具体描述
According to the important American poet John Ashbery, "To read Fairfield Porter is to rediscover art through the eyes of someone whose intuitive love and understanding of it has been matched by few contemporaries," while fellow New York School poet Barbara Guest wrote, "Blunt, intuitive, scholarly, inspired--I believe no other critic has so tackled the meaning of twentieth century art, has tightened our vision of it." Known as one of America's finest and most influential painters, Fairfield Porter (1907-1975) was also a prolific and highly insightful art critic. His writing not only reflects the independent, original mind that presided over his own visual works, but also covers an extraordinary period in American art, in which he played the double role of protagonist and witness. This new edition of "Art in Its Own Terms" restores to print a key statement in the ongoing discussion between Modern art and its past, as Porter reviews such figures as de Kooning, Johns, Cornell, Rodin, Cezanne, Leonardo and many others. Equally seminal are his considerations of the relations between art and science and art and politics. Rackstraw Downes' introduction beautifully sets the stage for this indispensable and wide-ranging volume.
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用户评价
这本书的语言风格中流淌着一股清冷而精确的美感，即使在讨论情感充沛的艺术创作时，作者也始终保持着一种冷静的距离感。我个人认为，这种特有的“疏离感”正是作者在构建其理论体系时所刻意为之的——他似乎在努力将艺术从情感的泥淖中抽离出来，放在一个更纯粹的认知场域进行审视。书中有大量的对比论述，他会毫不留情地将某些艺术流派置于对立面进行解构，这种尖锐的辩论风格，让整个阅读过程充满了智力上的交锋感。我甚至觉得，作者在写作时，脑海中一直有一个假想的辩论对手，不断地在回应和反驳。这种动态的写作模式，使得文本充满了张力，而不是平铺直叙的陈述。对于追求思想锐度和逻辑严谨性的读者来说，这本书的价值是毋庸置疑的。它像一把手术刀，精准地切入艺术的肌理，毫不留情地展示其内部的构造与矛盾。
评分这本书的装帧设计简直是一场视觉盛宴，那种沉甸甸的质感，配合着封面那种略带粗粝感的艺术纸张，让人忍不住想立刻翻开它。我特别喜欢扉页上那句引言，虽然文字很简短，但那种深邃的哲学意味一下子就抓住了我的注意力。初读之下，我感觉作者在探讨的不仅仅是艺术的表象，更像是深入到了艺术创作最核心的、近乎于形而上学的层面。他似乎在挑战我们习以为常的审美标准，用一种近乎解构的方式，将那些我们视为理所当然的艺术概念拆解开来，让我们重新审视“美”与“意义”之间的复杂关系。整本书的排版也极为考究，大段的留白处理得恰到好处，既避免了阅读上的压迫感，又在视觉上起到了强调重点的作用，尤其是在讨论那些晦涩的理论时，这种留白仿佛给予了读者思考和消化的空间。我常常在读完一个章节后，会合上书本，盯着空白的墙壁很久，试图去捕捉作者试图留下的那种“空”的意味。这不仅仅是一本关于理论的书，它更像是一次与作者共同进行的、对艺术本质的深度冥想，需要慢下来，用更具感知力的心去体会。
评分我对作者在行文中展现出的那种近乎于“固执”的坚持印象极为深刻。他似乎对当代艺术界那些流行的、容易被大众接受的口号保持着一种警惕甚至是不屑的态度。书中很多论述都采用了极其严谨的、近乎于学术论文的论证结构，引用了大量看似不相关的哲学流派作为支撑，这使得阅读过程充满了挑战性，但同时也带来了极大的智力上的满足感。我记得有一次，我为了理解其中关于“能指与所指”在特定艺术语境下的反转论述，不得不去查阅了背景资料，那一刻，感觉自己像是穿过了一层厚厚的迷雾，最终触及到了一个更清晰的结构。这种阅读体验，与那些仅仅提供结论的“快餐式”艺术评论完全不同，它要求读者投入时间、精力和批判性思维。作者的语言风格时而冷峻，时而又带着一种近乎偏执的热情，尤其是在批判某些他眼中“虚假繁荣”的艺术现象时，那种文字的张力几乎要冲破纸面。对于那些真正想深入艺术哲学领域的人来说，这本书无疑是一剂猛药，它不会给你轻松的答案，但会强迫你重新构建自己的认知框架。
评分从阅读的感受上来说，这本作品更像是作者的一封写给少数精英同道的长信，而非面向大众的普及读物。它的密度极高，几乎没有一句话是多余的，每一段话都承载着巨大的信息量和论证重量。我常常需要借助高亮笔和笔记本才能跟上作者的思维跳跃，尤其是在涉及到本体论和现象学概念的融合部分，那种思考的拉扯感非常强烈。这本书的“难读”并非源于写作技巧的拙劣，恰恰相反，是源于其思想深度的非凡。它挑战了读者的耐心，也考验了读者的理论储备。我记得有一次，我因为一个关键的术语定义卡住了，搁置了好几天，重新拿起时，才猛然领悟到那个定义实际上是对之前所有论述的一个收束。这种需要反复咀嚼才能体会其精髓的阅读体验，在我近期的阅读生涯中是少有的。它不是那种读完就可以束之高阁的书，而是那种需要时不时翻开，重新阅读某个段落，总能获得新感悟的工具书。
评分这本书的叙事节奏非常独特，它不是线性的，更像是一系列不断回旋上升的螺旋。我发现自己常常需要借助书签在不同章节间来回跳跃，才能完全理清作者的思路。比如，他对早期现代主义画家某幅作品的分析，看似独立成章，但其内在逻辑却与后半部关于“物性回归”的讨论紧密相连。这种非线性的编排方式，初读时会让人感到一丝困惑，但一旦捕捉到其中的脉络，就会发现这正是作者想要表达的——艺术的理解本身就是多维且相互渗透的。我尤其欣赏作者在举例时的精妙选择，他很少使用那些被过度阐释的“名作”，反而偏爱那些处于边缘地带、但具有深刻理论价值的作品。这使得整本书充满了新鲜感，仿佛打开了一个全新的观察艺术的视角。它教会了我，很多时候，真正有价值的洞察往往隐藏在那些被主流目光所忽略的角落里。读完后，我再看展览时，总会不自觉地去寻找那种“被忽视的维度”。
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