特地位。作者并未止步于简单的历史罗列，而是深入探讨了夏威夷王室，尤其是卡美哈梅哈大帝家族对音乐的推崇，如何为现代夏威夷音乐的奠基提供了肥沃的土壤。 第一部分：乐器的演变与灵魂的塑造 本书的开篇重点聚焦于钢棒吉他的物理形态与声学特性。它细致区分了传统夏威夷吉他（Guitar/Taro Patch）与专为平放演奏设计的钢棒吉他（Lap Steel）之间的构造差异，强调了琴体的共鸣箱、弦距（Action）以及音高的定制化对音色的决定性影响。 书中详尽描述了从早期的木制音箱到后来的金属共鸣腔（如National Resonator Guitars）的演变过程，并着重分析了这些物理变化如何影响了演奏者对“颤音”（Vibrato）和“滑音”（Glide）的处理。读者将了解到，决定夏威夷钢棒吉他音色灵魂的关键，在于那根精心打磨的金属或玻璃琴棒（Steel Bar），以及演奏者如何通过微小的压力和角度变化，模拟出夏威夷歌曲中模仿自然声音（如海浪、风声）的特质。 第二部分：音乐理论与和声的独特视角 对于音乐爱好者而言，本书在和声分析部分提供了极具洞察力的见解。夏威夷钢棒吉他最显著的特征之一，是其广泛采用的开放调弦（Open Tuning）。本书系统地整理并分类了最常见的几种调弦法，例如Open G、D6、C6等，并解释了每种调弦法在不同音乐流派中的适用性。 更重要的是，作者将理论与实践紧密结合。他阐述了如何在开放调弦的限制下，创造出丰富而流畅的内声部进行。例如，书中详细剖析了“和弦包络”（Chord Voicing）的艺术，即如何通过琴棒的精确移动，在固定和弦指位上实现和弦间的平滑过渡，而非传统吉他通过改变左手按弦位置来实现。这种对“旋律化和声”的强调，是理解夏威夷音乐精髓的关键。 第三部分：演奏技法的精细解构 本书的实践章节是其核心价值所在。它并非提供简单的“如何弹奏C和弦”的图示，而是深入探讨了决定钢棒吉他风格的几个核心技术元素： 1. 滑音（Sliding）： 探讨了不同速度、不同方向的滑音如何表达情感的细微差别，从舒缓的叙事性滑音到快速、富有节奏感的装饰性滑音。书中还特别提及了“微调滑音”（Micro-pitch Sliding），即在两个音符之间微妙的音高修正，这是区分业余与大师演奏的关键。 2. 颤音（Vibrato）： 钢棒吉他的颤音与标准吉他的揉弦截然不同，它依赖于琴棒在弦上的横向或纵向微小晃动。本书对比了不同演奏流派（如早期Pawai流派与后期George Formby影响下的流派）中颤音的幅度和频率差异，并提供了训练手部稳定性的专门练习。 3. 拨弦与击弦（Picking and Hammer-ons）： 尽管音色主要由琴棒决定，但书中对拨片（Pick）的选择和拨弦力度进行了细致的指导，确保右手能提供清晰、圆润的音头。 第四部分：风格的流变与巨匠的足迹 本书的后半部分，是一部浓缩的夏威夷音乐史。作者以时间线索，梳理了钢棒吉他从夏威夷本土走向世界的历程，并重点介绍了对这项艺术产生深远影响的关键人物： 早期先驱： 介绍如“铁匠”George Kahumoku Sr. 等如何将本土旋律与新乐器相结合。 黄金时代（20世纪30-50年代）： 详细分析了如David K. Kaonohe 和 Eddie Kamae 等大师如何将钢棒吉他确立为夏威夷音乐（如Hapa Haole Music）的标志性乐器。 跨界影响： 书中探讨了钢棒吉他如何渗透到乡村音乐（Country Western）、布鲁斯（Blues）乃至早期摇滚乐中，特别提到了在Chet Atkins 和其他南方演奏家手中的演变，这揭示了该乐器超越地域的普适性。 结论：超越技艺的文化沉思 《夏威夷钢棒吉他艺术》最终回归到音乐的功能性与文化意义上。它提醒读者，钢棒吉他的音色——那种悠长、绵密、带着一丝哀愁与慰藉的音色——不仅仅是技术的结果，更是夏威夷人对自然、对海洋、对逝去时光的集体记忆的听觉投射。 本书不仅是钢棒吉他演奏者的案头必备，对于任何对世界音乐史、民族乐器发展或声学美学感兴趣的读者来说，都是一部深度极高、内容翔实的珍贵读物。它以详尽的笔触，勾勒出弦音如何穿越历史的迷雾，至今仍能以其独特的温暖和宁静，触动人心最柔软的角落。

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说实话，这本书的定价让我对它的内容抱有了极高的期待，毕竟市面上关于小众乐器的专业书籍通常都蕴含着作者多年心血的结晶。然而，阅读过程中的体验却像是一场不断落空的迷宫探险。我特别关注其中关于“滑棒（Steel Bar）”材质对音色影响的章节，期待能看到不同金属或玻璃滑棒在不同湿度和温度下产生的微妙变化对比，也许配上频谱分析图就更完美了。但书里对这个话题的处理轻描淡写，仿佛只是顺带提及，真正花了大篇幅去介绍的，却是关于拾音器（Pickups）的电气工程学原理，这对于一个只想了解如何弹奏出那种迷人颤音效果的乐手来说，未免有些跑偏了。而且，书中引用的乐谱示例，虽然完整，但都太过经典和标准化，缺乏一些现代或融合风格的创新案例。我尝试跟着书中的范例练习，却发现它们似乎过于僵硬，无法让我真正掌握那种夏威夷音乐特有的、如水般流动的自由感。这本书似乎忘记了，钢棒吉他不仅仅是乐器，它更是承载着太平洋岛屿文化叙事的一种媒介，而这种叙事感在全书中几乎是缺失的。

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这本书的排版虽然干净利落，但在章节过渡上显得非常突兀。似乎是将不同时期撰写的一些零散资料强行拼凑在一起。比如，关于基础和弦按法的那一章，它的语言风格极其口语化，充满了鼓励性的词汇，仿佛是在对一个初学者进行面对面的基础教学；然而，紧接着的下一章，画风骤变，立刻转向了对二十世纪中期国际爵士乐对夏威夷音乐影响的深度分析，其中充斥着大量我从未听过的音乐家名字和晦涩的音乐学术语，这使得读者的心境完全无法适应。这种极端的跳跃性，让整个阅读过程充满了挫败感。我尝试理解其中关于“推弦的力度控制与颤音的速度关系”的讨论，但由于缺乏前置的情感铺垫和大量的可听范例（书中只提供了文字描述），我无法在脑海中构建出准确的听觉模型。这本书最大的问题在于，它未能找到一个统一的、能够服务于所有层次读者的叙事声音，最终导致内容既不能满足高阶专业人士对深度解析的需求，也无法有效引导初学者进入这个美妙的音乐世界。

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这本书的封面设计简直是一场视觉的盛宴，那种饱和度极高的热带色彩和细腻的排版，让人仿佛能闻到夏威夷海风的味道。我立刻就被那种浓郁的异域风情吸引住了，迫不及待地翻开了内页。可惜的是，一旦进入正文，那种令人惊艳的视觉冲击力似乎就消散了。书中的文字内容，虽然排版工整，但行文风格显得过于学术和疏离，读起来就像是在研读一份技术手册，而非一本充满热情和故事的艺术指南。我本期待能听到一些关于夏威夷音乐历史的口述传说，或是某个大师级演奏家是如何从默默无闻成长为传奇的精彩轶事。书里对和弦理论的解析倒是相当深入，对于已经有一定吉他基础的读者来说，或许能找到一些技术上的突破口，但对于我这样一个主要被夏威夷音乐的“灵魂”所吸引的门外汉来说，这些冰冷的音符结构图和复杂的指法分析，实在难以激起我深入阅读的欲望。它更像是一本面向专业音乐学院学生的教材，而非面向广大爱好者普及和欣赏的读物。整体感觉上，这本书在“艺术”的呈现上用力过猛，却在“灵魂”的传达上显得力不从心。我希望看到更多关于夏威夷文化如何渗透到钢棒吉他演奏中的细节描述，而不是仅仅停留在指板上的技术层面。

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这本书的装帧质量确实无可挑剔，纸张的厚度和光泽度都达到了收藏级别，这无疑是它最大的亮点之一。然而，内容上的结构安排却让我感到困惑。前半部分花费了大量的篇幅去追溯夏威夷音乐从欧洲引入到本土化发展的历史脉络，这部分内容信息量很大，但叙述方式极其干燥，缺乏生动的旁白或访谈记录来佐证。我读到一些关于十九世纪末期宫廷乐团变迁的描述时，感觉就像在阅读一份枯燥的学术论文摘要，而不是一本面向爱好者的书籍。更让我感到失望的是，它几乎没有涉及任何关于“演奏技巧之外”的文化背景知识。比如，夏威夷传统歌谣（Mele）中哪些主题最常被钢棒吉他演奏？在重要的节日庆典中，钢棒吉他的角色是怎样的？这些与音乐密不可分的社会文化背景，这本书完全避开了。它专注于“如何弹奏”，却忽略了“为何而弹奏”这一核心命题。以至于读完后，我只掌握了若干技术名词，却对夏威夷音乐的精髓和情感内核依旧感到陌生。

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作为一本名为“艺术”的书籍，我非常期待能看到大量高质量的彩色图片，特别是那些关于夏威夷乐器制作工艺的细节展示。书里确实有几页插图，但大多是黑白线条图，清晰度令人堪忧，而且它们主要集中在描述电路连接和木材的横截面结构上，对于展示乐器外型的优美和独特纹理几乎毫无帮助。我本想从书中了解一下，例如KoAloha或者Mya-Moe这类知名品牌的制琴师们，他们是如何坚持传统工艺与现代技术相结合的。这本书对此的描述，更多是引用了一些早期的专利文献，显得非常老派和过时。阅读体验中，我反复在寻找关于“即兴演奏”的章节，因为我认为那是所有即兴乐器艺术的灵魂所在。然而，书中给出的关于即兴的指导，基本就是重复讲解调式和音阶的排列组合，完全没有提供任何关于如何培养“听觉想象力”和“情感表达连贯性”的实用建议。这使得这本书更像是一本技术手册的修订版，而不是一本真正探讨艺术创作过程的指南。

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