Series editor Hans Ulrich Obrist here collects seven years worth of interviews with the hugely influential British artistic collaborators Gilbert and George, providing an intimate vision of what they consider the most important landmarks in their four-decade-long career together. Many of the conversations are delightfully performative.
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读完这本汇编,我感觉自己被带进了一个由精密逻辑和视觉迷宫构筑的世界。这本书的魅力,在于它成功地将两位艺术家那种近乎僵硬的、重复性的艺术实践,置于一个动态的、不断演变的文化背景之下进行审视。奥布雷希特仿佛手持一把解剖刀,细致入微地展示了吉尔伯特与乔治如何将“局外人”的身份,巧妙地转化成一种可以被主流艺术界消费的、独特的品牌资产。书中对于图像文本互文性的讨论尤其精彩,那些简单的词语和图像单元,在不同的组合下,释放出爆炸性的社会评论能量。我尤其注意到,本书在处理两人早期作为表演艺术家的阶段时,所使用的语言是多么的生动和具有现场感,这与他们后期作品那种高度平面化、印刷品化的质感形成了鲜明的对比,这种张力贯穿了全书。它提醒我们,艺术的本质往往存在于其媒介和呈现方式的不断实验之中。这并非一本让你放松阅读的书,它要求你全程保持警惕,去识别那些隐藏在完美画面之下的权力结构和自我推销的痕迹。
评分这本书的阅读体验是极其丰富且多层次的,因为它本质上是关于“关系”的文本:奥布雷希特与吉尔伯特和乔治的关系,两位艺术家与其作品的关系,以及作品与观众之间的复杂张力。我发现书中对“档案保存”与“即时性”之间冲突的探讨尤为深刻。吉尔伯特与乔治的作品似乎是瞬间定格的,但奥布雷希特的工作却是长期的、耐心的考古挖掘。这种“快”与“慢”的并置,构建了独特的阅读韵律。这本书并未试图为吉尔伯特与乔治贴上一个简单的标签,相反,它通过展现他们作品在不同策展语境下产生的歧义,成功地保持了艺术家的“不可穷尽性”。对我来说,最值得称道的是它对艺术史“遗忘”的抵抗。通过详细记录那些常常被主流叙事所忽略的侧面——比如他们早期的合作模式、对特定社会事件的反应——这本书为我们理解二十世纪末到二十一世纪初的英国当代艺术提供了不可或缺的棱镜。它不是在赞美,而是在记录、分析和解构,其学术的严谨性与非传统的呈现方式达到了完美的平衡。
评分这本书的叙事节奏感极其强悍,它不是那种平铺直叙的介绍,而更像是一部节奏紧凑的剪辑片。奥布雷希特的视角,总能精准地捕捉到吉尔伯特与乔治在不同历史关口上的策略性转移。例如,从他们早期那种近乎嬉皮的、基于表演的互动,到后来完全转向那种标志性的、网格状的、高度图像化的照片拼贴,中间的转折点被刻画得入木三分。书中对特定系列作品的剖析,比如那些围绕“英国性”、“道德观”或“消费主义”主题的探讨,简直是教科书级别的案例研究。它不仅告诉你“他们做了什么”,更重要的是,它解释了“他们为什么选择用这种方式去做”。这种对创作“方法论”的深度挖掘,对于任何想要深入理解概念艺术和后现代图像策略的人来说,都是宝贵的财富。而且,书中穿插的那些看似随意的引言和笔记,实际上都是精心布置的陷阱,引导读者去质疑那些我们习以为常的艺术陈规。整体而言,这本书具有极强的“激活”作用,它让你在合上书本之后,对过去看过的吉尔伯特与乔治的作品产生全新的、更具批判性的眼光。
评分这本书给我的感觉,与其说是“阅读”,不如说是一种沉浸式的、近乎仪式化的体验。装帧本身就散发着一种对“物性”的尊重,纸张的选择、留白的运用,无不体现出对视觉严肃性的坚持。吉尔伯特与乔治的作品,本就自带一种高度浓缩、近乎广告标语般的冲击力,而奥布雷希特对他们创作历程的梳理,则像是在这浓缩的胶囊外层,包裹上了一层精密的科研报告。最让我着迷的是其中对于“公共性”和“私人性”边界模糊处理的探讨。两位艺术家将自己的生活、他们的住所、他们的日常行为完全暴露在艺术的聚光灯下,这是一种极端的坦诚,但也同时是一种高明的策略——他们将自身的生命代码转化为了可复制、可消费的艺术产品。本书细腻地捕捉了这种矛盾:一方面是艺术家对体制的疏离和嘲讽,另一方面又是他们作品在商业画廊和博物馆系统内被高效运作的事实。这种“反体制的体制化”,是理解当代艺术生态的关键一环。阅读过程中,我不断地在思考,究竟是艺术作品定义了艺术家,还是艺术家在特定语境下(比如奥布雷希特的介入下)被重新定义了?这种哲学层面的追问,使得这本书超越了简单的传记或评论范畴,成为了一部关于创作、呈现与权力流动的重量级文本。
评分翻开这本关于汉斯·乌尔里希·奥布雷希特和吉尔伯特与乔治的合集,我立刻被那种介于档案整理和艺术宣言之间的独特气息所吸引。它不像是一本传统的艺术家画册,更像是一部精心编排的视觉对话录。奥布雷希特那种对过程和对话的执着,与吉尔伯特和乔治那套高度程式化、近乎禁欲的图像系统,在这里找到了一个奇妙的交汇点。我尤其欣赏作者(或者说编纂者)处理时间线的方式。它不是简单的年代学梳理,而是通过选择性的展示和并置,创造出一种新的“共时性”。比如,某一页上,你可能看到他们早期关于“生活和工作的统一性”的宣言,紧接着就是他们后期那些光洁、近乎冰冷的彩色照片系列——这些并置本身就构成了对艺术权力、机构空间以及图像流通机制的深刻批判。阅读时,我感觉自己像一个潜入时间胶囊的考古学家,每一次翻页都是一次对既有艺术史叙事的重新校准。这种文本与图像之间张力十足的关系,远比单纯的图录展示来得引人入胜,它要求读者主动参与到意义的构建中去,去思考“策展人”(奥布雷希特)如何介入并塑造了两位艺术家(吉尔伯特和乔治)的公众形象与艺术遗产。那种严谨又不失俏皮的学术气息,让人忍不住想一页一页地深挖下去,寻找那些隐藏在光鲜表面下的结构性问题。
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