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出版者:

作者:Kenrick, John

出品人:

页数:424

译者:

出版时间:2010-3

价格:$ 39.49

装帧:

isbn号码:9780826430137

丛书系列:

图书标签:

• 音乐剧
• 戏剧
• 表演艺术
• 音乐
• 舞台艺术
• 文化
• 娱乐
• 艺术史
• 音乐剧史
• 流行文化

《乐动人生：时代的旋律与舞台的回响》 这是一部穿越时空的音乐剧史诗，它并非仅仅是一部歌舞升平的剧目集合，而是深入挖掘音乐剧这门艺术形式如何与社会思潮、时代变迁、技术革新以及人类情感深刻交织的宏大叙事。本书将引领读者踏上一段迷人的旅程，探寻音乐剧在不同历史时期所扮演的角色，以及它如何成为反映和塑造时代精神的一面镜子。 第一部分：黎明的序曲——音乐剧的萌芽与早期探索 本书的开端，我们将追溯音乐剧的起源。它并非凭空出现，而是吸纳了歌剧、轻歌剧、滑稽剧、杂耍表演等多种艺术形式的精髓，并在此基础上孕育出属于自己的独特魅力。我们会详细解析那些奠定音乐剧基础的关键作品，以及那些敢于突破传统、大胆融合新元素的先驱们。这部分内容将聚焦于音乐剧早期在美英两国的发展，探讨它们在叙事结构、音乐风格、舞蹈编排等方面的初步尝试，以及这些尝试如何为日后音乐剧的蓬勃发展打下坚实根基。我们还将审视早期音乐剧所反映的社会风貌，从对社会问题的温和探讨，到对民间生活的生动描绘，见证艺术形式如何捕捉时代的脉搏。 第二部分：黄金时代的辉煌——风格的多样化与艺术的成熟 随着二十世纪中叶的到来，音乐剧迎来了它的黄金时代。本书将深入剖析这一时期的多元风格和艺术成就。从融合经典音乐元素的《俄克拉荷马！》到大胆探索社会现实的《西区故事》，再到将神话传说与现代情感相结合的《窈窕淑女》，我们将细致地分析这些作品如何在音乐、歌词、剧本、舞蹈以及舞台呈现上达到新的高度。每一部经典作品的背后，都有其独特的艺术理念和创作挑战。本书将带领读者走进这些作品的幕后，理解作曲家、作词家、编剧、导演和舞蹈指导是如何协同合作，将一个个梦想变为现实的。我们将重点探讨不同作曲家和作词家的风格演变，以及他们如何通过音乐和歌词来塑造人物、推动情节、抒发情感。同时，本书也将关注这一时期音乐剧在叙事深度上的拓展，如何开始触及更为复杂和严肃的主题，展现艺术的社会担当。 第三部分：变革的风暴——挑战与创新在现代音乐剧 进入后黄金时代，音乐剧面临着前所未有的挑战，同时也迎来了更加大胆和创新的浪潮。本书将聚焦于这一时期音乐剧的深刻变革。我们将探讨“概念音乐剧”的崛起，以及它如何打破传统叙事模式，以更加抽象和象征的手法来表达主题。从《发条橙》到《妈妈咪呀！》，我们将解析这些作品如何在结构、音乐、舞台设计上进行突破，挑战观众的观赏习惯。本书还将关注音乐剧在题材上的拓展，从历史题材到科幻幻想，从个人成长到社会批判，音乐剧的舞台变得更加丰富多元。我们会深入分析那些在音乐风格上大胆创新的作品，如何融合摇滚、爵士、流行等元素，为音乐剧注入新的活力。同时，我们也将审视技术革新对音乐剧舞台呈现的影响，从灯光、音响到多媒体技术的运用，这些是如何为观众带来更加沉浸式和震撼的体验。 第四部分：世界的回响——全球化视野下的音乐剧 音乐剧的魅力早已超越了地域的界限，成为全球性的艺术现象。本书的第四部分将把目光投向世界各地，展现音乐剧在全球范围内的发展和影响。我们将探讨不同国家和地区在借鉴西方音乐剧模式的同时，如何融入本土文化特色，创作出具有独特地域风情的音乐剧作品。从亚洲的音乐剧浪潮，到欧洲的古典与现代交融，再到拉丁美洲的激情与热情，我们将呈现音乐剧在全球化进程中呈现出的多元面貌。本书将分析不同文化背景下的音乐剧观众群体，以及他们对音乐剧的理解和期待的差异。我们还将探讨音乐剧在促进文化交流和理解中所扮演的角色，以及它如何成为连接不同民族和文化的桥梁。 第五部分：未来的音符——探索与展望 在本书的结尾，我们将放眼未来，探讨音乐剧艺术的未来发展趋势。在数字时代，新技术层出不穷，这将如何影响音乐剧的创作、表演和传播？流媒体平台、虚拟现实技术、人工智能等新元素的介入，会为音乐剧带来怎样的可能性？本书将审视当下音乐剧创作中的新兴主题和艺术手法，以及新一代创作者所面临的机遇与挑战。我们将思考音乐剧如何继续保持其艺术生命力，如何吸引更广泛的观众群体，并在不断变化的社会环境中找到新的表达方式。本书的结语将是一次对音乐剧艺术持久生命力的赞美，以及对未来无限可能的期待，它将激励读者继续关注和热爱这门充满活力的艺术形式。 《乐动人生：时代的旋律与舞台的回响》不仅仅是一部梳理音乐剧历史的作品，更是一次关于艺术、文化与社会互动的深刻对话。它将以严谨的学术态度，生动的叙事方式，带领读者沉浸在音乐剧的无限魅力之中，理解它为何能跨越时代，触动人心，并在全球舞台上绽放不朽的光彩。

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拿到这本《Musical Theatre》时，我原本期待的是一本能够快速了解热门剧目的指南，结果却收获了一份沉甸甸的艺术史诗。这本书的厚度就足以说明其内容的广博，但它处理信息的方式却异常精炼。作者的笔力非常老辣，擅长在寥寥数语间勾勒出一位艺术家的形象和他们的贡献。例如，对某位开创性作曲家的描述，寥寥数笔，便将他如何将古典音乐的严谨性与流行的节奏感完美融合的历程勾勒得清晰无比。而且，书中对技术层面的探讨也毫不含糊，比如现代音响技术和舞台机械如何反哺歌舞剧的艺术表现力，都有深入浅出的讲解。这本书就像一个经验丰富的老剧评家，坐在你身边，耐心地为你讲述舞台背后数十年间的风起云涌。它不是一本让你“看完”的书，而是一本需要你时常翻阅、不断思考、并从中汲取灵感的“工作手册”或“精神食粮”。每次重读，总能发现新的细节和新的感悟，这本书的价值是持久的。

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说实话，我本来以为这是一本会比较沉闷的教科书性质的书，但《Musical Theatre》完全颠覆了我的预期。它的叙事方式非常“人性化”，读起来一点都不费劲，反而充满了探索的乐趣。作者在剖析不同流派和风格时，总能精准地抓住其核心的艺术精髓，比如他对“叙事性音乐剧”和“概念性音乐剧”的区分与比较，分析得鞭辟入里，让我明白了为什么某些剧目能够经久不衰。书中对词曲作家和编舞家的介绍，也绝非简单的履历堆砌，而是深入挖掘了他们的创作哲学和对行业带来的变革。例如，书中对某位传奇编舞家如何打破传统舞台界限的描述，简直令人拍案叫绝，那种对艺术创新的执着，即便隔着文字，也能强烈地感受到。对我这种业余爱好者来说，这本书提供了一个非常扎实且有趣的框架，去理解歌舞剧这门复杂艺术的构成要素，我不再只是单纯地欣赏表演，而是开始思考“为什么”和“如何做”，这种提升是立竿见影的。

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我必须承认，我是在寻找关于舞台灯光设计历史的资料时偶然翻到这本书的，没想到竟然被它深厚的底蕴彻底“吸”住了。《Musical Theatre》这本书最值得称道的一点，在于它对于“美国精神”如何在歌舞剧中体现的深刻探讨。它不仅仅是在介绍剧目，更是在解读一种文化现象，解析歌舞剧如何反映社会变迁、政治思潮乃至大众情感的集体投射。书中对特定年代背景下，某些作品如何大胆触及敏感议题的分析，简直是教科书级别的案例研究。我特别欣赏作者在讨论不同国家和文化背景下的音乐剧影响时所展现出的全球视野，避免了将歌舞剧局限于单一地域的狭隘。而且，书中的语言风格非常具有画面感，当你读到对某场重头戏的场景描述时，仿佛舞台灯光已经亮起，演员就在你眼前翩翩起舞，这种沉浸式的体验是其他同类书籍难以企及的。它不仅是知识的汇集，更是一次情感的共鸣之旅。

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这本书的结构安排着实体现了编辑者的匠心独运。它不是按时间线索简单地罗列，而是采取了一种主题式的推进，比如专门辟出一个章节来探讨“舞蹈在叙事中的作用”，另一个章节则聚焦于“歌词的文学性挑战”。这种组织方式极大地增强了阅读的逻辑性和层次感。我发现，通过这种模块化的阅读，我可以根据自己的兴趣点进行跳跃式学习，但整体的知识体系却依然完整。特别让我欣赏的是，作者在涉及一些颇具争议性的经典剧目评价时，保持了高度的客观与平衡，既肯定了其艺术成就，也毫不避讳地指出了其在时代局限性下存在的不足。这种成熟的批判性思维，让这本书的价值远超一般的科普读物。对于舞台制作专业的学生或者希望深入研究的爱好者来说，这本书提供了一个多维度、多层次的分析工具，远比那些只罗列“热门剧目”的杂志文章要深刻得多。

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这本《Musical Theatre》简直是为每一个热爱歌舞剧的人量身打造的宝典！我一翻开书就被它引人入胜的笔触所吸引。作者对于各个历史阶段的歌舞剧发展脉络梳理得极其清晰，从早期的轻歌剧、音乐喜剧到百老汇黄金时代的辉煌，再到当代实验性作品的探索，简直就像是带着我们进行了一次穿越时空的剧场之旅。最让我惊喜的是，书中没有过多地陷入枯燥的学术理论，而是大量引用了当年演出的珍贵资料、幕后轶事，甚至是一些鲜为人知的小故事。读到关于某个经典剧目创作过程中遇到的种种困难和最终如何克服，我仿佛能感受到那些艺术家们燃烧的激情。书中的插图质量也非常高，那些黑白老照片，将那个时代的风貌栩栩如生地呈现在眼前，让人不禁感慨万千。对于一个资深剧迷来说，这本书无疑是拓宽视野、加深理解的绝佳读物，它让我对那些耳熟能详的旋律和舞步背后蕴含的文化意义有了全新的认识，绝对是书架上不可或缺的一员，强烈推荐给所有对舞台艺术有热情的朋友们。

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