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出版者:

作者:Turner, Gary

出品人:

页数:104

译者:

出版时间:2004-2

价格:$ 28.19

装帧:

isbn号码:9780959540468

丛书系列:

图书标签:

• 吉他
• 摇滚
• 布鲁斯
• 渐进式
• 技巧
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• 练习
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• 即兴
• 吉他手

摇滚吉他技巧精解：从基础乐理到高级即兴创作的全面指南 书籍名称： 摇滚吉他技巧精解：从基础乐理到高级即兴创作的全面指南 图书简介： 本书旨在为所有渴望精通现代摇滚吉他演奏技巧的乐手提供一条清晰、系统且深入的学习路径。我们聚焦于构建坚实的音乐基础，并将其无缝衔接到前沿的演奏风格和创作理念之中，确保读者不仅学会“弹奏什么”，更能理解“为何如此弹奏”。全书内容全面覆盖了从入门到大师级的核心要素，为吉他学习者提供了一套完整的知识体系和实战工具箱。 第一部分：构建坚实的音乐地基 (The Foundation) 本部分致力于夯实读者对音乐理论和吉他指板的认知，这是所有高级技巧得以施展的先决条件。 第一章：指板的语言——完全掌握音程与音阶 本章将彻底解析吉他指板上的音符排列规律，摒弃死记硬背的“图案”，转而理解音程关系如何定义音阶结构。我们将详细介绍： 音程的深度剖析： 探究大、小、增、减音程在不同和弦色彩中的作用，以及它们如何影响旋律线条的张力与释放。 五声音阶的精通与扩展： 不仅仅停留在基础的“五声音阶箱体（Box）”，我们将演示如何通过添加蓝调音符（b5）和延伸音（b7，9）来丰富其表现力，并展示其在不同把位上的系统化移位。 调式系统入门： 介绍自然大调和自然小调的七个调式（如Dorian, Mixolydian, Aeolian等）的构成音与情感基调，并通过实例展示如何针对不同和弦进行调式选择。 第二章：节奏的脉动——精确的律动与切分 对于摇滚乐而言，节奏的准确性和“律动感”（Groove）至关重要。本章将着重训练读者的内部节拍器。 节拍的精确控制： 使用节拍器进行不同速度下的练习，重点区分“提前拨弦”和“滞后拨弦”所产生的细微律动差异。 复合节拍与复杂切分： 探讨在摇滚和前卫音乐中常见的3/4、6/8以及不规则节拍（如5/8, 7/8）的演奏方法，并教授如何将复杂切分融入流畅的演奏中。 Shuffle与Swing节奏的内化： 深入讲解如何将三连音感觉准确地融入到八分音符的演奏中，这是布鲁斯摇滚和经典摇滚律动感的关键。 第二部分：核心演奏技术精进 (Technical Mastery) 本部分将深入探讨实现现代摇滚吉他音色的三大支柱：推弦、揉弦与拨弦速度。 第三章：推弦的艺术——情感的传递与精密度 推弦（Bending）是摇滚吉他手的生命线。本章致力于将推弦从“机械动作”提升为“情感表达”。 精准的音高控制： 教授如何使用耳朵和手指来精确控制推弦的半音、全音乃至多音程的幅度，包括使用不同手指的组合（如一指推弦、两指协同）。 揉弦（Vibrato）的个人风格塑造： 区分“快揉”、“慢揉”以及“宽幅揉弦”，结合手腕和手臂的动作，发展出具有个人识别度的揉弦音色。 推弦后的技巧衔接： 练习推弦到位后，如何平滑地衔接至下一个音符（如推弦后立即释放、推弦后立即进行击弦或勾弦）。 第四章：速度的突破与拨弦的效率 追求速度的同时，更要追求清晰度。本章侧重于高效的右手技术。 交替拨弦（Alternate Picking）的科学训练： 介绍从基础的“三音一组”到更复杂的“四音一组”的系统化练习方法，重点强调手腕的放松与拨片的角度控制。 扫拨（Sweep Picking）的逻辑分解： 详细拆解扫拨的运动轨迹，教授如何通过控制拨片在琴弦上的接触点和力度来实现流畅的琶音连贯性。 击弦与勾弦（Legato）的平衡： 探讨如何平衡左手施加的力度，确保击弦和勾弦的声音强度与拨弦声相当，实现无缝连接的旋跑。 第三部分：和声的广阔视野 (Harmonic Expansion) 本部分将吉他手从“和弦演奏者”提升为“和声架构师”。 第五章：和声进行与延伸音的运用 理解和弦背后的功能性，是即兴创作的核心。 功能和声分析： 深入解析摇滚乐中常见的I-IV-V进行，并引入二级、六级、三级和弦的替代用法。 七和弦的深化与色彩： 学习如何使用属七、大七、小七以及挂留和弦（sus2/sus4）来为简单的和弦进行增添复杂的色彩。 和弦内音（Chord Tones）的旋律化： 教导乐手如何在Solo中强调和弦的特定音（如3音或7音）来精准地“回应”伴奏的和声变化。 第六章：现代和弦的构建与指法革新 介绍如何在标准调式之外，使用更具现代感的和弦结构。 挂留与色彩和弦： 专注于大九、小九、11、13等扩展音的使用，以及它们如何在Funk、融合爵士和后摇滚中构建独特的张力。 开放和弦与调式变体： 探讨如何利用开放音符（Open Strings）来创造独特的和弦音色和指法，尤其是在指弹和清音音色中的应用。 替代和弦与音高替换： 学习如何用Tritone替代等复杂的和声工具，实现和声的即兴色彩转换。 第四部分：即兴创作与风格解析 (Improvisation and Style Deep Dive) 本部分将所有理论和技巧整合起来，应用于实际的音乐创作与Solo表演中。 第七章：即兴的结构化思维 即兴不是随机弹奏，而是有目的的音乐对话。 “框架内即兴”的策略： 如何在固定的和弦进行上，通过限制音阶和音型来构建清晰的音乐主题。 动机发展（Motivic Development）： 教授如何围绕一个小小的音乐动机（Riff或短句）进行节奏、音高和时值的变化，以构建一个完整且具有叙事性的Solo段落。 Call and Response（呼叫与回应）： 学习在Solo中模仿人声或贝斯的对话模式，让演奏更具互动性和说服力。 第八章：风格解析——摇滚吉他的演变之路 通过分析不同年代的标志性吉他手，提炼其核心技巧，并将其融入读者自己的风格。 布鲁斯根源： 深入分析B.B. King、Albert King等大师的揉弦与推弦哲学。 经典硬摇滚的能量： 解析Jimmy Page、Ritchie Blackmore在结构性Solo、音色选择和音阶运用上的独到之处。 金属乐的速度与精确： 探讨Yngwie Malmsteen、John Petrucci等人的技术特点，重点分析其连复段和扫拨的精妙之处。 现代独立与后摇： 关注效果器在塑造音景（Soundscape）中的作用，以及如何利用延迟和混响构建空间感强的旋律线条。 全书不仅提供大量精心设计的练习范例和乐谱，更强调通过录音自我评估，最终目标是让每位读者能够将技术融会贯通，发展出真正属于自己的、充满个性的摇滚吉他演奏语言。

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这本教材真是太棒了，我是一个从小就开始接触吉他的老乐迷了，也尝试过不少教材，但说实话，很多都只是停留在基础指法和音阶的重复，真正能让人感受到“进步”的却很少。然而，这本教材却完全不同，它给我的感觉就像是拿到了一张通往吉他艺术殿堂的VIP通行证。它的编排逻辑极其严谨，从最基础的乐理知识入手，但绝不枯燥，而是巧妙地融入到实用的演奏技巧中。我尤其欣赏它对和声学的讲解方式，深入浅出，让我这个曾经对复杂和弦感到头疼的人，现在能更自信地理解和运用它们。书中的练习曲目设计得非常巧妙，难度梯度合理，每完成一个单元，都能清晰地感受到自己手指的灵活性和对指板的掌控力有了质的飞跃。那些关于琶音和扫弦的技巧部分，简直是为我量身定做的，那些以前总觉得“别人弹得好听”的秘诀，在这本书里被一点点拆解开来，让我茅塞顿开。它不仅仅是一本“教你怎么弹”的书，更是一本“教你怎么思考音乐”的指南。我强烈推荐给所有那些对吉他有热情，但又苦于找不到真正能引领自己跨越瓶颈的老师的乐手们。它让你明白，技巧的提升绝不是盲目的重复，而是建立在坚实理解之上的持续探索。

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说实话，我本来对这种“进阶”的吉他书是持怀疑态度的，毕竟市面上的“秘籍”太多了，大多都是华而不实的堆砌。但接触到这本书后，我的看法彻底改变了。它最让我惊艳的地方在于其对现代演奏风格的深度挖掘。书中对推弦、揉弦这些看似简单的技巧，进行了极其细致的物理学和听觉分析，让我明白了为何有些推弦听起来“有力”，有些却“干瘪”。作者似乎非常理解“感觉”在吉他演奏中的重要性，并通过精确的图示和文字描述，试图量化这种感觉。更别提它对即兴演奏部分的讲解了，它没有直接扔给你一堆音阶，而是教你如何听懂和声进行，如何根据和弦的色彩来选择和构建自己的旋律线条。这对我来说简直是醍醐灌顶，我不再是机械地重复我听到的Lick（乐句），而是开始有能力创造属于自己的音乐语言。这本书的排版也很出色，清晰易读，大量的示例曲目不仅能让你练习技巧，更能让你在实战中理解理论的运用。我已经把这本书当成了我日常练习的“圣经”，每当遇到瓶颈，翻开它，总能找到新的启发点，让我重新找到前行的动力和方向。这绝对是为那些渴望突破自己技术瓶颈的资深爱好者准备的宝藏。

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我不得不说，这本书在知识体系的完整性上做到了极致。我之前为了学习某些特定技巧，不得不翻阅多本不同的书籍，涵盖乐理、指法、音色等各个方面，非常零散。但这本书却成功地将所有关键要素编织成了一个流畅、逻辑自洽的学习路径。它对指板的认知部分，彻底颠覆了我过去死记硬背音符位置的方式，转而用“和声框架”和“音程关系”来构建一个立体的指板地图，这使得我在转换把位和进行大跨度即兴时，反应速度提升了不止一个量级。我尤其欣赏其中关于“跨弦流畅性”的专门章节，它提供的那些非常规的练习方法，成功地打破了我长期以来在扫弦时遇到的节奏不稳和声音模糊的问题。这本书的深度和广度，意味着你可能需要花费很长的时间去消化它，但每一次的重读都会带来新的感悟。它不是一本让你快速学会几个Lick就扔掉的书，而是一本陪伴你职业生涯成长的工具书。对于那些真正想把吉他提升到艺术表达层面，而非仅仅停留在“会弹”的乐手来说，这本书是无可替代的投资。

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这本书给我的感觉，更像是一位经验丰富的老教授在你的私人工作室里进行一对一的指导。它的叙事风格非常个人化，充满了一种老派音乐家的匠人精神。我最欣赏它对于“音色塑造”的探讨，这往往是很多教材会忽略的部分。它详细分析了拾音器选择、音箱设置、甚至拨片角度对最终声音产生的影响，并且提供了大量的实验性练习来帮助我们找到自己独一无二的音色“签名”。这部分内容对我这个追求个性化表达的吉他手来说，简直是雪中送炭。此外，它对特定风格（比如七十年代的放克节奏吉他）的深入剖析，也展现了作者深厚的知识储备和实战经验。它不仅仅是告诉你“怎么做”，更是告诉你“为什么这样做效果最好”。通过书中的练习，我开始能够有意识地去控制我的Attack（击弦力度）和Decay（衰减），让我的演奏听起来更有层次感和故事性。这本书的价值在于，它将那些需要多年摸索才能领悟的“行话”和“潜规则”，清晰地呈现在了纸面上，极大地缩短了学习者的摸索时间。

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我是一个对音乐细节有强迫症的家伙，如果一本书在理论上存在漏洞或者在实践中过于理想化，我立马就会放弃。这本书的严谨程度简直令人发指。它在讲述音阶和调式时，不仅仅停留在“这是什么”的层面，而是深入探讨了它们在不同音乐风格（从布鲁斯到融合爵士）中是如何被“扭曲”和“重构”的。我特别喜欢其中关于“五声音阶应用拓展”的那一章，它提供了超越传统思维的连接方式，让我意识到那些我以为已经掌握的技巧，其实还有巨大的可塑空间。而且，这本书对于节奏的把控也有独到的见解，它没有简单地用节拍器来训练，而是引入了关于“律动感”和“时间感”的训练方法，这对于提升整体演奏的音乐性至关重要。说实话，读完这本书，我感觉自己对吉他的理解从一个“工具使用者”上升到了一个“音乐构建者”的层次。它教会我如何去“听”音乐的骨架，并用我的吉他去填充血肉。任何想把吉他提升到专业水准的乐手，都应该把它放在书架的最显眼位置，因为它提供的知识深度和广度，远超一般教材的范畴。

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