具体描述
Not only have a breathtaking array of musical giants come from the Southathink Elvis Presley, Robert Johnson, Louis Armstrong, Jimmie Rodgers, to name just obvious examplesabut so have a breathtaking array of American music genres. From blues to rock and roll to jazz to country to bluegrassaand areas in betweenait all started in the American South. Since its debut in 1996, The Oxford Americanas more-or-less annual Southern Music Issue has become legendary for its passionate and wide-ranging approach to music and for working with some of Americaas greatest writers. These writersafrom Peter Guralnick to Nick Tosches to Susan Straight to William Gayaprobe the lives and legacies of Southern musicians you may or may not yet be familiar with, but whom youall love being introduced, or reintroduced, to. In one creative, fresh way or another, these writers also uncover the essence of musicaand why music has such power over us.To celebrate ten years of Southern music issues, most of which are sold-out or very hard to find, the fifty-five essays collected in this dynamic, wide-ranging, and vast anthology appeal to both music fans and fans of great writing.
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读后感
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用户评价
这本书的书名听起来宏大，似乎承诺了一次对音乐文学精髓的全面巡礼。作为一名业余的音乐爱好者，我希望能从中学习如何更深刻地欣赏音乐——不仅仅是听到旋律和节奏，而是能“读懂”作曲家在音符背后隐藏的意图和时代的精神烙印。我特别想找到一些关于如何鉴赏和批评音乐的“方法论”指导。例如，如何分析管弦乐配器的微妙变化，或者如何理解不同调性之间传递的情绪差异。但阅读下来的体验是，这本书提供了大量的“是什么”（What），比如某部作品的背景、某位音乐家的生平，以及作品在历史上的地位。然而，它在“如何看”（How to See）和“如何理解”（How to Understand）方面提供的帮助却比较稀薄。许多段落都在描绘音乐带来的感官愉悦，或是赞美音乐家的高尚情操，这些内容固然能提升阅读的愉悦度，但对于想要提升自身音乐鉴赏“技能树”的我来说，显得有些“虚火”。我更需要的是一把能撬开音乐结构深处的“工具”，而不是一筐华丽的赞美之词。
评分从阅读的整体感受来说，这本书给我一种“群星闪耀，但各自为战”的印象。里面的文章显然是不同时期、不同作者的结晶，风格迥异，这一点从句法结构和词汇选择上就能明显看出来。有的篇章逻辑严密，论点清晰，仿佛出自一位受过严格逻辑训练的音乐学家之手；而另一些篇章则充满了主观臆断和感性色彩，更像是音乐评论家在音乐厅里即兴写下的观后感。这种不统一的叙事腔调，使得整本书缺乏一个统一的声音或核心论点来串联。比如，前一篇还在严肃讨论奏鸣曲式的内在张力，后一篇就跳跃到了对某位作曲家私人信件中流露出的情感世界的揣摩。我本期待的是一个编辑团队精心策划的主题汇编，能引导读者对某个特定议题进行深入的思考。结果，它更像是一份内容丰富的“剪报集锦”，虽然每张剪报本身都具有一定的价值，但把它们并置在一起，效果却略显碎片化，阅读时需要不断地调整自己的“思维频道”，这无疑增加了阅读的认知负荷。
评分我拿到这本书的时候，其实是带着一种朝圣般的心情去翻阅的，毕竟是“牛津”出品，总觉得里面藏着某种不朽的真理或者至少是经过时间考验的洞察。我尤其关注那些关于音乐史转折点的讨论，比如从巴洛克到古典主义的过渡，或者浪漫主义音乐中民族主义的兴起。我期望能读到一些令人耳目一新的观点，能帮我重新构建对这些宏大历史叙事的理解框架。然而，读完几篇关于十九世纪德国乐派的章节后，我发现作者们似乎更倾向于用一种非常抒情、近乎文学散文的笔调来叙述，而非提供严谨的论证链条。这种写作方式的好处是阅读体验流畅，文字优美，读起来很舒服，就像在听一首舒缓的室内乐。但问题在于，当我想深入探究某个具体的音乐现象背后的驱动力时，文章往往只是点到为止，或者用一些模棱两可的形容词来代替实质性的分析。这有点像看了一场精彩的开场，但正剧迟迟没有到来，让人有些意犹未足。它更像是一系列高雅的“音乐随笔”，而不是一本能让你在音乐知识体系上打下坚实基础的工具书。
评分这本书的装帧和印刷质量绝对是顶级的，纸张的手感和油墨的质感，都体现了出版商的诚意。我希望里面的内容也能像外表一样精致耐读。我个人对二十世纪的先锋音乐抱有浓厚的兴趣，比如序列主义或者随机音乐的出现，那些是真正挑战传统听觉经验的领域。我本来以为，一本汇编了“Great Music Writing”的书，至少会收录一些对卡尔海因茨·施托克豪森早期作品的权威评论，或者对约翰·凯奇《4’33”》的哲学解读。但令人惊讶的是，书中对这些革新性音乐的提及非常少，或者说，即便是提到了，也只是以一种非常审慎、甚至略带保守的态度进行描述，仿佛这些音乐是某种“边缘”现象，不值得大书特书。这种选择性的收录，让我对“Great”这个定语产生了疑问——它定义了哪一代人的“伟大”？是那些已经尘埃落定的前辈们，还是那些真正试图改变音乐边界的挑战者们？这本选集似乎更像是对“安全区”内经典作品的华丽回顾，而不是对音乐前沿的勇敢探索。
评分这本书的封面设计倒是挺吸引人的，那种经典的牛津大学出版社的排版风格，让人一看就觉得内容严谨，学术气息浓厚。我本来是冲着“Great Music Writing”这个标题来的，期望能看到一些关于古典音乐史或者音乐理论的精彩论述，也许是贝多芬某部奏鸣曲的深度剖析，或者对德彪西和声手法的独到见解。然而，当我翻开目录时，发现它似乎更像是一本音乐散文集或者音乐评论的选粹，而非一本系统性的音乐学术著作。我特别留意了关于二十世纪音乐的那一部分，希望能找到对勋伯格十二音体系或者斯特拉文斯基的早期作品的评论。但读起来感觉，这些文章的着眼点似乎更偏向于音乐的社会文化背景，以及音乐家个人的生活片段，而非纯粹的音乐结构分析。举个例子，其中一篇关于歌剧的文章，与其说是在解析咏叹调的结构或乐队配器的精妙，不如说是在描绘十九世纪欧洲上流社会观看歌剧时的情景，这种侧重让我有点摸不着头脑，毕竟我更期待的是硬核的音乐分析。总体来说，它像是一份精美的“音乐下午茶点心”，好看、精致，但缺乏一顿正式的“大餐”所应有的营养和深度。
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