The Grove Dictionary of Materials and Techniques in Art pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:Ward, Gerald

出品人:

页数:864

译者:

出版时间:2008-10

价格:$ 213.57

装帧:

isbn号码:9780195313918

丛书系列:

图书标签:

• 艺术史
• 艺术理论
• 艺术史
• 材料学
• 技术史
• 艺术品分析
• 绘画
• 雕塑
• 工艺
• 修复
• 博物馆学
• 艺术参考书

《艺术中的材料与技法》是一部详尽的参考书，它探索了艺术创作中使用的各种材料及其相关的技术。本书旨在为艺术家、艺术史学家、策展人、收藏家以及对艺术实践感兴趣的普通读者提供一个全面而深入的视角。 本书的结构清晰，逻辑严谨，涵盖了从古代到当代艺术的广泛领域。它以一种易于理解的方式，详细介绍了各种材料的性质、起源、提炼方法以及它们在不同艺术形式中的应用。同时，书中也对与之相关的各种艺术技法进行了细致的描述，解释了它们的工作原理、历史发展以及对艺术作品最终呈现效果的影响。 在材料方面，《艺术中的材料与技法》深入探讨了绘画、雕塑、版画、陶瓷、纺织、玻璃、金属工艺等多种媒介。对于绘画，书中会详细介绍颜料的种类，例如矿物颜料（如赭石、群青、朱砂）、植物颜料（如茜草红、靛蓝）以及合成颜料的演变。它还会阐述不同媒介如油画、水彩、蛋彩、丙烯的特点，包括它们的载体（如亚麻油、阿拉伯胶、蛋黄）、稀释剂以及干燥过程。对于雕塑，本书会涵盖从石材（大理石、花岗岩、青石）到木材（橡木、枫木、松木）、金属（青铜、铁、金、银）以及粘土等多种材料的特性、开采与处理方式。 在技法方面，本书将深入剖析各种具体的艺术操作。例如，在绘画领域，它会介绍油画中的“湿画法”、“干画法”、“罩染法”、“点彩法”等，以及水彩中的“湿画法”、“干画法”、“留白法”等。对于雕塑，它会阐述雕刻（凿、磨、抛光）、塑形（泥塑）、铸造（失蜡法、沙模法）、焊接等技术。此外，本书还会涵盖版画中的木刻、铜版画（包括蚀刻、飞尘法、尖锐法）、平版印刷、丝网印刷等技法，以及陶瓷中的捏塑、辘轳拉坯、釉彩、烧制等过程。 《艺术中的材料与技法》的价值在于其对材料和技法的科学性与艺术性相结合的阐述。它不仅解释了材料的物理和化学特性，例如颜料的耐光性、颜料与粘合剂的相容性、金属的延展性与硬度，还深入分析了这些特性如何影响艺术家的创作选择和作品的表达效果。例如，特定矿物颜料的色彩饱和度和透明度如何影响画面层次，大理石的细腻程度如何决定雕塑的细节表现，铜的延展性如何让金属雕塑呈现出流畅的造型。 本书的另一大亮点在于其对技法发展历史的梳理。它会追溯各种材料和技法的起源，探讨它们在不同历史时期（如古典时期、中世纪、文艺复兴、巴洛克、印象派、现代艺术）的演变和创新。例如，它会讲述蛋彩画如何在中世纪盛行，油画如何在文艺复兴时期得到发展并成为主流，以及现代合成材料和数字技术如何改变了艺术创作的面貌。通过对技法演变的介绍，读者可以更深刻地理解艺术风格的形成与艺术家创作理念的关联。 本书的语言力求精准、严谨，同时又兼具可读性。书中会使用专业术语，但会附带清晰的解释，确保非专业读者也能理解。为了增强内容的直观性，《艺术中的材料与技法》会辅以大量的插图，这些插图可能包括材料样本、工具展示、不同技法的过程图解，以及著名艺术作品中体现特定材料与技法特点的细节放大图。这些视觉元素将极大地帮助读者理解抽象的描述。 此外，本书还会涉及艺术品的保存与修复。它会讨论不同材料在长期保存过程中可能遇到的问题，例如颜料的老化、画布的脆化、金属的氧化、木材的虫蛀等，并介绍相应的修复技术和保养方法。这部分内容对于收藏家、修复师以及关心艺术品传承的读者具有重要的参考价值。 总而言之，《艺术中的材料与技法》是一部集科学性、历史性、艺术性于一体的权威参考工具书。它不仅是对艺术创作物质层面的深入挖掘，更是对艺术家智慧与创造力的赞颂。通过阅读本书，读者将能够更全面、更深入地理解艺术作品的构成要素，欣赏艺术家在材料选择和技法运用上的精妙之处，从而获得更丰富、更深刻的艺术体验。无论你是初学者还是资深爱好者，这本书都将是你在探索艺术世界时不可或缺的指南。

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我对这本书的总体印象是，它代表了一种特定历史时期对“精湛工艺”的最高理解，但这种理解在今天的多元艺术生态中已经显得捉襟见肘了。我本来想找找关于如何将生物反馈系统集成到雕塑中，或者如何利用非线性编辑软件来设计材料的退化过程，但这本书里的“技术”范畴似乎只延伸到手工工具的极限。它对“材料”的探讨也极为有限，仅限于那些经过历史沉淀的、稳定的天然或简单加工品。对于那些依赖于复杂供应链、瞬时反应或者依赖于代码算法来定义的“材料”和“技术”，这本书完全保持了沉默。它像一座坚固的堡垒，完好地保存了过去的美好，但也因此将自己与外部世界的快速演进隔绝开来。对于渴望了解艺术创作前沿动态的读者，我恐怕很难推荐这本书，除非你的研究兴趣完全聚焦于古典修复或者艺术史的细枝末节。

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说实话，这本书的排版和设计风格本身就透露出一种强烈的“抵抗变化”的气息。它厚重、密实，图例多为黑白的手绘插图，线条虽然精准，但缺乏现代感和直观性。我希望书中能包含一些高分辨率的彩色照片，清晰展示不同材料在不同光照条件下的实际效果，或者至少提供一些可以供艺术家自我测试的实验流程表单。这本书更像是一份需要严格遵循的“圣经”，而不是一本激发灵感的“工具箱”。它几乎没有提供任何关于“失败”的讨论，更没有分析为什么某些传统技术在特定现代语境下不再适用。这种单向度的、权威性的叙述方式，让我这个实践者感到窒息。我需要的是那种鼓励我打破规则、尝试跨界融合的知识，而不是被教导如何完美地复制数百年前的工艺。对于一个追求效率和迭代速度的创作者来说，这本书的叙述节奏慢得令人发指，每一个细节都被过度阐述，但最重要的“为什么”和“如何变化”却被一带而过。

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我购买这本书的初衷，是想深入了解一些前沿的材料科学如何被艺术界借鉴和应用，特别是那些涉及到可持续性和环保性的创新技术。我满心期待能看到关于回收塑料、菌丝体基质或者新型生物降解涂料的详细技术说明和应用案例。但这本书的内容似乎完全是建立在一个“资源无限且获取成本低廉”的假设之上。它的“技术”部分似乎对任何需要电力的、依赖复杂机械的，或者涉及任何形式的数字编码的流程都持有一种警惕甚至排斥的态度。整本书的基调非常保守，充满了对传统技艺的颂扬，但这种颂扬的代价是完全忽视了二十一世纪的创作现实。当我试图快速查找一下关于“喷绘（Airbrushing）”的现代高精度设备维护说明时，我只找到了关于手工吹制玻璃时如何控制气流的复杂描述。这让我感觉自己像是在用一本中世纪的药草学书籍去解决一个现代医学问题——信息严重滞后，适用性极低。

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天哪，这本书的厚度简直让人望而生畏，感觉像是捧着一块沉甸甸的砖头。我本来是希望能找到一些关于当代数字艺术创作技巧的实用指南，或者至少是关于如何使用最新的虚拟现实工具进行雕塑的深入解析。结果呢？翻开目录，映入眼帘的是一长串似乎只对博物馆修复师或者历史学家有用的词条，比如“蛋黄调和的油彩配方”、“威尼斯灰泥的年代测定”之类的。我试图在其中寻找一些关于3D打印材料在艺术领域应用的章节，哪怕只是提及一下，但似乎这本书的“技术”概念停在了上个世纪。它的论述方式非常学院派，语言晦涩难懂，充满了专业术语，像是直接从一本上百年前的工艺手册里摘录出来的。我花了大力气去理解其中关于“镶嵌工艺”的复杂分层结构，但最终还是放弃了，因为它完全没有提供任何可以快速上手的实践步骤或者案例分析。对于一个希望将新媒体融入创作的艺术家来说，这本书更像是一部需要放在尘封角落里的历史文献，而不是一个可以随时翻阅的工具书。它对“材料”和“技术”的定义实在过于狭隘，完全错过了当代艺术语境下这两个词汇的爆炸性发展。

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这本书给我的感觉就像是走进了一座巨大的、布满灰尘的古典艺术品仓库，里面堆满了关于如何磨制颜料、如何制作古法纸张的详尽记录，但就是找不到一个关于如何使用高性能聚合物进行装置艺术创作的章节。我真正需要的是关于光敏树脂的固化时间、不同品牌的高分子材料的抗老化性能对比，或者至少是关于声音艺术中特定电子元件的故障排除指南。然而，这本书几乎完全聚焦于那些需要耗费数月甚至数年才能完成的、极其传统且精细的手工艺。我尤其失望的是，在提到“色彩”这个主题时，它花了大量的篇幅去讨论矿物颜料的来源和化学成分，却对色彩理论在光影装置中的应用避而不谈。它的视角太古典了，仿佛现代艺术从诞生之日起就停止了演进。阅读过程中，我不断地在寻找能与我日常工作产生共鸣的词汇，比如“交互性”、“数据可视化”、“生物材料”，但这些词汇在这本巨著中似乎不存在。它是一部关于“如何制作过去”的百科全书，而不是关于“如何创造未来”的指南。

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