Film Authorship: Auteurs and Other Myths pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Wallflower Press

作者:C. Paul Sellors

出品人:

页数:144 pages

译者:

出版时间:May, 2010

价格:$20.00

装帧:Paper, 12

isbn号码:9781906660246

丛书系列:

图书标签:

• 电影研究
• authorship
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• 经典电影
• 电影批评

《电影作者论：作者与其他的神话》——一部颠覆性作品，挑战了电影创作领域根深蒂固的“作者”概念，并揭示了围绕这一概念所构建的种种神话。本书并非对作者论的简单复述或辩护，而是深入剖析了其历史渊源、哲学基础以及在电影实践中的演变，并在此过程中，对其局限性与误读进行了犀利的批判。 作者从电影工业的早期形态出发，追溯了“作者”概念如何从摄影师、剪辑师等技术工匠的角色，逐渐演变为导演中心论的主导地位。在此过程中，作者详细梳理了法国新浪潮时期“电影作者论”的崛起，以及它如何影响了全球电影的创作理念和评论标准。文章深入探讨了诸如希区柯克、费里尼、戈达尔等被奉为“电影作者”的导演，分析了他们作品中独特的个人风格、主题偏好和叙事手法，试图理解“作者”标签背后所蕴含的意义。 然而，本书的真正价值在于其对“作者”神话的解构。作者指出，过度强调导演的个人天才，不仅忽视了编剧、演员、摄影师、剪辑师，甚至制片人和技术团队在电影创作中不可或缺的作用，也忽略了电影作品本身作为一种集体创作成果的本质。电影并非一位孤高的艺术家独自完成的杰作，而是无数心血与才华交织的产物。本书通过对具体电影案例的深入分析，生动地展示了电影制作过程中，不同角色之间的互动、协商与妥协，以及这些过程如何共同塑造了最终的影片。 更进一步，本书探讨了“作者”概念的意识形态功能。它如何成为一种市场营销的策略，用于吸引观众、塑造明星导演的偶像地位，以及如何影响电影的批评和解读方式。作者认为，将电影简单地归结为某一位“作者”的表达，可能导致对电影复杂性的简化，甚至掩盖了电影背后更广泛的社会、文化和经济因素。 本书对“作者”概念的挑战并非是对电影艺术价值的否定，而是对更全面、更辩证的电影理解方式的呼唤。作者提倡一种“去中心化”的视角，鼓励人们关注电影创作的集体性，认识到技术、市场、文化语境等多种力量对电影作品的塑造作用。通过对“作者”神话的审视，本书旨在引导读者以更开放、更批判的态度去欣赏和理解电影，认识到每一部电影背后都蕴含着丰富而多元的故事。 《电影作者论：作者与其他的神话》不仅仅是一本电影理论著作，它更像是一次对电影创作本质的深刻反思。它挑战了我们习以为常的思维模式，引导我们重新审视电影作为一种艺术形式和文化现象的复杂性。无论你是电影爱好者、学生还是从业者，本书都将为你提供一个全新的视角，让你对你所钟爱的电影世界有更深入、更透彻的理解。它会让你重新思考，究竟是什么，让一部电影如此动人，又是什么，让我们如此着迷于那些被我们称为“作者”的艺术家。

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这部电影理论著作的开篇，便以一种近乎挑衅的姿态，将我们从那些被奉为圭臬的“作者论”神坛上拽了下来。作者没有急于抛出自己的核心论点，而是选择了一种更具历史纵深感的叙事方式，详尽梳理了自法国新浪潮运动以来，该理论如何从一种批判性的工具，逐渐演变成一种僵化的教条。那种对光影的痴迷，对镜头语言的迷恋，在书中被剥离了浪漫主义的外衣，展现出其背后的权力结构和市场运作逻辑。我尤其欣赏作者对于早期影评人如何将自己的主观偏好投射到文本之上，并借此构建起一个“伟大导演”神话的剖析。这种解构并非意在全盘否定电影艺术家的价值，而是要求读者，以及评论界，重新审视“作者”这个标签的有效性和局限性。阅读过程中，我不断被引导去思考，那些我们习以为常的“作者印记”，究竟是源于创作者不可磨灭的天赋，还是工业流水线上精妙的重复性编程？书中引用的那些晦涩难懂的早期德语和法语文献，虽然增加了阅读的门槛，但也为论证提供了坚实的学术基础，绝非那种浮于表面的畅销书式解读。

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真正让我感到震撼的是本书收尾部分对当代流媒体时代“作者身份”消亡的预言。作者并未沉溺于对过去辉煌时代的怀旧，而是将目光投向了数字内容生产的未来。在算法推荐和数据驱动决策的背景下，强调个体导演的不可替代性，似乎成了一种越来越站不住脚的论调。书中探讨了如何在一个大规模、快节奏的工业流水线上，依然试图保留某种形式的艺术完整性，以及这种尝试所付出的代价。文字的力量在于其穿透性，它超越了对特定电影或特定导演的评价，直击电影产业运作的本质困境。读完后，我感觉自己对电影的理解不再是一个静态的、已完成的艺术品，而是一个动态的、不断被重新协商和定义的场域。它不是一本轻松的读物，但对于任何严肃的电影爱好者和研究者而言，它是一次必须完成的智力洗礼，让人从迷信偶像中彻底清醒过来。

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如果说大部分电影研究书籍都在试图“建立”一个理论体系，那么这部作品的魅力则在于它的“拆解”能力。它像一把精密的解剖刀，冷静地剖开那些被神话包裹的电影制作人形象。书中对“风格即主题”这一传统论断的颠覆尤其精彩。作者通过对比几位风格迥异的导演的创作习惯，指出许多所谓的“标志性风格”，比如特定的运镜方式或光线运用，往往是受制于预算、天气，甚至是演员档期等非艺术性因素的产物。这种对“意外性”在艺术形成中作用的强调，极大地解放了我们对电影创作过程的刻板印象。阅读后，你很难再用过去那种简单的“这是某某导演的电影”来概括一部作品。取而代之的是一种更细致入微的探究：在这个场景中，是剪辑师的节奏感主导了情绪，还是配乐的介入才完成了最终的表达？它迫使评论者和观众从“谁是英雄”的叙事中抽离出来，关注“如何完成”的复杂过程。

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这本书的语言风格，老实说，是相当“精英化”的，但这种精英感并非空洞的辞藻堆砌，而是源于其对理论框架的极度精炼和精准运用。它要求读者必须对电影理论的基本术语有所了解，否则很容易在复杂的概念转换中迷失方向。它没有试图用通俗易懂的比喻来“简化”复杂的哲学问题，反而坚持将理论的锐利度保留到极致。我发现自己不得不频繁地停下来，查阅一些关于后结构主义和符号学在电影分析中应用的背景资料。这种阅读过程是费力的，但随之而来的洞察力提升，是任何肤浅导读都无法比拟的。特别是关于“叙事控制权”的讨论，书中提出了一种非常激进的观点：在许多被认为是“作者化”的电影中，最终的控制权可能掌握在制片人或发行商手中，而导演的“作者性”不过是一种精美的、用以包装产品的营销策略。这种对商业现实的冷静审视，让整本书的论述显得无比扎实，避免了纯粹的学院派空谈。

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令人耳目一新的地方在于，本书并未将讨论局限于好莱坞黄金时代的经典叙事模式，而是大胆地将触角延伸到了那些长期被主流电影史忽略的领域。例如，作者对七十年代欧洲实验电影中，集体创作与个人意志之间的张力进行了细致入微的考察。那种将导演身份稀释、转而强调摄影师、剪辑师乃至灯光师集体贡献的实践，被视为对传统“作者独裁”的一种无声反抗。文字的节奏感极强，仿佛作者在引导我们进行一场辩论，而非单向的知识灌输。每当感觉自己快要接受某种既定观点时，作者总能抛出一个反例或一个历史背景的细微调整，立刻推翻了之前的判断。这种摇摆和不定性，恰恰反映了电影创作本身的复杂性——它永远是技术、艺术、商业三者之间妥协与博弈的产物。我尤其赞赏其中关于“跨文化作者身份”的章节，探讨了当一位导演在完全不同的文化语境下工作时，其“作者性”如何被重塑和稀释，这为理解全球化背景下的电影制作提供了全新的视角。

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牛角尖钻大了就会写出来这种东西

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