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出版者:

作者:Rockman, Deborah

出品人:

页数:316

译者:

出版时间:2008-3

价格:$ 39.49

装帧:

isbn号码:9780195314328

丛书系列:

图书标签:

• 绘画基础
• 素描
• 速写
• 绘画技巧
• 艺术入门
• 绘画教程
• 绘画
• 艺术
• 设计
• 初学者

《Drawing Essentials》 《Drawing Essentials》是一本旨在为所有热爱绘画、希望系统学习绘画技巧的读者提供的全面指南。这本书并非简单堆砌技法，而是深入浅出地引导读者理解绘画的核心原理，并在此基础上构建扎实的绘画基础。 本书的起点，将是重新审视绘画最根本的元素：线条。我们将从线条的种类、特性出发，探讨如何运用不同的线条来表达不同的情感和质感。无论是清晰利落的轮廓线，还是含蓄微妙的辅助线，亦或是充满生命力的笔触，读者都将学会如何通过线条的粗细、轻重、疾徐变化，来赋予画面呼吸和灵魂。我们还会深入讲解点、面在构成中的作用，以及它们如何与线条相互作用，共同构建视觉的语言。 随后，本书将聚焦于形体与结构。理解物体在三维空间中的存在方式，是绘画的关键。我们将通过讲解透视原理，包括一点透视、两点透视，甚至是更复杂的曲线透视，来帮助读者理解物体如何随着观察角度的变化而呈现不同的形态。同时，我们也会探讨基本形体（球体、立方体、圆柱体、圆锥体）的绘制方法，以及如何将这些基本形体组合成复杂的物体。本书会提供大量实例，展示如何从观察到的现实世界中提炼出物体的结构，并将其转化为二维画面。 明暗与体积的塑造，是让画面产生立体感和空间感的另一个重要环节。我们将详细讲解光线的方向、强度以及物体表面对光的反应。从高光、亮部、反光到投影，读者将学习如何运用不同的明暗层次来表现物体的体积感和质感。本书将强调“画光”而非“画暗”，引导读者理解明暗关系对物体形态的影响。我们将通过各种绘画练习，帮助读者掌握如何通过阴影的形状和深浅来“雕刻”出物体的真实感。 透视与构图是组织画面、引导观众视线的重要手段。在掌握了基础的透视知识后，本书将进一步探讨如何巧妙运用透视来创造空间深度和视觉趣味。我们还会深入讲解构图的黄金法则、三分法、对称与不对称等构图原则，以及如何通过景深、虚实对比、视觉引导线等方式，让画面更具吸引力和故事性。读者将学习如何分析一个好的构图，并尝试自己创造出令人印象深刻的画面布局。 色彩作为绘画中最富表现力的元素，将是本书一个重要的组成部分。我们从色彩的基本原理开始，包括色相、饱和度、明度，以及色彩的冷暖对比、补色对比等。读者将学习如何调配色彩，如何运用色彩来营造氛围、表达情感。本书会提供大量的色彩搭配示例，并引导读者观察和分析生活中的色彩关系，从而建立自己的色彩感知能力。无论是写实风格还是写意风格，本书都会提供相应的色彩运用指导。 此外，质感表现也是《Drawing Essentials》所侧重的方面。不同的材质，如金属、布料、木材、皮肤等，都需要通过不同的线条、笔触和明暗处理来表现。本书将通过具体的技法演示，教会读者如何通过细腻的观察和恰当的技巧，将这些材质的触感和视觉特征呈现在画面上。 本书不仅仅是技巧的罗列，更注重观察力的培养。我们将引导读者学会如何“看”——如何更深入、更细致地观察对象，捕捉其最本质的特征。通过大量的练习和启发式的问题，读者将逐渐提升自己的观察敏锐度，从而能够更加准确、生动地描绘眼前的世界。 《Drawing Essentials》适合所有对绘画感兴趣的读者，无论您是零基础的初学者，还是希望巩固基础、提升技艺的绘画爱好者。本书将以循序渐进的方式，从最基础的笔触开始，一步步引导您走向更广阔的绘画世界。它将成为您在艺术道路上最可靠的伙伴，为您开启一扇通往创造力的大门。

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这本书的排版清晰，图文并茂，学术气息浓厚，从内容组织上来看，作者无疑是一位功底极其深厚的教师。然而，我购买它的初衷，是希望学习如何将“观察到的世界”快速、有效地转化为“我想要表达的世界”，尤其是关于人物表情和肢体语言的瞬间捕捉。这本书的范例图片大多是摆拍的静止物体或精确绘制的静态肖像，这使得学习过程偏向于“复制”而非“创造”。在人物动态那一章，我希望能看到更多关于“情感驱动”的线条运用——例如，一个悲伤的姿态与一个愤怒的姿态在骨架结构上如何微妙地差异化表达。但此书的解析依然停留在“肌肉拉伸的力学原理”层面。对于希望通过绘画来讲述故事的读者，这本书更像是一个提供了精良蓝图的工程师手册，而不是一个充满激情的编剧指南。它教会你如何建造一个结构完美的房子，却很少告诉你如何让这个房子里充满生命的气息和故事的痕迹。

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读到一半时，我开始思考这本书的受众定位。它绝对适合那些刚刚接触绘画，需要一个全面、无遗漏的基础知识体系的初学者。但对于已经有几年绘画经验，想寻求“突破点”的进阶者而言，这本书的价值可能就体现在查漏补缺上了。我原本期待它能提供一些关于“材料的实验性应用”，比如如何利用画笔以外的工具来创造纹理，或者如何将数字绘画的特性融入传统训练。书中对笔触的讨论，几乎全部围绕着石墨或木炭的“均匀施力”，缺乏对“意外之美”的接纳和探索。比如，关于“肌理感”的营造，我期待的是如何通过刮擦、污点、或是特殊的笔法叠加来制造出粗粝或光滑的视觉效果，但这本书提供的依然是标准的排线和涂抹技巧，非常规范化。这使得整本书读起来像是一套非常严谨的“标准操作流程”，虽然安全可靠，但对于追求个性和创新的艺术家来说，可能会觉得它在鼓励一种“安全”的画法，而不是冒险的尝试。

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拿到手后，我立刻被它纸张的质感所吸引，那种略带粗粝感的哑光纸张，非常适合用铅笔或者炭笔去涂抹和叠加，光是翻阅就能感受到书里潜在的“触感”。我期待看到一些关于“线条的叙事性”的探讨，也就是如何通过线条的粗细、断续来表达情绪和速度感。这本书里关于“线条”的讨论，更多是集中在“精确性”上，比如如何用定规般的直线来确定结构，如何确保平行线永不相交（除非是故意为之的透视效果）。我特别留意了其中关于“人体结构”的章节，但里面的模型图大多是标准的、肌肉线条清晰的解剖图，更像是医学插画，而不是动态捕捉的参考。如果能多一些关于“动态速写”中夸张与取舍的案例分析，比如如何抓住一个奔跑者最核心的“力线”，并用最少的笔触表达出来，那该有多好。这本书更像是在教你如何“建造”一个物体，而不是如何“感知”一个物体。对于那些想通过绘画来表达内心波澜的人来说，这本书的“冷静”可能会让你感到有些疏远。我一直在寻找那种能点燃我创作热点的章节，但大部分时间，我都在努力跟上作者对几何逻辑的严密推理。

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这本厚厚的书，封面设计得极具现代感，带着一种简约的学院派气息，初看之下，就让人觉得它是一本严谨的艺术教学指南。我原本是抱着提升速写和人物动态捕捉能力的期望购入的。然而，翻开目录，我发现它似乎更专注于基础的光影理论和几何形体的解构，对于我更关心的“如何将一个生动的瞬间转化为线条”的技巧探讨，着墨不多。书中的大量篇幅被用来讲解透视原理和体块的构建，图例都是标准化的静物摆放，虽然讲解得非常细致，精确到每一个消失点的运用，但对于一个希望快速上手并应用到日常速写中的学习者来说，内容显得有些枯燥和抽象。比如，关于阴影的处理，书中用了整整两章来分析不同光源下的“渐变层次”，配以复杂的黑白灰值阶梯图，这无疑是理论上的教科书级别深度，但对于我急需解决的“快速表现材质”的问题，这本书提供的解决方案更像是一份严苛的数学公式，而不是灵感的火花。我更期望看到一些更具启发性的、关于如何观察生活、如何提炼线条的信息，而不是纯粹的技术手册。总体来说，它像是一个艺术院校的“第一学期基础课”的集合，扎实，却缺乏实践的“野性”。

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这本书的装帧非常精美，采用的是硬壳精装，看起来非常耐用，适合长期放在画案上随时翻阅。我的主要兴趣点在于“概念艺术”和“环境氛围的渲染”，我希望这本书能提供一些关于如何快速构建场景深度和情绪渲染的技巧。但实际上，这本书的内容导向更偏向于传统的写实主义训练。例如，在处理“空间感”的章节，它花了大量篇幅讲解空气透视的量化标准——比如不同距离下的对比度和饱和度的衰减百分比，这无疑是科学的，但却缺少了艺术处理的灵活性。我希望看到的是，作者如何在一个夜晚的场景中，仅仅通过对冷暖色调的微小调整和对细节清晰度的控制，就营造出那种“迷雾中的城市”的压抑感。这本书里的“环境”处理，更像是为了一张标准化的作品集而准备的，每一个元素都遵循着清晰的逻辑，却少了那么一丝“不确定性”的美感。对于那些想跨界到游戏或电影设计领域的读者，这本书提供的基础理论虽然重要，但对于快速出图和风格化表达的指导，力度显得有些不足。

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