More Drum Techniques of Rush pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:Rush

出品人:

页数:52

译者:

出版时间:1989-11

价格:$ 18.02

装帧:

isbn号码:9780769250519

丛书系列:

图书标签:

• 鼓谱
• Rush
• 鼓技巧
• Neil Peart
• 摇滚乐
• 鼓教材
• 进阶
• 音乐教学
• 节奏
• 打击乐

鼓手进阶：现代节奏解析与律动雕塑 一本深入探索节奏核心、构建复杂律动的实践指南 本书旨在为中高级鼓手提供一套全面、系统的节奏训练方法论，着重于超越基础技巧的界限，进入到音乐性、动态控制以及风格化演绎的深层领域。我们不会停留于对特定乐队风格的简单模仿，而是致力于解构所有成功节奏背后的通用数学原理、听觉心理学以及演奏者的身体力学。 第一部分：节奏的骨架——结构与解构 本部分将节奏视为一种可以被拆解和重构的结构语言。我们将探索如何从最基础的四分音符脉冲中，逐步构建出能支撑复杂音乐结构的层次感。 第一章：超越节拍器——内化时间感 时间感并非依靠外部设备培养，而是内部机制的成熟。本章深入探讨如何通过“感觉”而非“计数”来锚定时间。 脉冲层次的辨识： 区分主导脉冲（Macro-beat）、次级脉冲（Sub-beat）与微观脉冲（Micro-timing）。学习如何在高速演奏中，依然能清晰捕捉到原始的四分音符“心跳”。 摇摆感的数学基础： 对直拍（Straight）、摇摆（Swing）在不同速度下的精确量化分析。探讨如何根据音乐风格（如布鲁斯、放克、爵士）在不同脉冲间进行无缝切换，而非生硬的模式转换。 “滞后”与“提前”的艺术（Groove Placement）： 节奏的魅力往往在于其对理想节拍的微妙偏离。我们将详细分析顶尖鼓手如何精确控制踩镲与军鼓的延迟或提前，以产生拖沓（Laid-back）或推进（Pushing）的听感，并提供专门的听觉训练序列来培养这种对微小时间差的敏感度。 第二章：复合节奏的逻辑搭建 本章聚焦于如何将简单的节奏单元组合成复杂且听起来流畅的律动。我们将大量使用多重对位法（Polyrhythms）和交叉时间感（Cross-rhythms）的构建模块。 三对四（3:4）的视觉与触觉转换： 讲解如何将抽象的3对4对位，转化为可演奏的、具有明确起始点和结束点的循环模式。重点在于如何在脑海中同时运行两种不同的时间框架而不产生混乱。 十进制与非标准时间： 引入并实践如 5/4, 7/8, 11/16 等不规则拍号。我们不只是学习如何数拍子，而是学习如何建立起这些拍号内部的“稳定感”，使其听起来如同常规拍号一样自然。 重音位移（Accent Shifting）与动态强调： 节奏模式本身不变，但通过对特定音符进行重音处理，可以瞬间改变律动的感受。通过对军鼓和嗵鼓的重音矩阵分析，演示如何用最小的改动实现最大的听觉效果变化。 第二部分：动态的雕塑——控制与色彩 节奏不仅仅是“何时敲击”，更是“如何敲击”。本部分将焦点转移到力度、音色与空间感，这是将技术转化为音乐表达的关键。 第三章：动态的物理学——力度梯度控制 优秀的鼓手能够在一组连续演奏中，清晰地呈现出从极弱（Pianissimo）到极强（Fortissimo）的完整动态范围，并且过渡平滑。 触发器控制： 针对军鼓和踩镲，详细解析不同的击打角度、鼓棒的接触点与反弹率对音色的影响。我们使用生物力学原理来优化击打效率，减少不必要的肌肉紧张。 踏板的精细控制： 重点训练脚部对底鼓和踩镲的独立控制。如何通过脚趾、脚跟和脚踝的协同作用，实现“闷音（Mute）”、“半开（Half-open）”以及“清晰扫动（Clean Sweep）”的精准切换。 静默的运用： 探讨“负空间”在节奏中的作用。分析如何利用精确控制的休止符（Rest）来“呼吸”节奏，使演奏更具张力与呼吸感，而非简单地填满每一个音符。 第四章：音色矩阵与空间感 现代鼓组是多维度的音色工具箱。本章教导鼓手如何系统性地规划和使用不同的打击面来描绘音乐的层次。 嗵鼓的叙事性： 深入探索嗵鼓（Toms）在填充（Fills）和节奏保持中的角色转换。从传统爵士乐的环绕式演奏，到现代摇滚乐的垂直攻击，建立一套适合不同音乐场景的嗵鼓音色序列。 叠加与对比： 学习如何利用不同音色的碰撞来增强律动感。例如，用柔和的踩镲反衬尖锐的军鼓，或用厚重的底鼓来锚定轻快的过门。提供大量示范案例，分析鼓手如何在同一小节内，通过切换打击面（Rimshot, Cross-stick, Ghost Note）来创造对话感。 录音室与现场的声学差异： 讨论如何为录音和现场演奏调整动态和音色平衡。如何在没有工程师干预的情况下，通过演奏技巧本身来预先构建出适合混音的节奏骨架。 第三部分：风格的融合与创造性应用 本部分将理论与实践相结合，鼓励鼓手将前两部分的知识融会贯通，发展出具有个人印记的演奏风格。 第五章：律动的“粘合剂”——律动适应性训练 真正的进阶在于能够瞬间融入任何音乐环境，并成为推动音乐前进的核心力量。 风格迁移的底层逻辑： 分析放克（Funk）、金属（Metal）、拉丁（Latin）和融合爵士（Fusion）等风格中，其底层律动框架的根本差异（例如，放克的重点在于军鼓与底鼓的切分，而拉丁乐的重点在于对三连音律动的填充）。 即兴的结构化： 提供一套在即兴演奏中保持“在场”感的训练方法。学习如何根据乐器组（贝斯、吉他、键盘）的即时变化，实时调整自己的节奏密度和动态，避免成为一个孤立的节奏声部。 独奏（Solo）的音乐性构建： 独奏不是速度的展示，而是节奏逻辑的表达。教授如何利用动态起伏、节奏密度变化以及对空间感的精确把握，构建一个逻辑清晰、情感递进的鼓组独奏段落。 第六章：技术整合与个性化路线图 本书的最终目标是让你摆脱对任何特定模板的依赖。 整合性练习模块： 设计一系列高强度的周循环训练计划，强制要求在同一练习时段内，切换不同的拍号、动态范围和音色组合。 反向工程： 选取非打击乐主导的音乐片段（如管弦乐、电子乐或人声旋律），要求读者将其转化为一套“鼓组语言”，训练大脑将非节奏信息转化为可演奏的鼓点序列。 通过对这些核心原则的深入掌握与刻苦训练，读者将能够突破机械演奏的限制，真正成为一名能够塑造音乐空间、雕刻听觉体验的节奏艺术家。

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这本书的标题是《More Drum Techniques of Rush》，但我必须坦白，我带着极高的期待去翻阅它，结果发现内容与我所想象的“Rush鼓技的进阶解析”相去甚远。我原本以为会深入探讨尼尔·皮尔特（Neil Peart）那些标志性的复调节奏、复杂的拍号转换，或者是他对军鼓和落地嗵的独特音色处理。这本书给我的感觉更像是一本面向初学者的基础鼓谱合集，里面收录了一些非常耳熟能详的、甚至可以说是流行乐中最常见的鼓点范例。比如，它花了大量的篇幅去讲解什么是四四拍，如何保持稳定的节奏，以及一些非常基础的踩镲和底鼓配合练习。我记得有一章节专门讲了如何握槌，那内容详尽得让我怀疑作者是不是对“More”这个词有什么特殊的理解——这哪里是“更多”的技术，分明是“重新教一遍基础”。对于一个已经能稳定演奏像《Tom Sawyer》或《YYZ》这样曲目的人来说，阅读这本书的过程几乎是一种煎熬，每翻一页都像是在浪费时间。我甚至发现其中举例的曲目，其节奏模式都极其简单，与Rush乐队的复杂性完全搭不上边。如果说这是关于Rush鼓技的“进阶”之作，那它一定是写给一个刚刚拿起鼓槌、连如何坐稳都不知道的人看的。我强烈建议那些真正想从Rush的音乐中汲取营养的鼓手们，去寻找更专业的教材，这本书提供的，充其量只能算作是“鼓的入门常识”。

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翻开这本号称聚焦于Rush鼓艺精髓的宝典，我立刻察觉到一股浓厚的“怀旧”气息，但这种怀旧并非是对经典作品的深度剖析，而更像是对上世纪八九十年代鼓本风格的拙劣模仿。书中的图文排版显得异常拥挤，大量的文字描述充斥着主观的臆断和模糊不清的形容词，比如“感觉上要更具侵略性”、“像瀑布一样倾泻而下的节奏”——这些描述对实际演奏操作没有任何指导意义。更令人费解的是，书中引用的某些“Rush风格”的例子，其节拍和速度的标记都显得非常随意，很多地方的重音提示与我们所熟知的录音版本存在显著偏差。我尝试按照书中的指示去复现几个简单的过门，发现它们听起来缺乏Rush作品中那种精确到毫秒的张力和动态变化。坦白说，这本书给我的最大感受是，作者似乎是通过听了一些Rush的歌曲片段，然后凭着记忆和想象力“重构”出了一套教学体系，而非基于对尼尔·皮尔特实际演奏技巧的深入研究。例如，在讲解踩镲的使用时，书中强调了均匀的力度和开放时机的把握，这固然重要，但完全忽略了皮尔特标志性的、那种踩镲与底鼓之间错落有致的、仿佛在进行对话般的复杂互动。总而言之，这本书在专业性和深度上都存在严重的不足，它更像是一本给“Rush粉丝”而非“鼓手”准备的周边读物。

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当我终于合上这本书时，我的心情是复杂的——有种被愚弄的恼怒，也有对这位大师作品的无限神往，而这种神往恰恰是因为这本书没有提供任何有价值的线索。这本书的结构极其松散，仿佛是把不同时期、不同风格的、毫不相关的鼓谱片段随意地拼凑在一起。它更像是一本“向Rush致敬的鼓手作品选集”，而不是一本“技术解析”指南。例如，书中花了足足两章的内容来分析如何打出“强劲的重拍”，但这些“强劲”的定义却极其模糊，没有提供任何关于力度控制（Dynamics）的科学方法，比如如何利用鼓槌的杠杆原理，或者不同鼓棒的重量对音色的影响。我试图在书中寻找关于皮尔特标志性“机械精准度”的训练方法，比如如何保持长篇段落中节奏的绝对稳定性，但书中所有的练习都停留在慢速和中速的层面，一旦尝试加速，书中的节奏型就会立刻“散架”，暴露出其教学理论的脆弱性。这本书最大的失败之处在于，它只是在“描述”Rush的音乐，而完全没有提供“如何达到”那种境界的方法论。它更像是一个引人入胜的开场白，却在关键时刻戛然而止，把真正棘手的难题留给了读者自己去摸索。

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这本书的装帧和印刷质量倒是无可挑剔，纸张厚实，图片清晰，这也许是我对它唯一的正面评价了。但内容方面，它给我的感觉就像是快餐文化下的产物，追求速度和表面的华丽，却缺乏核心的营养。它试图用 Rush 的名头来吸引读者，但实际提供的教学内容却显得空泛无力。例如，书中有一部分是关于“多鼓组（Octobans）的运用”，这无疑是皮尔特标志性配置之一。我期待看到的是如何利用这些不同音高的嗵鼓来构建旋律性的填充，或者如何在不打乱整体律动的前提下快速移动。然而，书里展示的却是一些非常僵硬、缺乏乐感的“固定音型”练习，这些音型即使是使用普通的落地嗵也能轻松完成，完全体现不出多鼓组在音高变化上的优势。更让我感到啼笑皆非的是，书中在讨论“歌词配合”时，居然建议鼓手应该“先听熟人声，再加入简单的节奏支撑”，这简直是颠覆了所有我们对复杂编曲的理解。Rush的音乐特点之一就是鼓乐本身就是歌词和旋律的有机组成部分，鼓声的起落与人声的表达是同步的、共生的。这本书的作者似乎从未真正领悟到这一点，他给出的建议，适用于任何一个只想打出“背景音乐”的鼓手，与Rush的艺术高度相去甚远。

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我买这本书的动机非常明确：我希望能拆解Rush那些令人目眩神迷的独奏部分，特别是那些充满异域风情和复杂数学结构的段落。然而，这本书的内容让我陷入了深深的困惑，它似乎刻意避开了所有真正具有挑战性的部分。书中花了极大的篇幅去讲解“如何让你的镲片听起来更亮”——这部分内容完全可以从任何一本基础鼓组维护手册中找到，与Rush的“技术”二字毫不沾边。当我翻到有关复杂拍号的章节时，我期待看到的是五拍子、七拍子，或是九拍子在皮尔特手中的精妙运用，但这本书里展示的，只是对2/4拍和3/4拍进行简单的交替，然后用“这就是Rush的魔法”来草草收尾。这简直是对这位鼓神级人物的极大不尊重。我对其中的一个例子尤其印象深刻，它试图模仿《Limelight》的开场节奏，但提供的节奏型却是最常见、最平庸的摇滚节奏，完全没有抓住原曲中那种微妙的切分和推动感。我甚至怀疑作者是否真正理解“技术”的含义，在我看来，这本书充其量只能算作是“流行摇滚鼓曲的通用节奏库”，和Rush那精妙绝伦的编排艺术，隔着十万八千里。如果你是想通过这本书来提升你的复杂节奏处理能力，你只会感到彻头彻尾的失望。

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