具体描述
In Giant Steps for Guitar, Wolf Marshall takes an in-depth look at the Coltrane classic from a guitarist's point of view. Topics covered include a comprehensive harmonic analysis and informative history of "Giant Steps," melodic patterns in linear and positional form, rhythmic patterns and variations, ii-V and turnaround ideas, chordal studies, model solos, and much more. The accompanying CD includes audio demonstrations of most figures as well as accompanying tracks in various tempos over which to practice.
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用户评价
当我把这本书推荐给我的一个吉他导师时，他沉默了很久，最后只是笑了笑，说：“这本书是给‘思考者’看的。”我深以为知我。这本书最大的价值，可能并不在于它教了多少具体的演奏技巧，而在于它重塑了你对“可能性”的认知边界。在学习过程中，我发现自己开始不自觉地用书中提到的和声结构去分析我平时听的爵士大师的录音。以前那些听起来天马行空、捉摸不透的Solo片段，在书中的理论框架下，突然之间变得逻辑清晰、条理分明。它教会了我如何“解构”一个复杂的音乐瞬间，然后将其“重构”到我自己的演奏中去。让我印象深刻的是其中关于“和声扩展”的一章，作者用极具说服力的方式论证了如何在一个简单的七和弦之上，通过添加九音、十一音、十三音，乃至更微妙的降九或升十一，来营造出无限延伸的听觉空间。这比单纯地背诵“九和弦指法”要有效一万倍。虽然这本书的排版和图示设计略显陈旧，有些图表需要读者自行在脑海中进行三维转换，但这反而形成了一种独特的“参与感”——它不是被动接受信息，而是在主动参与知识的构建。对于那些已经达到一定演奏水平，但感觉自己陷入瓶颈期的乐手，这本书无疑是一剂强效的“清醒剂”。
评分我必须承认，这本书的视角非常独特，它没有像市面上大多数教材那样，围绕着特定的风格——比如布鲁斯或摇滚——来组织内容。相反，它似乎是从最基础的音程和声音物理学出发，层层递进，构建了一个宏大的音乐宇宙模型。我特别欣赏作者在讲解“色彩”和“张力”时所使用的类比，那些关于空间感和建筑结构的描述，成功地将抽象的乐理概念具象化了。举个例子，书中关于“次属和弦的导向性”的描述，没有堆砌复杂的和弦名称，而是将其比喻成在一条笔直的道路上设置的微妙的弯道，每一个和弦的解决，都带有一种必然的、但又充满惊喜的“回归”感。这让我对即兴演奏的理解发生了一次质的飞跃。我不再仅仅是听到一个音符感觉“对不对”，而是能清晰地感知到这个音符在这个特定和声背景下所扮演的“角色”——它是稳定者、推动者，还是潜伏的变数。不过，话说回来，这本书对读者的前期要求确实不低。如果你对传统的五线谱阅读感到吃力，或者对平均律的十二个半音系统还没有形成直观感受，那么这本书的开篇会让你感到非常吃力。它更像是一本哲学著作，而非操作手册，它为你指明了方向，但具体的路，你必须自己一步一个脚印地走出来。
评分这本书最让我感到振奋的地方，在于它对“创造性”的强调。它没有提供一套僵硬的“规则”，而是提供了一套理解“潜规则”的框架。很多教材会告诉你，某某和弦解决到某某和弦是“对的”，但这本书会深入探讨为什么“不对的”组合也能产生令人耳目一新的艺术效果。作者通过对特定音乐家作品的案例分析，展示了如何有意识地打破那些看似牢不可破的和声定律，并使之服务于强烈的表达欲。例如，书中关于“非功能性和声”的探讨，让我意识到，音乐的张力不仅仅来自于传统的导向性，更来自于听觉预期的故意落空。这种解放感是非常强大的。它让你敢于在自己的创作和即兴中尝试那些以前觉得“过于古怪”的连接。唯一美中不足的是，由于内容过于聚焦于理论的深度挖掘，这本书在实际应用层面的指导性略显不足，它更多地是给你一把“万能钥匙”，让你自己去打开不同的“门”。因此，读者需要有强大的自驱力和持续实践的意愿，否则，这本书很可能会像许多理论巨著一样，高高地被供奉在书架上，成为一种“精神安慰剂”，而非真正的“实战指南”。但对于那些愿意投入时间和心力去啃食其内核的人来说，它绝对是值得收藏的宝典。
评分这本书，说实话，拿到手里的时候，我心里是有点忐忑的。毕竟“Giant Steps”这个名字，对于任何一个吉他手来说，都带着一种莫名的敬畏感。我期待着能从中找到那些传说中能瞬间提升我乐理理解和指板思维的“捷径”，或者至少是一套结构清晰、易于消化的系统。然而，当我翻开第一页，看到那密密麻麻的音阶图和和弦进行分析时，我意识到这绝不是那种教你如何快速弹奏流行金曲的速成手册。作者似乎是以一种非常严谨的学院派态度来构建这个知识体系的。书中大量的篇幅放在了对和声功能、调式色彩转换的深入剖析上，而不是简单的指法标记。一开始，我感觉自己像一个刚被扔进深海里的游泳者，四周都是陌生的术语和错综复杂的理论迷宫。我花了很长时间才适应这种阅读节奏，不得不频繁地停下来，拿起我的吉他，对着调音器一个音一个音地去验证书中的每一个理论推导。这种学习过程是痛苦的，它要求你不仅要“会弹”，更要“理解为什么这么弹”。对于那些只想快速学会Solo几段炫技乐句的乐手来说，这本书可能会显得过于枯燥和晦涩，但我相信，对于那些真正渴望从“演奏者”蜕变为“音乐家”的人来说，这种扎实的理论基础最终会成为你最坚实的翅膀。它迫使你去思考音乐的本质，去构建属于你自己的音乐语言。
评分坦白讲，如果我是一个初学者，我可能根本无法从这本书中获得任何实际帮助，甚至可能会被它吓跑。这本书的“门槛”很高，它假设读者已经熟练掌握了指板上的基本布局，并且对和弦构成有着至少模糊的认识。我试着让我的一个刚接触吉他半年的朋友翻阅，他看完前三章就果断放弃了，直呼“像在看高等数学”。但这恰恰证明了它的独特性——它服务于一个特定的群体：那些在技术层面已无大碍，但在音乐思维层面感到受限的“中高级”乐手。这本书像是一份详尽的“地图集”，它展示了整个音乐理论的广阔疆域，每一个音符、每一个和弦的组合，都在这张地图上被精确标注了它们与其他元素的关联。我个人觉得，如果能配合一些高质量的录音示例来印证书中的理论，效果会更佳，但即便没有，它也成功地在我的脑海中“绘制”出了那个声音的蓝图。它不是一本提供答案的书，而是一本提供“提问工具”的书。你不再问“我该弹什么音？”，而是开始问“我想表达什么样的情绪，需要哪些和声色彩来支撑？”这种思维的转变，是无价的。
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