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出版者:

作者:Bowders, Jeff

出品人:

页数:119

译者:

出版时间:2009-2

价格:$ 22.59

装帧:

isbn号码:9781423427629

丛书系列:

图书标签:

• 音乐教育
• 音乐学院
• 音乐专业
• 职业音乐
• 音乐技巧
• 音乐理论
• 音乐实践
• 音乐生涯
• 流行音乐
• 爵士乐

《乐音编织者：现代音乐创作的艺术与科学》 书籍简介 《乐音编织者：现代音乐创作的艺术与科学》并非一本单纯的乐器演奏指南，也不是一部枯燥的音乐理论教科书。它是一次深入现代音乐创作核心的探索之旅，旨在揭示那些让乐句触动灵魂、和弦引发共鸣、节奏牵引舞步的深层原理。这本书的目标读者是所有对音乐创作怀有热情，无论是初学者还是有一定经验的创作者，渴望理解并掌握将脑海中闪烁的旋律转化为动人乐章的能力。 本书不从零开始教授具体的乐器指法，也不拘泥于某一特定音乐风格的技巧。相反，它将目光投向更广阔的创作视野，从音乐的本质出发，剖析构成一首优秀作品的各个维度。我们会追溯音符诞生的源头，探索节奏与情感的内在联系，审视和声的逻辑与情感色彩，研究旋律的结构与吸引力，以及编曲在声音世界中构建立体空间的魔力。 第一部分：声音的语言——音乐的基石 在这一部分，我们将打破对音乐的直觉式感知，以一种更具分析性的眼光去理解声音的构成。 音高、音色与响度的奥秘： 我们将深入探讨构成音乐最基本的三要素：音高（我们如何感知音的高低）、音色（为何小提琴的声音与钢琴如此不同）以及响度（声音的强弱如何影响我们的情绪）。这部分会介绍一些关于声音物理学和感知心理学的基本概念，但不会深入到复杂的科学公式。我们关注的是这些元素在音乐创作中如何被巧妙运用，以达到预期的情感表达效果。例如，高亢的音高可能传递兴奋或紧张，而柔和的响度则可能营造宁静或忧伤。音色的选择更是为音乐注入灵魂的关键，不同的乐器或合成器音色能瞬间改变一首作品的氛围。 节奏的脉搏： 节奏是音乐的骨架，是驱动乐曲前进的动力。本章将解析不同节奏模式如何产生不同的律动感，从简单的四四拍到复杂的多拍子，再到切分音和摇摆节奏的应用。我们会探讨节奏如何与身体的运动产生联系，为何某些节奏会让我们不由自主地跟随摇摆，而另一些则能营造出庄重或不安的氛围。我们将分析不同文化背景下的节奏特点，以及现代音乐中节奏的创新与演变。理解节奏的本质，意味着掌握了让音乐“活起来”的钥匙。 和声的色彩与张力： 和声是音乐的灵魂，是连接旋律、丰富乐曲层次的关键。本书将从基础的和弦构建出发，介绍不同调式下和弦的功能与关系，以及它们如何营造出特定的情感色彩。我们不会止步于枯燥的和弦理论，而是着眼于和声进行在情感叙事中的作用。从简单的三和弦到复杂的七和弦、挂留和弦，乃至更具实验性的和声运用，我们将学习如何利用和声的“推拉”力量，制造出期待、解决、紧张或舒缓的情感体验。我们将探讨经典和声进行在不同音乐风格中的演变，以及现代音乐中和声的创新与突破。 第二部分：旋律的勾勒——情感的轨迹 旋律是音乐中最容易被记住的部分，是创作者情感的直接表达。 旋律的骨架与血肉： 本章将深入分析旋律线的构成要素，包括音程、音阶、旋律轮廓和动机发展。我们将学习如何构建具有辨识度、流动性和感染力的旋律。这并非是简单的音符堆砌，而是对音高、节奏和情感的精妙编排。我们会探讨不同类型的旋律（如对称性旋律、不规则旋律）如何影响听众的感知，以及如何运用重复、变化、发展等手法让旋律更加丰富和引人入胜。 动机的力量与发展的艺术： 音乐的生命力往往蕴藏在一个小小的音乐动机中。本书将阐释如何从一个简洁的旋律片段出发，通过节奏的改变、音高的移位、和声的衬托等多种方式，将其发展成一段完整的、具有逻辑性的旋律。我们将分析大师们是如何将一个简单的动机贯穿整首作品，赋予音乐强大的凝聚力和叙事性。这部分强调的是创作的“有机性”——音乐如何像生命体一样生长、演变，而不仅仅是片段的拼接。 旋律与情感的共振： 旋律是情感的直接载体，不同的旋律走向、节奏处理和音程跳跃，都能唤起听众心中特定的情绪。我们将探讨旋律如何映射内心的波动，如何通过向上或向下的运动传递希望或失落，如何通过特定的音程组合引发喜悦或忧伤。本书将鼓励创作者深入挖掘自身的情感体验，并思考如何将其转化为具有普适性的旋律语言。 第三部分：声音的架构——编曲与配器 编曲是将创作的素材转化为听觉体验的桥梁，是将零散的音符组织成宏大声音画卷的关键。 色彩的调色盘——乐器与音色的选择： 编曲的首要任务是为音乐选择合适的“声音”。本章将引导读者认识不同乐器和音色的特点、音域、表现力以及它们在不同音乐情境下的适用性。从经典的管弦乐器到现代的电子合成器，我们将学习如何根据音乐的情感、风格和想要达到的效果，进行精准的乐器和音色选择，构建出独一无二的声音色彩。 层次与空间的构建： 优秀的编曲能够创造出立体而丰富的听觉空间。我们将探讨如何通过声部设计、音量、声像（左右声道定位）以及混响等效果，为音乐赋予层次感和深度。本章将介绍如何避免“声音的拥挤”，让每一个乐器或声部都能清晰地表达自己的角色，同时又和谐地融于整体。我们会学习如何通过“减法”来突出重点，以及如何通过“堆叠”来营造宏大的氛围。 风格的融合与创新： 现代音乐的魅力在于其风格的多样性与融合性。本书将分析不同音乐风格（如流行、摇滚、爵士、电子音乐等）在编曲上的共性与差异，并鼓励创作者在理解传统的基础上，进行大胆的风格探索和创新。我们将探讨如何将不同风格的元素巧妙地结合，创造出具有个人独特印记的作品。 第四部分：创作的实践——从灵感到成品 理论的终极目标是指导实践。本部分将把前文所学的知识融会贯通，引导创作者走向实际的创作过程。 灵感的捕捉与酝酿： 灵感并非凭空而来，它常常隐藏在生活的细节、观察的视角、阅读的文字，甚至是一段意外听到的旋律中。我们将分享多种捕捉和激发灵感的方法，并强调“记录”的重要性。同时，我们也会探讨如何将零散的灵感碎片，通过思考、分析和连接，逐渐发展成可供创作的素材。 结构的思考与铺陈： 一首完整的歌曲或器乐作品需要清晰的结构来支撑。本书将介绍常见的歌曲结构（如主歌-副歌，AABA等）以及其他音乐形式的结构原理，并分析不同结构如何影响音乐的叙事性和听众的接受度。我们将学习如何有策略地安排音乐的起承转合，如何通过音乐的密度、情绪的起伏来引导听众的情感体验。 迭代与打磨： 创作是一个不断迭代和打磨的过程。从初稿到成品，必然会经历无数次的修改和完善。本书将鼓励创作者拥抱“不完美”，大胆尝试，并学会如何以批判性的眼光审视自己的作品，找出不足并进行改进。我们将探讨如何从反馈中学习，以及如何不断提升自己的审美和技术能力。 结语：乐音编织者的自我超越 《乐音编织者：现代音乐创作的艺术与科学》不是终点，而是起点。它希望点燃你内心的创作火焰，为你提供一套分析和理解音乐创作的通用语言。音乐创作是一门既讲求技巧又饱含情感的艺术，它需要理论的指导，更需要不懈的实践和对生活深刻的体悟。愿这本书成为你手中那根神奇的指挥棒，编织出属于你自己的、独一无二的乐音世界。

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