具体描述
This volume, in the series Cambridge Readings in the Literature of Music, is an anthology of original German, French and English writings from the period 1851-1912. Throughout the second half of the nineteenth century music continued to be a subject to which philosophers, psychologists, scientists and critics repeatedly addressed themselves. Some of the philosophical approaches followed the tradition of the German speculative philosophy of the late eighteenth and early nineteenth centuries. Elsewhere the new 'scientific' climate of the nineteenth century left its mark on the work of scientists and psychologists interested in the impact of acoustical stimuli on the human mind or in the role of music and song in the prehistory of mankind.
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我花了很长时间才读完这本书的后半部分，因为它涉及到太多关于听觉经验的本体论讨论，坦白说，很多段落需要反复阅读才能捕捉到其精髓。作者处理十九世纪末期美学转向的方式，有一种抽丝剥茧的细腻感。我特别想提的是，书中对“颓废主义”（Decadence）思潮在音乐批评中的体现进行了富有洞察力的分析。它不再将颓废视为简单的道德败坏，而是将其视为对传统宏大叙事和理性主义的一种智力反叛，这种反叛在对声音的暗示性、模糊性以及对“病态之美”的迷恋中得到了体现。这种解读方式为我理解马勒或施特劳斯早期的作品提供了一个全新的理论框架。作者的语言风格相对来说比较古典和严谨，充满了学术的审慎性，这对于理解复杂概念是必要的，但偶尔也会让人感到有些距离感，仿佛被置于一个高高的象牙塔内，只能远观那些思想的交锋，而不能轻易介入其中。不过，对于寻求扎实理论基础的学者来说，这无疑是一笔宝贵的财富，它构建了一个清晰的知识地图，标明了从早期浪漫主义的终结到现代主义前夜，欧洲音乐思想是如何完成其最后一次重大的形而上学蜕变的。
评分翻开这本书的瞬间，我立刻被其精密的结构和浩瀚的资料所吸引。它不像很多同类研究那样，将音乐史简化为一系列风格的演变，而是深入挖掘了在“音乐何以为艺术”这一根本问题背后，哲学家、评论家和作曲家们是如何进行一场漫长且激烈的思想角力。书中对1870年代后，音乐批评在报刊杂志上日益专业化和意识形态化的过程描绘得尤为生动。我特别关注了作者对“绝对音乐”和“标题音乐”之争的论述，那种剑拔弩张的氛围几乎要穿透纸面。它清晰地展示了，在德奥文化圈内部，艺术的纯粹性究竟意味着什么，以及这种纯粹性与民族身份认同之间是如何纠缠不清的。书中穿插引用的那些一手文献，那些充满激情或刻薄的评论片段，极大地增强了历史的现场感。这使得我开始重新审视自己过去对十九世纪下半叶音乐史的一些简单化理解。这本书的深度在于，它迫使读者跳出对作品本身的欣赏，转而思考“作品为何以这种形式存在”背后的智识驱动力。唯一美中不足的是，对于非德语文化圈（比如法国或意大利）在同一时期的音乐思想发展，着墨似乎略显不足，略微偏向了中欧的学术中心。
评分这本书的优势在于其罕见的跨学科视野，它成功地将音乐理论置于更宏大的知识论和美学史的语境中进行考察。我惊讶地发现，在讨论勃拉姆斯的对位法和结构严谨性时，作者竟然能巧妙地联系到当时康德主义哲学在德国知识界的复兴，以及对科学实证主义的某种智识抵抗。这表明，作者不仅仅是在研究音乐史，更是在研究十九世纪末期欧洲知识精英如何通过艺术来确认自身的文化优越性和精神家园。在处理瓦格纳与李斯特等“进步派”的宣传策略时，作者的描述充满了对历史情境的还原能力，使人能体会到那种在沙龙和剧院中，艺术观点如何迅速演变为政治立场的巨大能量。这种对社会动力学的捕捉，使得那些枯燥的论战突然间充满了戏剧张力。然而，这本书对音乐作品的直接分析，也就是“这段音乐如何体现了那种思想”，处理得相对保守，它更侧重于“思想家如何谈论音乐”，而非“音乐本身如何回应思想”。对于渴望将理论直接投射到听觉体验上的读者而言，可能需要自己再补足这一环。
评分这本关于1851至1912年间欧洲思想中音乐的著作，读起来着实让人感到信息量爆炸，但同时也伴随着一种知识的深度和广度带来的震撼。作者似乎对那个时代音乐理论和美学思潮的脉络了如指掌，从瓦格纳的“总体艺术作品”概念的勃兴，到尼采对音乐形而上学意义的早期探讨，再到十九世纪末期勃拉姆斯学派与瓦格纳主义者之间那种近乎宗教般的争论，每一个重要的转折点和关键人物都被细致地勾勒出来。尤其让我印象深刻的是，书中对“音乐的自主性”这一概念是如何在那个特定历史时期被建构和争辩的过程的梳理。它不仅仅是罗列观点，而是将这些思想置于当时的社会政治背景下——例如德意志统一运动的影响，以及新兴中产阶级对文化消费模式的改变——去考察其深层动因。我尤其欣赏作者在处理那些晦涩难懂的哲学论著时所展现出的清晰梳理能力，使得即便是初次接触这些思潮的读者，也能大致把握住争论的核心焦点。然而，这本书的叙述节奏相对缓慢，它更像是一部严谨的学术编年史，而非轻松的入门读物，需要读者投入大量精力去消化那些充满特定时代烙印的术语和论证结构。
评分从一个沉浸在聆听体验中的普通爱好者的角度来看，这本书给我带来了极大的思维冲击，它迫使我用一种完全不同的方式去“倾听”那个时代的作品。我过去可能只将1880年代的音乐视为一种情绪的宣泄或技巧的展示，但通过阅读此书，我开始明白，在那些看似感伤的旋律之下，隐藏着对时间、对永恒、对德国文化精神的深刻哲学焦虑。特别是关于“终结性”的讨论，即在世纪末，人们对音乐作为一种终极艺术形式的信念开始动摇，这种对艺术边界的探寻，是全书中最引人入胜的主题之一。作者对于细节的把握，例如对特定学术期刊的引用频率和论点的演变路径的追踪，体现出极高的学术操守。这本书的阅读过程，与其说是轻松愉快的体验，不如说是一场艰苦的智力攀登，你需要时刻保持警醒，以跟上作者在不同思潮间快速而精准的跳跃。它的价值在于，它不是提供答案，而是系统地构建了提问的复杂性，为理解二十世纪的音乐革命奠定了不可或缺的思想基石。
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