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出版者:

作者:Downs, Philip G.

出品人:

页数:566

译者:

出版时间:1992-10

价格:388.00元

装帧:

isbn号码:9780393952094

丛书系列:The Norton Introduction to Music History

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音乐的群星：古典音乐的辉煌群像 一部深入探索西方古典音乐发展脉络的权威著作 书籍名称：音乐的群星：古典音乐的辉煌群像 （A Constellation of Sounds: A Definitive Portrait of Western Classical Music） 书籍简介： 《音乐的群星：古典音乐的辉煌群像》并非一部传统的音乐史教科书，而是一部以宏大叙事和细腻笔触，勾勒出西方古典音乐自中世纪晚期萌芽至二十世纪中叶蓬勃发展的壮丽图景的深度研究。本书摒弃了纯粹的年代罗列和风格划分，转而聚焦于那些定义了时代精神、推动了艺术革命的关键人物、里程碑式的作品以及深刻的社会文化背景。它旨在揭示，音乐是如何作为人类情感、哲学思考与技术革新的载体，一步步塑造了我们今日所理解的“古典音乐”这一概念。 全书结构宏大而清晰，划分为六个主要部分，每一部分都如同一个独特的星系，群星闪耀，彼此影响，共同构筑了音乐文明的夜空。 --- 第一部：黎明前的低语——从格里高利圣咏到复调的诞生（约公元1100年 – 1450年） 本部分追溯了西方音乐的根源，重点探讨了中世纪宗教音乐对西方音乐理论的奠基性贡献。我们首先审视了格里高利圣咏（Gregorian Chant）的单音音乐结构，解析其在教会仪式中的作用及其对早期乐谱记写系统的启发。随后，笔锋转向了巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）的创新者，如莱奥宁（Léonin）和佩罗坦（Pérotin），他们如何勇敢地将独立的声部引入音乐，从而催生了对位法（Counterpoint）的初步形态——奥尔加农（Organum）。 本章深入剖析了“新艺术”（Ars Nova）运动，特别是纪尧姆·德·马肖（Guillaume de Machaut）对世俗音乐和弥撒曲的贡献。我们探讨了早期节奏理论的发展，以及在没有标准记谱法的情况下，音乐家如何通过精妙的数学比例来构建复杂的声部交织。此阶段的音乐是信仰与理性交锋的产物，是技术突破的温床。 --- 第二部：文艺复兴的和谐与人文主义的觉醒（约公元1450年 – 1600年） 文艺复兴时期，人类中心主义的回归深刻影响了音乐创作。本部分详尽考察了弗兰德斯乐派（Franco-Flemish School）对欧洲音乐语言的统治地位，特别是若斯坎·德普雷（Josquin des Prez）如何通过对人声和文本表达的精细处理，将复调技术推向成熟的平衡。 本书特别辟出章节讨论了“改革”与“反宗教改革”对音乐的影响。以帕莱斯特里纳（Palestrina）为例，探讨了特伦特会议如何塑造了天主教对音乐清晰度和神圣性的要求，以及改革派路德的赞美诗（Chorale）如何使音乐更加平民化和直接。在世俗领域，我们关注了意大利牧歌（Madrigal）的蓬勃发展，分析了卢卡·马伦齐奥（Luca Marenzio）和卡洛·杰苏阿尔多（Carlo Gesualdo）如何运用“文字描绘”（Word Painting）来表达复杂、甚至病态的人类情感，预示着巴洛克时代的到来。 --- 第三部：巴洛克的宏伟与戏剧张力（约公元1600年 – 1750年） 巴洛克时期是音乐史上最富于戏剧性和情感强度的阶段之一。本书详细剖析了“巴洛克革命”的核心——歌剧的诞生。克劳迪奥·蒙特威尔第（Claudio Monteverdi）如何通过对宣叙调（Recitative）和咏叹调（Aria）的划分，确立了戏剧音乐的框架，以及他对“第二道艺术”（Seconda Pratica）的倡导。 核心章节献给了巴洛克音乐的顶峰——弗莱芒的两位巨匠：乔治·弗里德里希·亨德尔（George Frideric Handel）与约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach）。本书将亨德尔视为国际化的音乐建筑师，分析其对清唱剧（Oratorio）的贡献，特别是《弥赛亚》在叙事和公众接受度上的突破。而对于巴赫，则侧重于其对对位法的终极发展，探讨《赋格的艺术》和《平均律钢琴曲集》如何将音乐结构提升到了近乎哲学的层面。此外，本书也涵盖了维瓦尔第（Vivaldi）在协奏曲体裁上的创新，以及科雷利（Corelli）对奏鸣曲形式的贡献。 --- 第四部：古典主义的清晰与理性之美（约公元1750年 – 1820年） 随着启蒙运动的兴起，音乐摆脱了巴洛克时期的繁复装饰，追求清晰、平衡与清晰的结构。本部分聚焦于“维也纳古典乐派”的三巨头——海顿（Haydn）、莫扎特（Mozart）与贝多芬（Beethoven）。 约瑟夫·海顿被誉为“交响曲之父”和“弦乐四重奏之父”，我们深入研究了他如何系统化地构建奏鸣曲式（Sonata Form），赋予交响乐稳定的四乐章结构。沃尔夫冈·阿马德乌斯·莫扎特的章节，则着重分析其在歌剧中的创新，如《费加罗的婚礼》中对人物心理的微妙刻画，以及其旋律的纯粹性与内在的复杂性。 进入贝多芬的部分，本书将其视为古典与浪漫的桥梁。我们不再仅仅赞美其宏伟的气势，而是分析他如何通过对主题的动机性发展（Motivic Development）和对传统曲式结构的“打破与重建”，来表达个人意志和英雄主义的哲学内涵，尤其关注其晚期作品中对形式的极度自由和内在的深刻性。 --- 第五部：浪漫主义的激情与个体抒发（约公元1820年 – 1900年） 浪漫主义是音乐史上对情感、想象力和叙事性要求达到顶峰的时代。本部分详细考察了李斯特（Liszt）如何开创“交响诗”（Symphonic Poem），使管弦乐队成为讲述故事的媒介，以及他本人作为钢琴演奏家的革命性影响。 肖邦（Chopin）的章节，着眼于他对钢琴这一乐器的“私人化”，分析波兰民族精神如何融入玛祖卡和波兰舞曲的精致结构中。勃拉姆斯（Brahms）则被置于“传统与革新”的十字路口，探究其如何在继承贝多芬衣钵的同时，用更丰满的和声和内敛的情感来构建复杂的室内乐与交响曲。 中后期浪漫主义的分析聚焦于瓦格纳（Wagner）的“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理念，探讨其在《尼伯龙根的指环》中对主导动机（Leitmotif）的运用，以及其对和声语言的极端拓展（如《特里斯坦与伊索尔德》），这些探索最终挑战了调性体系的根基。同时，我们也考察了德彪西（Debussy）及其所代表的印象主义，它如何借用自然意象和色彩感来消解德奥传统的主观性和叙事性。 --- 第六部：二十世纪的探索与分裂（约公元1900年 – 1950年） 本书的最后一部分处理了古典音乐在面对现代性时的剧烈反应。我们首先审视了斯特拉文斯基（Stravinsky）的原始主义，尤其是在《春之祭》中对节奏的暴力重构如何彻底打破了听觉习惯。 随后，对第二维也纳乐派（Second Viennese School）的阿诺德·勋伯格（Arnold Schoenberg）的探讨，深入分析了无调性（Atonality）的必然性，以及他为应对无序而发明的十二音体系（Twelve-Tone Technique）的逻辑结构。与此形成鲜明对比的是，本部分也回顾了拉赫玛尼诺夫（Rachmaninoff）和西贝柳斯（Sibelius）等作曲家，他们在保持一定浪漫主义情感内核的同时，如何通过新的管弦乐配器和节奏处理来回应时代。 本书总结于二战前夕，音乐世界已然进入一个充满实验、挑战传统、并为后世无限可能打下基础的多元化阶段。 --- 本书特色： 主题驱动而非年代驱动： 每一章节都围绕一个核心音乐概念或文化事件展开，而非简单的时间顺序。 跨学科视角： 深入结合了哲学、社会学和文学理论，以理解音乐的深层文化语境。 作品深度解析： 选取了最具代表性的数百部作品作为案例，进行细致的结构、和声与配器分析，帮助读者建立感性认知与理性理解的桥梁。 对人声与器乐的平衡关注： 确保了歌剧、室内乐、管弦乐及键盘音乐的地位同等重要。 目标读者： 本书适合所有对西方艺术史有浓厚兴趣的读者，特别是音乐学院学生、专业音乐家、经验丰富的古典音乐爱好者，以及任何希望从本质上理解“古典音乐”是如何从其早期对位法走向现代复杂性的严肃阅读者。它是一部值得反复研读的地图集，引领读者穿越音乐历史的长河，领略每一位大师留下的独特光芒。

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坦白说，我一开始抱着相当大的怀疑态度来对待这本厚厚的典籍，毕竟市面上关于“古典音乐入门”的书籍汗牛充栋，很多要么过于学术化到让人望而却步，要么又流于表面、缺乏实质内容。但这本书，或者说这本“选集”，成功地在两者之间找到了一个近乎完美的平衡点。它的叙事节奏掌控得非常老道，不会让你在阅读某个特定作曲家的生平时感到疲惫。作者巧妙地运用了大量的文学性笔触，将音乐家们塑造成鲜活的、有血有肉的人物群像，而非仅仅是历史脚注。例如，对贝多芬晚期作品的解读部分，充满了对“超越苦难”这一主题的深刻反思，文字的张力甚至让人联想到尼采的某些哲学论断，那种与命运抗争的强大精神力量，透过纸面扑面而来。我特别欣赏作者在讨论“形式与自由”时的观点，他并没有将古典主义的严谨视为束缚，而是将其视为一种更高层次的创造性框架，就像一座精雕细琢的希腊神庙，其规则本身孕育着极致的美。这本书的排版设计也值得称赞，大量的留白让眼睛得到了休息，同时也突显了那些关键的引文和乐理概念，使得阅读体验非常舒适流畅。总而言之，它提供了一种极富同理心的视角，去理解那些跨越了数百年依然能震撼人心的艺术作品，让人感觉自己不再是一个旁观者，而是历史洪流中一位受邀的聆听者。

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这本书给我的整体感受是——这是一次深呼吸。现代生活节奏太快，我们很容易将古典音乐简化为背景噪音，或者仅仅是“高雅”的代名词。但这本选集却像一个耐心且富有激情的向导，带着你放慢脚步，重新审视那些被时间淘洗过的伟大作品。它的语言风格是内敛而充满敬意的，没有使用任何煽情的词汇来夸大其词，一切的震撼都源于对音乐本身内在逻辑的精准捕捉和深刻理解。我最欣赏的一点是，它没有试图给所有作品下一个绝对的“好”或“坏”的定论，而是侧重于解释“为什么”。为什么巴赫的对位法在结构上如此令人着迷？为什么马勒的交响曲需要用近乎病态的长度来承载他内心的宇宙？书中提供了丰富的解释框架，但最终的判断权，还是交还给了读者自己。这种对读者智识的尊重，使得阅读过程充满了自主探索的乐趣。它成功地将复杂的音乐现象，转化为可以被理性消化、感性共鸣的文字叙事，是一部真正配得上“经典”二字的解读之作。它让我意识到，对古典音乐的理解，永远没有终点，而这本书，只是打开了一扇通往更深层次理解的大门。

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我是一个对细节有近乎偏执要求的人，尤其是在涉及专业知识的书籍上。这本书最让我感到放心的，是其论证的严谨性与考据的扎实程度。作者在引用任何一种音乐理论或历史事件时，都清晰地标注了信息来源，这使得整本书的论述具有极高的可信度。例如，在解释奏鸣曲式结构时，书中提供的图示和文字解释是教科书级别的清晰，每一个呈示部、发展部和再现部的功能都界定得无可挑剔，同时又不会让人感到僵硬教条。但最妙的是，一旦基础框架建立起来，作者便开始打破它。他会引用一位现代音乐评论家的观点，指出那些伟大的作曲家是如何在遵守既有规则的同时，又以极富创造力的方式去“扭曲”或“超越”这些既定格式的，这才是真正艺术的魅力所在。我尤其喜欢书中关于“配器法”的章节，里面详细拆解了不同乐器在不同时期所扮演的角色变化，从早期交响乐队的相对简单，到瓦格纳歌剧对铜管乐团的近乎军事化的庞大运用，文字描述充满了画面感。你可以清晰地“听”到声音的演变。这本书不是那种读完就扔掉的速食读物，它更像是一本工具书和伴侣，我打算在未来几年里，不断地翻阅和对照着它去欣赏那些经典的录音版本。

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这本汇编的价值，我认为更多体现在其跨学科的视野上。它不仅仅是在谈论音符和和弦，它更是在探讨人类文明在特定历史阶段的集体心绪。举个例子，当作者深入剖析维也纳古典乐派的辉煌时，他并没有孤立地看待海顿、莫扎特，而是将其置于启蒙运动的理性光辉和资产阶级力量崛起的宏大背景之下。那种对秩序、清晰和普适美学的追求，是那个时代精神的直接投射。随后，叙事自然地转向了浪漫主义的“自我中心”与情感的爆发，这种转变不仅是音乐史上的演进，更是社会意识形态的巨大转向。书里有一段文字，将肖邦的夜曲描述为“在私密的月光下，对失落祖国的无声哀悼”，这句话的意境之美和情感穿透力，简直如同聆听了最纯粹的钢琴独奏。而且，这本书的选材非常广博，不像一些同类书籍只聚焦于德奥传统，它也相当细腻地介绍了法国印象派的色彩运用，以及俄国民族乐派的异域情调，展现了古典音乐世界真正的多元面貌。它强迫你跳出固有的听歌习惯，去接受那些不那么“悦耳”但却极具历史重要性的声音。读完之后，我感觉自己对18世纪到20世纪初欧洲文化脉络的理解，又加深了一层。

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这本书的封面设计得非常典雅，深蓝色的背景上点缀着金色的巴洛克式花纹，中央是烫金的书名，一下子就把人带入了古典音乐的庄严氛围之中。我原本以为这会是一本纯粹的乐理教科书，但翻开内页才发现，它更像是一本精心策划的音乐史画廊。作者并没有沉溺于枯燥的年代划分和作曲家列表，而是通过一系列精妙的章节编排，将不同时期的音乐风格——从格里高利圣咏的空灵，到巴赫赋格的严谨，再到浪漫主义时期如雨后春笋般涌现的情感爆发——串联成一条清晰而富有张力的叙事线索。尤其让我惊艳的是，书中对特定作品的分析视角。它不是简单地介绍“这是哪个协奏曲的第三乐章”，而是深入挖掘了作品创作时的社会背景和作曲家内心的挣扎与狂喜，比如莫扎特在创作《安魂曲》时那种近乎预言式的悲怆感，被文字描绘得淋漓尽致。阅读过程中，我常常忍不住停下来，去寻找那些被提及的曲目，试图在脑海中重构作者所描绘的那个宏大而细腻的音乐世界。对于一个自认为对古典乐略知一二的听众来说，这本书提供了太多新的、需要细细品味的维度，它让我的“聆听”行为，从单纯的感官享受，升华为一种更具智识深度的探索之旅。它的配图质量也相当高，那些老乐谱的扫描件和作曲家们略显落魄或踌躇满志的肖像，都为文字增添了无与伦比的真实感和历史厚重感。

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