Brahms Symphony No. 4 in E Minor, Op. 98 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:W. W. Norton & Company, Inc.

作者:Hull, Kenneth (EDT)

出品人:

页数:327

译者:

出版时间:2000

价格:158.00元

装帧:

isbn号码:9780393966770

丛书系列:

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• 音乐
• 总谱
• 古典音乐
• 交响乐
• 勃拉姆斯
• 第四交响曲
• E小调
• Op
• 98
• 浪漫主义
• 管弦乐
• 德国音乐
• 古典

贝多芬的《第九交响曲》：人类精神的颂歌与不朽的丰碑 这是一部关于人类精神的史诗，是音乐史上最伟大、最激动人心的杰作之一。 路德维希·凡·贝多芬的《d小调第九（合唱）交响曲》，作品号125，不仅是古典音乐的巅峰之作，更是对人类理想——自由、平等、博爱——的宏伟致敬。这部作品的诞生，历经了作曲家生命中最艰难的时期，却最终以无与伦比的磅礴气势和深刻的人文关怀，屹立于世界艺术之林，成为人类文明的共同财富。 一、 创作背景：在黑暗中寻求光明 贝多芬创作《第九交响曲》的时期，正值他耳聋日益加重，内心承受着巨大痛苦的阶段。然而，正是在这种与命运抗争的绝望之中，他对于人类团结和崇高理想的向往达到了顶峰。这部作品的灵感可以追溯到他青年时期对德国诗人弗里德里希·席勒的《欢乐颂》（Ode an die Freude）的深深迷恋。席勒的诗歌充满了对人类共同命运的乐观信念和对宇宙和谐的赞美，这与贝多芬内心深处对摆脱压迫、追求自由的渴望完美契合。 1824年5月7日，这部作品在维也纳首演，当时已经完全耳聋的贝多芬坚持站在乐队前方指挥（尽管实际上的领奏工作由剧院乐团指挥主持）。当最后一个音符落下时，他无法听到观众的掌声，直到女中音卡罗琳·乌尔里希（Caroline Unger）转身，轻轻拉动他的衣袖，他才意识到演出的成功。那一刻的景象，已成为音乐史上永恒的画面，象征着超越生理局限的艺术力量。 二、 结构与规模：前所未有的宏大叙事 《第九交响曲》是第一部在交响乐中引入人声合唱的伟大作品，其规模之宏大、结构之复杂，在当时是前所未有的。整部作品时长接近一个小时，分为四个乐章，每一个乐章都承载着深刻的哲学思考和情感张力。 第一乐章：庄严的冲突（Allegro ma non troppo, un poco maestoso） 第一乐章以一种神秘而引人入胜的“宇宙的诞生”般的音响开始——弦乐器在极弱的力度下，从一个开放的五度音程（A和E）中缓缓浮现出主题。这种“无中生有”的开场方式，立刻将听众带入一个充满不确定性但又孕育着巨大力量的哲学空间。 随后，乐章迅速发展为一部严谨的奏鸣曲式，充满了戏剧性的冲突和英雄主义的抗争。主题在不同声部间传递、变奏，展现了命运的严峻挑战和人类面对困境时的坚韧不拔。木管乐器的哀叹与铜管乐器的号角声交织，构建了一个充满张力的世界观。 第二乐章：狂暴的活力（Molto vivace） 相较于第一乐章的沉重，第二乐章（通常被认为是谐谑曲）以其令人振奋的节奏和纯粹的动力感著称。贝多芬将传统交响曲中相对轻快的谐谑曲扩展为一个庞大而复杂的结构，其中包含了赋格段和卡农式的处理。 定音鼓的连续敲击如同强劲的心跳，驱动着乐章向前疾驰。尽管速度飞快，但织体极其清晰，充满着一种近乎原始的生命力和乐观精神。这一乐章展现了贝多芬作为节奏大师的非凡能力，其能量足以扫清一切阴霾。 第三乐章：宁静的沉思（Adagio molto e cantabile） 第三乐章是整部交响曲中最具抒情性和内省性的部分，它提供了对前两个乐章冲突的深刻反思与心灵休憩。这是一个慢板乐章，但其旋律线条的悠长与和声的丰富性，使其情感深度远超一般的抒情乐章。 贝多芬采用了复杂的双主题变奏曲式。两个主要的咏叹调主题依次出现，如同两种不同性质的沉思：第一个主题宁静、如歌，充满了对和平的向往；第二个主题则更具宗教般的肃穆感，带有对超越世俗的深层渴望。这个乐章是贝多芬献给“美”的赞歌，是暴风雨后的宁静，为即将到来的高潮奠定了情感基础。 第四乐章：欢乐的宣言（Presto – Allegro assai） 第四乐章是《第九交响曲》的核心，也是音乐史上最具革命性的篇章——“合唱终曲”。贝多芬在此处打破了一切传统，引入了独唱和合唱团，直接将席勒的《欢乐颂》付诸实践。 引子与“恐惧的主题”的否定： 乐章伊始，乐队发出了刺耳的、不和谐的噪音（“恐怖的呼喊”），紧接着，低音提琴和大提琴以一种宣叙调（Recitative）的方式，仿佛人类理性在质疑一切。这种“人声的独白”是音乐史上的创举。随后，乐队以一种庄严的方式再现了第一乐章的主题，但立即被否定。 “欢乐”主题的登场： 在低音提琴奏出那段著名而简洁的、如今已耳熟能详的“欢乐颂”主题后，合唱团以雷霆万钧之势加入，高唱“欢乐，上帝的女儿，欢乐的火花！”（Freude, schöner Götterfunken, Tochter aus Elysium!）。 随后，主题在男高音、男中音、女高音、女低音依次独唱，最终汇集成宏大的四部合唱。乐章中段加入了更具巴洛克风格的赋格段，展现了人类合作的巨大能量。最后，在速度达到顶峰的“向欢乐致敬”（Seid umschlungen, Millionen!）的辉煌齐唱中，交响曲在无可争议的胜利与对普世博爱的坚定信仰中，达到了史诗般的终结。 三、 历史意义与不朽遗产 《第九交响曲》的意义超越了音乐本身。它将交响乐从纯粹的器乐表达提升到了直接探讨人类终极价值的哲学高度。 对人性的颂扬： 它是第一部将“人类共同命运”明确写入乐谱的作品，是启蒙运动理想在艺术领域的完美结晶。 音乐语言的革命： 引入声乐的决定，彻底改变了交响乐的未来发展方向，影响了后世浪漫主义和晚期浪漫主义作曲家，如马勒和瓦格纳。 普世价值的象征： 时至今日，《欢乐颂》的旋律依然是欧洲联盟的盟歌，象征着和平、团结与人类的共同愿景。 贝多芬的《第九交响曲》不是一曲简单的奏鸣曲，它是一座精神的纪念碑，是作曲家在个人痛苦中为全人类开辟的通往光明、自由与博爱彼岸的永恒航道。每一次聆听，都如同参与了一次对崇高人性的庄严宣誓。

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这本书给我的感觉是，它更像是一次对听觉体验的深度访谈记录，而不是一本传统意义上的评论集。作者的叙述风格非常口语化，充满了个人化的观察和感悟，这使得阅读过程异常轻松愉快，没有丝毫的学术压迫感。书中对于情感色彩的把握尤其精准，比如描述降E大调的抒情段落时，作者用了“一种被记忆漂白后的温柔”这样的措辞，精准地捕捉到了勃拉姆斯那种饱含深情却又保持距离感的独特气质。我尤其欣赏其中关于“静默”的讨论。在柴可夫斯基式的热情洋溢之后，勃拉姆斯的音乐中那种刻意的留白和空气感，常常被忽视。这本书却将这些“非声音”的部分提升到了与旋律同等重要的地位，指出正是这些沉默，构筑了德奥音乐的庄重感。通过这本书的引导，我开始学会在聆听时，去关注那些快速闪过的配器细节——低音提琴的微小拨弦，或是木管乐器在不和谐音上的轻轻颤动——这些曾经被我忽略的“背景噪音”，如今都成了理解作曲家意图的关键线索。这是一次真正以听众为中心，回归纯粹聆听乐趣的优秀指南。

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我通常不太喜欢那些过度“文学化”的音乐评论，总觉得它们为了追求辞藻的华丽而牺牲了对音乐本体的精准把握。但这本书的独特之处在于，它成功地在学术的严谨与诗意的描摹之间找到了一个近乎完美的平衡点。它没有用晦涩的术语堆砌篇幅，而是用一种近乎散文诗的笔调，描绘了勃拉姆斯是如何将古典主义的框架，熔铸进浪漫主义的火焰之中的。特别是对于第二乐章那种宁静而又暗流涌动的氛围的捕捉，作者使用了一连串精妙的比喻，将圆号和单簧管的对答，比作是黄昏时分古老建筑的剪影，光影斑驳，引人深思。这种描述方式，极大地激发了我的想象力，让我不再仅仅“听见”了音符，而是“看见”了场景。我尤其欣赏作者对勃拉姆斯个人生活背景与这部作品之间联系的探讨，不是那种流于表面的八卦，而是深入到他对传统继承的焦虑，以及对瓦格纳思潮的复杂态度的剖析。读完后，我立刻去播放了这部交响曲，发现原本觉得有些晦涩难懂的段落，此刻都变得清晰起来，仿佛作者在我的耳边低语，为我指引了通往每一个关键结构点的捷径。这本书对于想要提升鉴赏水平，但又畏惧传统学术著作的听众来说，无疑是一份绝佳的入门向导。

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坦率地说，我带着一种审视的态度来阅读这本书的，毕竟勃拉姆斯第四交响曲的评论汗牛充栋，想要从中找到新的切入点非常困难。这本书的视角是如此新颖，它聚焦于“结构的力量”而非仅仅是“旋律的抒情”。作者似乎对“形式美学”有着近乎偏执的迷恋，书中大量篇幅用来解析乐章的比例、主题的动机如何渗透到整个作品的骨架中去，而非仅仅停留在对小提琴高音区那几段著名旋律的赞美。例如，对末乐章那段令人眩晕的变奏序列，书中并非简单地罗列变奏的技巧，而是将其置于整个交响曲的戏剧冲突之中，将其解读为作曲家在形式逻辑上对所有可能性的穷尽，这使得那个看似重复的段落，瞬间拥有了哲学思辨的深度。这种强调内在逻辑的分析方法，极大地提升了我对“建筑感”的认知。这本书迫使我必须放慢听音的速度，去关注那些通常会被我们忽略的、支撑起宏伟结构的“幕后工作”。对于那些已经听了这部作品无数遍的老乐迷来说，这本书就像是一次系统性的“结构重塑”训练，让你对勃拉姆斯这位“古典主义的最后一位巨人”的工程学头脑有了全新的敬畏。

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这本关于勃拉姆斯第四交响曲的解读，真是一场意料之外的、深入骨髓的听觉考古之旅。作者并没有满足于对乐谱进行枯燥的学术剖析，而是巧妙地将听者的情感体验置于叙事的中心。初听时，我总觉得这首曲子带着一种挥之不去的、近乎宿命的悲剧色彩，尤其是那个著名的帕萨卡利亚式的末乐章，仿佛是对命运最后的、也是最宏大的一次抗争。然而，这本书却引导我看到了隐藏在厚重和弦之下的，勃拉姆斯那份近乎矛盾的克制与激情。比如，书中对第一乐章呈示部主题的变奏处理，分析得极为细腻，指出其中蕴含的德奥传统与革新之间的微妙拉扯，这让我回放聆听时，不再仅仅关注旋律的优美，而是开始品味音色的层次和织体的密度。作者的笔触时而如同一位老练的音乐史学家，严谨地考证了勃拉姆斯晚期创作的心境；时而又像一位富有同理心的老友，与读者分享了在某个特定的和弦进行中，自己所体验到的瞬间的失重感。这种多维度的叙事，极大地丰富了我对这部交响曲的理解深度，使得每一次重温，都像是揭开了一层新的幕布，看到了勃拉姆斯内心深处那份对完美形式的执着追求，以及对生命终极意义的探问。这本书，更像是一把钥匙，开启了通往十九世纪末欧洲精神世界的秘密通道。

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这部作品的导读，成功地跳脱了常见的“传记式”或“技术分析式”的窠臼，采用了一种更具时代共鸣感的解读路径。它巧妙地将勃拉姆斯置于他所处的那个快速变革的十九世纪末的文化熔炉中进行审视，探讨了这位古典主义的坚守者，是如何在面对时代的洪流时，选择了“向内挖掘”而非“向外开拓”。书中对“英雄主义”的重新定义尤为深刻：勃拉姆斯的英雄主义并非是那种高歌猛进的胜利姿态，而是一种在不断自我怀疑和对形式的严苛要求中，完成作品的内在挣扎。作者对作品的动态处理分析得非常到位，比如如何从第一乐章的紧张感，一步步过渡到末乐章的沉郁，每一步的逻辑推演都如同精确的数学公式般无可辩驳。这使得我意识到，这部交响曲的“悲剧性”并非是无病呻吟的忧郁，而是源自于对完美逻辑追求后的必然结果。这本书的价值在于，它为我们理解古典音乐的“重量感”提供了一个现代的、可触及的视角，让我们在聆听之余，也能感受到那位大师跨越时空投射出的，对艺术本体的永恒关怀。

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