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作者:Ellington, Duke/ Zinn, William

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價格:46.00 元

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isbn號碼:9780769264097

叢書系列:

圖書標籤:

• 爵士樂
• 古典音樂
• 弦樂
• 埃林頓公爵
• 器樂
• 音樂
• 作麯傢
• 20世紀音樂
• 美國音樂
• 跨界音樂

爵士樂的黃金時代：一部關於經典編麯與演奏藝術的深度探索 本書帶領讀者深入探尋二十世紀中葉，以“公爵”艾靈頓（Duke Ellington）為代錶的爵士樂黃金時代的恢弘圖景。這不是一本關於特定樂譜或演奏技巧的指南，而是一部緻力於剖析 उस 時代音樂創作哲學、編麯思想演變以及音樂傢群體間相互影響的宏大敘事。 第一部分：根基與萌芽——大樂隊時代的社會文化背景 本書首先將時間軸拉迴上世紀二三十年代，探討爵士樂如何在種族隔離、經濟蕭條與文化革新的復雜背景下，從新奧爾良的街頭喧囂，逐步演化為全美乃至全球範圍內主流的娛樂形式。我們不聚焦於某一套特定的弦樂改編，而是著眼於支撐艾靈頓早期創作的土壤——大樂隊（Big Band）結構的形成與成熟。 一、 紐約的熔爐：哈林區的文化覺醒 詳細考察瞭哈林文藝復興（Harlem Renaissance）對美國藝術，尤其是音樂藝術的深刻影響。爵士樂不再僅僅是街頭派對的背景音樂，它開始被視為一種嚴肅的、具有獨特美國身份的藝術錶達。書中將分析當時不同樂團的組織模式，例如是更側重於即興對話，還是更傾嚮於嚴謹的“寫死”（Arranged Score）結構。 二、 樂器配置的革新與挑戰 大樂隊的配置——特彆是銅管、木管聲部如何相互配閤，構成瞭爵士樂厚重而富有層次感的音牆。我們將探討樂器配置如何影響作麯傢的選擇，例如，如何利用不同音色的薩剋斯風（次中音、高音、中音、上低音）來模擬人聲的對白與閤唱效果，這是後來許多室內樂改編的靈感源泉，但在此書中，我們著重分析這些“原生”配置的精妙之處。 三、 早期錄音技術的限製與創造力 分析早期留聲機錄音技術對音樂錶現力的製約。在三分鍾單麯的限製下，作麯傢如何學會精煉樂思，如何在有限的時間內構建起具有清晰主題、發展與收束的音樂結構。這種對“篇幅控製”的訓練，是所有優秀編麯傢必備的基本功。 第二部分：公爵的音樂哲學——超越風格的探索 本章將深入解析艾靈頓作為作麯傢和領導者的核心思想，即他如何看待“爵士樂”這一標簽，以及他如何緻力於突破既有的風格界限。 一、 聲音的調色闆：樂器間的色彩實驗 艾靈頓以其對音色的獨特敏感度而著稱。書中會詳細描述他如何對待音色（Timbre）的處理，例如他如何要求小號手使用不同的弱音器（Mutes）來創造齣“哀怨”、“嘲諷”或“幽暗”等極其具體的情感色彩。這種對“聲音雕塑”的追求，遠遠超越瞭簡單地將鏇律分配給不同樂器。我們討論的是如何將整個樂隊視為一個復雜的混音颱，進行精細的色彩疊加。 二、 結構與敘事：大型作品的野心 分析艾靈頓在三十年代末和四十年代初開始創作的長篇作品的結構嘗試。這些作品不再是三分鍾的流行麯，而是試圖建立起敘事性或描繪性的音樂景觀。探討他如何在傳統的AABA結構中嵌入復雜的對位、模進和主題的變奏，構建起足以支撐長篇幅的音樂骨架。 三、 即興與閤奏的平衡藝術 爵士樂的核心在於即興，但大樂隊音樂的挑戰在於如何有效地“控製”即興。書中將分析艾靈頓在“安排”（Arrangement）中為獨奏者預留空間的方式——是完全開放的自由即興，還是有明確和聲框架的限製性即興。這種對“自由”與“約束”之間張力的把握，是理解其音樂深度的關鍵。 第三部分：編麯的語言——音樂形式的普遍性 本書的重點在於提煉齣艾靈頓音樂中具有普適性的編麯原則，這些原則可以被理解為一種高級的音樂語言，無論最終采用何種配器（如管弦樂、室內樂或電子樂），其核心邏輯依然成立。 一、 和聲的擴展與運用 深入剖析艾靈頓在和聲進行中如何運用色彩音（如九音、十一音、十三音）來增加和聲的“密度”和“張力”。這不是關於如何寫齣復雜的和弦，而是關於這些和弦如何在音樂的特定位置上，起到“情感錨點”的作用。例如，某個特定的降五音和弦如何被用來標誌段落的結束或情緒的轉摺。 二、 對位法在爵士樂中的應用 探討艾靈頓的樂團如何像一個小型對位閤唱團一樣運作。分析他如何將兩條或三條獨立的鏇律綫（通常來自不同的聲部，如低音提琴、中音薩剋斯和長號）交織在一起，形成豐富而清晰的織體。這種對位技巧，體現瞭古典音樂訓練對爵士樂編麯的深刻影響。 三、 節奏的“失重”與“著陸” 爵士樂的律動（Groove）至關重要。書中將解析大樂隊如何通過不同聲部的音符密度、切分音的使用以及低音部的行進方式，來創造齣一種既穩定又充滿驅動力的節奏感。這種節奏的精妙處理，使得即興演奏者能夠在“軌道”上自由馳騁，而聽眾卻能清晰地感受到音樂前進的方嚮。 結語：留存的遺産與未竟的探索 本書最終落腳於思考艾靈頓的音樂遺産對後世音樂創作的啓發。他的作品提供瞭一個範本：如何將民間音樂的活力與古典音樂的結構嚴謹性完美結閤。我們關注的，是這種跨界融閤的思維模式，而非具體的器樂轉換練習。這本書旨在拓寬讀者對“爵士樂編麯”這一概念的理解，將其視為一種高度成熟、極具錶現力的音樂設計學。它揭示瞭在特定時代背景下，一位大師如何用他手中有限的樂器組閤，構建齣瞭一個無限廣闊的音樂宇宙。

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坦白說，當我第一次拿起這本樂譜時，心裏是抱著一絲懷疑的。畢竟，將大樂隊的宏大敘事濃縮到隻有四把弦樂器上，極易淪為一場技術上的炫技而犧牲瞭音樂的靈魂。然而，這本書的作者成功地避開瞭這種陷阱。他們似乎明白，艾靈頓的音樂不僅僅是音符的排列，更關乎於“感覺”和“呼吸”。例如，在處理那些著名的慢闆麯目時，他們沒有一味地追求完美的音準和光潔的音色，反而鼓勵演奏者去使用更多的弓法變化，去模擬大樂隊獨有的那種“粗糲”的質感——我知道這聽起來很矛盾，但當你嘗試用長弓去模仿銅管樂器呼齣的氣息時，那種宿命感便油然而生瞭。我的弦樂團成員們反饋說，這本書的指法提示非常實用，尤其是在處理一些快速跑動和需要大量揉弦來模仿“哇哇音”效果的地方，提供瞭非常具體的建議。這錶明編者不僅是作麯傢，更是一位深諳弦樂演奏技巧的行傢。它迫使我們跳齣古典音樂的舒適區，用一種更自由、更具敘事性的方式去駕馭我們的樂器。

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從裝幀和排版的角度來看，這本書也體現瞭對演奏者的尊重。通常情況下，復雜的爵士樂譜排版總是讓人頭疼，譜頁上密密麻麻的反復記號、切分音標記和特殊演奏法符號讓人眼花繚亂。然而，這本書的字體清晰，段落劃分閤理，關鍵的演奏提示都用醒目的斜體或不同的顔色標注齣來，極大地減少瞭我們在排練時因閱讀錯誤而浪費的時間。更重要的是，它所提供的“演奏提示指南”非常詳盡，解釋瞭特定爵士樂術語在弦樂器上的具體實現方式，這對於那些主要受過古典訓練的樂手來說，無異於一盞明燈。比如，關於“mute”（弱音器）的使用，它不僅標明瞭“con sordino”，還具體建議瞭使用哪種類型的弱音器，以及如何通過弓速來模擬不同薩剋斯風的音色變化。這種細緻入微的指導，使得我們能夠更自信、更準確地將這些偉大的爵士樂篇章轉化為優美的弦樂音樂，這是一份真正用心製作的藝術品。

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這套選麯的品味實在太高瞭。它沒有一味地挑選那些爛熟於心、翻來覆去被演奏的麯目，而是挖掘瞭一些艾靈頓作品中相對小眾但藝術價值極高的篇章。當然，那些標誌性的作品依然在列，但它們是以一種全新的視角被呈現齣來的。我尤其喜歡其中對一些“長度”不規則的組麯片段的改編，這些片段原本是為特定場閤或舞池設計的，結構較為鬆散。編者在此處展現瞭非凡的結構處理能力，他們用精妙的引子和尾聲，將原本可能顯得突兀的段落流暢地連接起來，形成瞭一個可以獨立演齣的、結構完整的室內樂作品。這種對音樂敘事性的尊重，是我在許多改編版本中缺失的。當我為我的學生排練其中一段時，我發現它極大地拓寬瞭他們對“室內樂”定義的理解——室內樂不一定非得是莫紮特式的對話，它也可以是充滿即興精神和藍調色彩的深刻探索。

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這套改編的爵士樂譜集簡直是為我量身定做的！我一直夢想著能將那些黃金年代的爵士樂經典搬上弦樂四重奏的舞颱，但市麵上能找到的改編版本往往要麼過於簡化，要麼在和聲上完全偏離瞭原作的精髓。這本書的編排者顯然對艾靈頓的音樂有著深刻的理解和無盡的熱愛。他們不僅忠實地再現瞭那些標誌性的鏇律綫——比如《Take the “A” Train》中那種搖擺的律動感，或者《Mood Indigo》裏那種慵懶而深沉的憂鬱——還巧妙地將管樂組的音色和功能轉換成瞭小提琴、中提琴和大提琴的織體。特彆是中提琴聲部，它不再是簡單地填充和聲，而是常常承擔起低音號或長號的“支撐”角色，賦予瞭整體音響一種溫暖的木質感。我特彆欣賞其中對切分音的處理，那些原本是薩剋斯風即興演奏的靈動片段，被處理成瞭精巧的對位，使得四把弦樂器之間的對話充滿瞭戲劇張力，而不是機械的齊奏。翻閱前幾頁時，我幾乎能聽見樂隊在棉花俱樂部裏演奏時的那種空氣震動，這套書的價值遠遠超過瞭紙張和油墨本身，它是一份進入爵士樂“聖殿”的密鑰。

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我對這套改編作品的評價隻能用“令人驚喜”來形容，尤其是在麵對那些被過度簡化處理的爵士改編版本之後。這本書的難度設置是相當具有挑戰性的，它要求演奏者具備紮實的古典功底，同時還要能自如地掌握爵士樂特有的律動感，這無疑是兩套不同的語言體係。那些標記在譜上的“swing”和“lay back”的指示，絕非隨意的裝飾性符號，而是直接關係到音樂是否能“流動”起來的關鍵。最讓我印象深刻的是對和聲色彩的處理。艾靈頓常常使用非常復雜的、帶有延伸音的和弦，這些在鋼琴上聽來飽滿的和聲，在弦樂四重奏中很容易變得模糊不清。但這套書的編者巧妙地利用瞭低音弦樂器的共鳴和高音弦樂器的穿透力，將那些增三和弦和降七和弦的色彩清晰地勾勒齣來，保持瞭原作的豐富性和深度。這不適閤初學者，它需要的是一群願意投入時間去研究和“感受”爵士樂內在邏輯的成熟樂手。

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