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出版者:

作者:Citron, Stephen

出品人:

页数:400

译者:

出版时间:2008-4

价格:$ 22.59

装帧:

isbn号码:9780879103576

丛书系列:

图书标签:

• 歌曲创作
• 流行音乐
• 音乐理论
• 作词
• 作曲
• 音乐制作
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• 音乐行业
• 吉他
• 钢琴

《Songwriting》是一本深入探讨音乐创作的指南，旨在点燃创作者的灵感火花，并提供切实可行的技巧，帮助他们将脑海中的旋律和歌词打磨成引人入胜的作品。这本书并非一本枯燥的理论手册，而是通过生动的案例分析、丰富的创作练习以及对音乐史和不同音乐流派的洞察，为不同阶段的音乐人提供了一个全方位的学习平台。 本书的开篇，作者将带领读者一同探索“灵感的源泉”。这里探讨的并非虚无缥缈的缪斯女神，而是如何从日常生活的点滴、个人情感的起伏、社会现象的观察，乃至文学、绘画、电影等其他艺术形式中汲取创作养分。我们会学习如何捕捉转瞬即逝的想法，如何记录那些触动心灵的瞬间，并将其转化为歌曲的种子。作者强调，灵感并非天赐，而是通过积极的观察和开放的心态去发现和培育的。 接下来，我们将深入音乐创作的核心——歌词创作。这本书会详细解析歌词的结构，从押韵、节奏、意象的运用，到叙事技巧、情感表达的深度。读者将学习如何构建引人入胜的故事情节，如何用精准的词汇描绘画面，如何通过比喻和象征赋予歌词更丰富的内涵。书中提供了多种歌词写作练习，例如“情绪日记”、“场景描绘”、“对话创作”等，帮助读者打破文字的束缚，找到属于自己的声音。我们也会探讨不同风格的歌词特点，例如民谣的叙事性、摇滚的批判性、流行乐的共鸣性，以及如何根据歌曲的情感基调来选择合适的语言风格。 在旋律创作的部分，本书将从基础的乐理知识出发，循序渐进地讲解旋律的构成要素。我们将学习音程、音阶、和弦的运用，理解旋律线条的起伏如何影响听众的情感。更重要的是，书中提供了大量激发旋律灵感的技巧，例如“节奏驱动”、“和弦循环”、“动机发展”等。读者将有机会尝试不同的旋律创作方式，学习如何将歌词的节奏与旋律的韵律巧妙地结合起来，创造出令人难忘的旋律。本书还会分析一些经典歌曲的旋律创作思路，让读者从大师的作品中学习其精妙之处。 和声与编曲是赋予歌曲灵魂的重要环节。本书将带领读者理解和弦进行的逻辑，学习如何运用不同的和弦组合来营造特定的情感氛围。从基础的三和弦到更复杂的七和弦、挂留和弦，书中都将提供清晰的解释和实用的应用范例。在编曲方面，本书将探讨如何选择合适的乐器、如何构建歌曲的层次感、如何运用节奏和动态来增强歌曲的表现力。读者将学习到如何为自己的歌曲选择最合适的编曲风格，如何运用不同的音乐元素来烘托歌曲的主题和情感。 本书还特别关注歌曲的结构与形式。我们将在“主歌-副歌”的经典结构基础上，探索其他常见的歌曲形式，如AABA、Bridge、Outro等，并分析它们在不同歌曲类型中的作用。读者将学习如何合理安排歌曲的段落，如何通过副歌的重复和发展来增强歌曲的记忆点，如何利用Bridge来提供新的视角或情感升华。理解歌曲结构，能够帮助创作者更好地组织自己的想法，让歌曲的叙事和情感发展更加流畅自然。 此外，《Songwriting》还将探讨音乐的商业与市场。在这个部分，我们将了解如何为自己的歌曲找到定位，如何进行DEMO录制，以及如何将自己的作品推向市场。本书会分享一些关于版权、发行、推广的基础知识，帮助有志于将音乐作为事业的创作者少走弯路。同时，也会鼓励读者保持创作的初心，在追求商业成功的同时，不忘艺术本身的价值。 这本书不仅仅是关于“如何写歌”，更是关于“如何更好地表达”。作者鼓励读者在创作过程中保持真诚、勇于尝试、不断学习。书中穿插的创作案例，涵盖了从独立民谣到流行金曲，从摇滚能量到电子律动，展现了音乐创作的无限可能。每一次的练习，都是一次与自我内心对话的机会；每一次的分析，都是一次对音乐世界的深度探索。 《Songwriting》是一本适合所有对音乐创作充满热情的人的书，无论是初学者还是有一定经验的音乐人，都能从中获得启发和实用的指导。它将成为你创作旅途上不可或缺的伙伴，帮助你将心中流淌的旋律，化为动人的歌声，触动更多人的心弦。

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这本《Songwriting》真是让人醍醐灌顶，完全颠覆了我过去对创作的固有认知。我一直以为写歌就是灵光乍现，是那种“天降神启”式的过程，但读完这本书，才明白背后有一整套精密的系统和严谨的训练。它并没有给我一堆空洞的理论，而是像一位经验丰富的导师，手把手地拆解了从最基础的和弦进行到复杂的情感叙事结构。尤其让我印象深刻的是关于“动机发展”的那一章，作者详尽地阐述了如何将一个微小的旋律片段，通过变奏、移位、节奏重构等手法，拓展成一首完整、有张力的歌曲。这本书的叙事方式非常引人入胜，它不是冷冰冰的教条，而是充满了实践案例和作者亲身经历的感悟。阅读的过程中，我时不时会停下来，拿起吉他或走到钢琴前，立刻尝试书里提到的技巧，那种即时的反馈和进步感，简直让人上瘾。它教会我的不仅仅是“怎么写”，更是“为什么要这样写”，深入探究了音乐与人类情感的连接点。对于任何一个渴望将脑海中模糊的旋律转化为有血有肉作品的创作者来说，这本书无疑是近乎百科全书般的存在，指导性极强，值得反复研读和实践。

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翻开这册《Songwriting》，我原以为会看到那些充斥着陈词滥调的“成功秘籍”，结果却发现它是一部极其注重“匠心”和“打磨”的工具书。它的分量感和内容的厚度是显而易见的，但奇怪的是，阅读体验却非常流畅，没有丝毫的晦涩感。作者对于歌词韵律的探讨达到了近乎偏执的程度，他没有停留在简单的押韵规则上，而是深入分析了元音和辅音在特定情感表达中的细微差异。比如，他如何论证在表达悲伤时，使用闭合元音（如“u”和“i”）比开放元音（如“a”）更能增强听觉上的压抑感，这种细节的剖析简直是为我打开了一扇新的大门。此外，书中对于不同音乐流派——从古典民谣到现代电子乐——在歌曲结构上的适应性也做了详尽的对比分析。这本书最棒的一点是，它鼓励你打破既有的框架，但前提是你必须先精通这些框架。读完后，我感觉自己不再是那个只会堆砌漂亮词藻的“诗人”，而更像一个能够精确控制听众情绪起伏的“工程师”。它提供的工具箱是如此丰富，以至于我现在写歌时，总会下意识地去思考“这段副歌的音高弧线是否足够有力？”“主歌A和主歌B之间的过渡段是否提供了足够的悬念？”这是一种全新的创作视角。

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说实话，我之前买过好几本关于创作的书，大多都是浮光掠影，读完就忘，但《Songwriting》这本书却实实在在地改变了我的创作习惯。它最引人注目的特质在于其对“结构工程学”的强调。作者似乎将一首伟大的歌曲比作一座精密的建筑，每一个部分都有其不可替代的功能和精确的尺寸。我特别欣赏其中关于“钩子”（Hook）的定义和构建方法论，它不仅仅是关于记忆点，更是关于如何在歌曲的各个阶段——引子、主歌、副歌、桥段——巧妙地植入和回收这些关键元素，确保听众在不感到重复疲劳的前提下，对核心旋律产生深刻的印象。书中还配有大量的图表和乐谱示例，清晰地展示了和声走向如何引导听众的情绪流向，这一点对于我这种更依赖视觉辅助学习的人来说，简直是福音。更难能可贵的是，它并没有鼓吹“万能公式”，而是反复强调，理解规则是为了更好地打破它们，鼓励我们在掌握了基础语法之后，去探索那些尚未被命名的情感领域。这本书读起来像是一部严谨的学术著作，但其最终目的却是激发最自由的艺术表达。

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这本《Songwriting》的厚度让人望而生畏，但一旦开始阅读，就会发现它其实是一部充满人文关怀的创作指南。它没有那些高高在上的理论，反而充满了对创作者孤独和挣扎的深刻理解。其中关于“寻找你的声音”的那一节，没有给出任何速成的捷径，而是鼓励读者进行大量的自我对话和跨界探索，比如建议多阅读哲学、观看默片，甚至去研究建筑设计，目的是拓宽思维的边界，让创作的源头活水不断。它强调的是“真实性”高于一切技巧的堆砌。我特别欣赏作者在探讨“桥段”（Bridge）时的处理方式，他将其定位为歌曲中“灵魂的独白”或“叙事的转折点”，并提供了多种打破常规的写作路径，鼓励我们在歌曲的中间部分进行一次彻底的情感释放或视角转换。这本书的阅读节奏非常自由，你可以根据自己的需求，跳跃式地去阅读感兴趣的部分，它就像一本可以随时翻开的“创作词典”。它教会我，最优秀的歌曲，往往是技术与真诚达到了完美平衡的产物，而这本书，正是帮助你找到那个平衡点的最佳向导。

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这本书《Songwriting》给我最大的震撼在于它对“声音的心理学”的深入挖掘。我一直以为歌曲的感染力主要来源于歌词的故事性，但这本书让我意识到，旋律、节奏和音色选择是如何在潜意识层面直接作用于听众的生理和情感反应的。作者用了很大篇幅来探讨“张力与释放”的哲学，解释了为什么一个特定的不协和音程会让人感到不安，以及如何利用持续的节奏推动感来制造听觉上的“饥渴感”，从而让最终的副歌回归时产生爆发性的满足。书中的案例分析极其犀利，它不是简单地指出某首歌的成功，而是像外科手术刀一样，剖析了著名歌曲中每一个音符选择的背后的逻辑和意图。我尤其喜欢它关于“对比度”的论述——如何在歌曲中建立清晰的动态范围和纹理对比，避免整首歌听起来平铺直叙。阅读这本书的过程，就像是接受了一次高强度的、关于音乐感知力的训练。它迫使我从一个被动的听众，转变为一个主动的、有意识的“声音构建者”。这本书不仅仅是教你如何写歌，它是在教你如何“聆听”世界，并将这种聆听转化为可供他人体验的声波结构。

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