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出版者:Mel Bay Publications, Inc.

作者:Aaron Shearer

出品人:

页数:220

译者:

出版时间:1990-11-1

价格:USD 24.99

装帧:Spiral-bound

isbn号码:9780871668554

丛书系列:

图书标签:

• 吉他
• 乐谱
• 指弹
• 民谣
• 流行
• 教学
• 练习
• 技巧
• 音乐
• 入门

古典吉他演奏技法精要：从入门到精通 第一章：古典吉他的选择与基础准备 本书旨在为所有对古典吉他艺术抱有热忱的学习者提供一个全面、系统且深入的指导框架。我们深知，一把合适的乐器是音乐旅程的坚实起点，因此，本章将详尽阐述如何根据个人的生理条件、预算以及音乐目标，审慎地选择一把最适合自己的古典吉他。 1.1 乐器的物理特性与选择标准 古典吉他（Classical Guitar）与民谣吉他（Acoustic Guitar）在结构、音色和演奏方式上存在显著差异。我们首先聚焦于古典吉他的核心要素： 面板（Soundboard）： 这是吉他声音的“心脏”。优质的面板材料（如云杉或雪松）对手指的触感、共鸣和音色的丰满度起着决定性作用。我们将探讨不同木材的声学特性，并指导读者如何通过轻敲面板来初步判断其音质的均匀性与穿透力。 音梁结构（Bracing）： 复杂的音梁系统（如扇形或X型）对吉他的音量、延音和低频响应至关重要。深入理解音梁对音色塑造的影响，是挑选高品质乐器的关键一步。 指板宽度与弦高（Nut Width and Action）： 古典吉他通常拥有更宽的指板（约52mm），这为左手指法提供了更大的空间，尤其是在进行复杂的和弦转换或独奏时。弦高（Action）的设置直接影响按弦的力度和舒适度，我们将提供标准参考值，并建议在购买时请专业人士进行微调。 品丝与指板的平整度： 即使是微小的凸起或凹陷也会导致“打品”（Buzzing）。本节将教导读者利用直尺和手感，检查品丝边缘的顺滑度和整体平整度。 1.2 配件的必需性与维护 除了乐器本身，合适的辅助工具同样不可或缺。我们将详细介绍： 调音器（Tuner）： 强调使用高精度的数字调音器，并介绍标准音高（E-A-D-G-B-E）的校准流程。 脚凳与支撑系统（Footstool and Support）： 探讨正确的演奏姿势对减轻身体负担和提高演奏效率的重要性。推荐不同类型的脚凳设计，并说明如何调整其高度以达到最佳的人体工程学平衡。 湿度控制： 鉴于古典吉他多为实木结构，湿度波动是最大的潜在威胁。本章将指导读者如何使用保湿盒（Humidified Case）和室内湿度计，将环境湿度维持在45%至55%的最佳区间，以防止木材开裂或变形。 --- 第二章：右手指法——音色的雕刻师 古典吉他独特的发声方式依赖于右手指尖或指甲对琴弦的精准拨动。本章是理解和掌握古典吉他音色多样性的核心所在。 2.1 右手基础姿势与放松 正确的右手姿势是避免疲劳和实现流畅演奏的前提。 手臂与手腕的定位： 手臂应自然垂于身体前方，手腕应保持放松且略微向外侧弯曲，形成一个平稳的支撑平台。强调避免手腕僵硬或过度抬高手臂，这会限制手指的独立运动。 指甲的修剪与抛光： 理想的指甲长度能产生清晰、圆润的音色。我们将提供详细的测量标准（通常是超过指肉垫0.5-1毫米）和抛光指南，以确保拨弦过程的顺畅。 2.2 基础拨弦技法：靠弦与不靠弦 古典吉他演奏主要依赖两种拨弦技术，它们共同构成了动态和音色的广阔频谱。 Apoyando（靠弦击弦法）： 强调击弦后手指紧贴下一根琴弦休息，产生浑厚、高音量的音色。通过严格的练习，使手指能够准确地“撞击”到目标弦，并被相邻的弦“阻挡”。 Tirando（自由击弦法）： 强调手指击弦后立即离开，不接触邻近琴弦。这是演奏快速音阶、琶音和保持音色平衡的关键。本节将重点训练手指的垂直和水平分离速度。 2.3 琶音（Arpeggios）的系统训练 琶音是展示右手技术控制力的重要手段。我们将拆解并系统练习以下经典琶音模式： P-i-m-a 模式的稳定化： 专注于拇指（P）的独立性和均匀性，确保其音量不盖过其他三指。 跨弦与连续性： 练习如何在不同弦组间快速、流畅地转换，同时保持节奏的稳定性和音色的统一性。我们将引入节拍器训练，从小速度开始，逐步提高至音乐作品所需的演奏速度。 --- 第三章：左手指法——和声与旋律的构建者 左手的任务是精确、有力地按制琴弦，以实现清晰的音高和丰富的和声效果。 3.1 正确的按弦姿势与指尖运用 手型与拇指定位： 拇指应放松地置于指板后方中央偏上位置，起到支撑和平衡的作用，而非过度用力挤压琴颈。强调使用指尖（而非指腹）垂直于指板按弦，以确保音符清晰、无杂音。 按弦位置的精确性： 理想的按弦点应尽可能靠近品丝（Fret），但不能压在品丝之上。我们将通过对比练习，让学习者体会距离品丝不同位置对音色清晰度和所需按弦力度的影响。 3.2 横按（Barre）技巧的突破 横按是古典吉他技术中的一个重要分水岭，它要求左手前臂和手指具备较高的力量与耐力。 力量的分布与优化： 避免用蛮力使整个手臂僵硬。正确的横按应主要依靠食指的侧面压力和前臂的微小旋转力矩来实现。我们将介绍“压力倾斜法”，即让食指略微向高音弦方向倾斜，以提高按实所有琴弦的效率。 减轻疲劳的练习序列： 设计了渐进式的横按练习，从短时、低把位的横按开始，逐步过渡到全把位的连续换把练习，以建立必要的肌肉耐力。 3.3 揉弦（Vibrato）与滑音（Sliding） 揉弦是赋予旋律线生命力的关键技巧。 揉弦的类型与应用： 区分垂直揉弦（Finger Roll）和水平揉弦（Wrist Vibration）。对于古典吉他，更常用的是小幅度、高频率的水平或斜向揉弦，以模仿弦乐器的延音效果。 滑音的流畅过渡： 滑音不仅用于音符间的连接，也是乐句表达的重要手段。练习时需确保滑行过程中的音量稳定，避免出现“划沙”般的噪音。 --- 第四章：视奏与音乐表达 掌握了技术基础后，学习的重心必须转向如何将这些技术转化为富有情感的音乐表达。 4.1 节奏的内化与节拍器的哲学 节奏的稳定源于对拍子的深刻理解，而非机械地跟随节拍器。 细分节奏的训练： 针对复杂的复合拍子（如5/8, 7/8）或三连音、复节奏，要求学习者能清晰地在内心“数出”最小的音符单位。 动态的节奏处理： 探讨在演奏不同力度（如 piano 到 forte）时，节奏的微小调整如何影响音乐的呼吸感，避免力度变化导致节奏散漫。 4.2 乐句的构建与呼吸 音乐的“呼吸”是区分演奏者与技术匠人的关键。 乐句的划分： 学习如何通过乐谱的记号（如休止符、连音线）来识别音乐的“意群”。在乐句的开头和结尾，应有意识地调整力度和触弦的松紧度。 触弦的微调（Touch Variation）： 介绍如何通过改变拨弦的角度（更靠近指板或更靠近琴马）和速度，在不改变左右手基本技术的前提下，创造出无限的音色变化（如 ponticello 与 tasto 效果的自然实现）。 4.3 技巧的整合与作品实践 本章最后将引导学习者将所有学到的技术——和声支持、旋律线条、动态控制——整合到具体的练习曲和初级独奏作品中。强调在练习时，必须带着音乐的目的去运用技术，而不是单纯地重复动作。每一次练习，都应是对作品情感的再发现。

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我最近迷上了给老歌重新编配，想要找到一些能激发新灵感的素材。翻阅了手头很多教材后，我发现很多都是围绕着某种特定的风格（比如乡村、古典）打转，很难找到可以通用、但又充满巧思的编配技巧。这本乐谱集正好填补了这个空白。它的章节设计很有意思，不是简单地按难度排列，而是按“技巧主题”来划分的，比如“装饰音的运用”、“琶音的破碎化处理”、“特殊调弦的初步探索”等等。我从中学到了很多关于如何在不改变原有和弦框架下，通过细微的节奏变化和音色处理，来给一首熟悉的曲子注入全新灵魂的方法。比如，书中提到了一种在分解和弦中，将根音和三音交替强调的技巧，我用这个技巧重新编配了一首摇篮曲，效果简直是天壤之别，变得既温柔又富有张力。这本书更像是一本“技巧词典”，而不是一本“课程表”，它提供了大量的可能性和实验素材，鼓励读者去“玩”音乐，而不是死板地“完成任务”。对我这样一个有一定基础的演奏者来说，它的启发性价值远超其本身的教学功能。

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我是一位业余的指弹爱好者，接触吉他也有好几年了，主要精力放在布鲁斯和一些民间音乐的改编上。说实话，我对那种学院派的、过于注重古典乐理论的书籍一直不太感冒，它们往往脱离了现代吉他演奏的实际需求。然而，这本我手头的乐谱集，给我的感觉是既有扎实的音乐基础训练，又非常贴近现代演奏的“手感”。它没有大篇幅地去解释什么是调式、什么是和声学（这些我可以通过其他渠道学习），而是将这些理论知识巧妙地融入到实战练习中。例如，其中关于开放和弦变奏的部分，它提供的不仅仅是和弦图，而是给出了几种非常具有“律动感”的扫弦和分解模式，这些模式稍加变化就能直接用在我的即兴演奏中，极大地丰富了我的音乐语言。更让我惊喜的是，它收录了一些非常有趣的练习片段，它们模仿了特定风格的音阶和琶音跑动，比如某种拉格泰姆（Ragtime）的律动感，这对于想要拓宽演奏风格边界的乐手来说，简直是宝藏。我发现，坚持用它提供的练习来热身，能让我的手指在接下来的复杂演奏中保持更好的灵活性和准确性。

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说实话，我对乐谱的“颜值”要求不高，我更看重内容是不是“干货”。但这本乐谱集的内容深度绝对是超乎预期的。它不满足于停留在基础的和弦转换上，而是深入到了和弦外音的运用和旋律线的独立性处理。我特别喜欢其中关于“声部进行”的练习，很多初级教材都会把旋律和伴奏混在一起，导致弹奏出来效果很“平”。这本书却明确区分了高音声部（主旋律）和低音声部（根音和伴奏），并提供了不同的力度标记，鼓励演奏者像乐队一样去思考和演奏。当我尝试按照这些标记去弹奏时，立刻感受到了三维立体的音乐效果，原本单调的练习曲顿时变得生动起来。而且，书中对指板上不同把位上相同音符的指法选择也给出了很多建议，这对于我这种喜欢“跑动”和快速变把位的演奏者来说，极大地提升了我的演奏流畅度和效率。它迫使我去思考：同一个音，在不同的位置弹出来，手感和音色会有什么细微差别，这才是真正有价值的探索。

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这本乐谱集简直是为吉他学习者量身定做的！我刚开始学指弹的时候，面对市面上那些眼花缭乱的教材，真是无从下手。很多书的难度跨度太大，要么太基础，刚学会几个和弦就让你挑战协奏曲；要么就是直接深入到大师级的技巧，让人望而却步。但这本书的编排非常科学，它就像一个循序渐进的向导，从最基础的五线谱和六线谱对照开始，慢慢地引入一些简单的指法练习和和弦进行。我尤其欣赏它对节奏处理的细致讲解，这往往是初学者最容易忽略但又至关重要的部分。比如，它有一章专门讲如何用右手拇指控制低音的稳定性和清晰度，这一点在其他教材里很少能看到如此深入的分析。而且，书中的例曲虽然听起来简单，但每首曲子都巧妙地涵盖了一个或两个新的技术点，让你在不知不觉中就掌握了新的技能。当我弹奏完前面几首曲子后，惊喜地发现自己对指板的熟悉程度和对节奏的把握都有了显著的提升，这绝不是那种堆砌难点、让人感到挫败的教材能比拟的。它真正做到了寓教于乐，让练习的过程充满了成就感，而不是枯燥的重复。

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作为一名音乐教育者，我在寻找一套能平衡“技术性”和“艺术性”的辅助教材。很多市售的教材要么技术讲解过于晦涩，学生难以理解如何应用；要么艺术性太强，但缺乏对基本功的系统性矫正。这本乐谱集在这方面做得尤为出色。它的排版设计非常清晰，即使是复杂的指法标记，也用不同的字体粗细和符号清晰地区分开来，这大大降低了学生在阅读谱子时产生误解的几率。我注意到，它在引入新的演奏技巧时，总是先给出一个非常慢速、清晰的示例，然后才逐步增加速度和复杂性。这一点对于建立学生的肌肉记忆至关重要，可以有效避免一开始就养成错误的弹奏习惯。特别是关于右手拨弦力量控制的练习，书中建议用非常轻柔的方式去触碰琴弦，以达到“清晰但不刺耳”的效果，这个教学理念非常高明，强调了音色的“质感”而非单纯的“音量”。总而言之，这是一本注重细节、面向实用且极具教学价值的参考资料。

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