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作者:Bloom, Harold (EDT)/ Bloom, Harold (INT)

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页数:0

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价格:26.6

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isbn号码:9780791079881

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• 伊丽莎白戏剧
• 文艺复兴戏剧
• 英国文学
• 戏剧史
• 莎士比亚
• 戏剧理论
• 文学批评
• 文化研究
• 历史剧
• 悲剧喜剧

《文艺复兴时期的欧洲戏剧：从宗教到世俗的蜕变》 导言：历史的舞台与人性的觉醒 本书将带领读者深入探索文艺复兴时期（约14世纪至16世纪）欧洲戏剧的波澜壮阔的历史进程。这是一个充满变革、思想解放与艺术复兴的时代，戏剧作为那个时代最生动的艺术形式之一，清晰地映照了欧洲社会从神权主导向人文主义倾斜的深刻转变。我们将聚焦于意大利、法国以及西班牙这三个主要的戏剧发展中心，剖析其独特的文化土壤如何孕育出各具特色的戏剧传统，并最终为近代戏剧奠定坚实的基础。本书旨在描绘一幅全景式的画卷，展示戏剧如何摆脱中世纪的宗教束缚，拥抱世俗生活、探索复杂人性，并最终走向成熟与辉煌。 第一部分：意大利的火花——古典的回归与喜剧的诞生 文艺复兴的源头在意大利，古典文化的复兴首先在戏剧领域展现出强大的生命力。中世纪的宗教剧逐渐式微，学者们热切地重新发掘并翻译了亚里士多德的《诗学》和罗马剧作家如普劳图斯（Plautus）和忒伦提乌斯（Terence）的作品。 1.1 人文主义的剧场理念： 意大利的学者们，如莱昂·巴蒂斯塔·阿尔伯蒂（Leon Battista Alberti）和尼科洛·马基雅维利（Niccolò Machiavelli），开始系统地构建新的戏剧理论。他们推崇亚里士多德关于“三一律”（时间、地点、行动的统一性）的教条，试图在创作中恢复古典的“三一律”的理想结构，尽管这在实践中常被灵活处理。他们相信戏剧的首要功能是教化并娱乐（docere et delectare），但更侧重于对现实生活进行讽刺和描摹。 1.2 喜剧的复兴与“混合体”： 意大利复兴戏剧最显著的成就是对古典喜剧的继承与创新。马基雅维利的《曼陀罗》（La Mandragola）是这一时期的巅峰之作。这部剧以其辛辣的讽刺、对教士和贵族虚伪的无情揭露，以及对伦理界限的模糊处理，展现了早期人文主义思想的彻底性。它摆脱了道德说教的沉重，转而关注权力、欲望和阴谋，预示了未来欧洲“黑暗喜剧”的倾向。 1.3 即兴喜剧的兴起（Commedia dell'arte）： 与学院派的文人戏剧并行发展的是一种更具生命力的民间艺术形式——即兴喜剧（Commedia dell'arte）。这种戏剧形式脱胎于中世纪的行会剧，依靠职业演员团体的巡回演出而繁荣。它不依赖剧本，而是依赖于一套固定的“面具”（角色类型，如老吝啬鬼、笨蛋仆人、英俊的恋人等）和预设的情节骨架（scenarios）。Commedia dell'arte 以其精湛的肢体喜剧、机智的插科打诨（lazzi）和快速的应变能力，成为欧洲最受欢迎的娱乐形式，并深刻影响了后续法国和英国的喜剧创作。 第二部分：西班牙的黄金时代——宗教热情与国家叙事的交织 在伊比利亚半岛，文艺复兴的戏剧发展呈现出独特的宗教与民族主义色彩。随着收复失地运动的完成以及大航海时代的开启，西班牙戏剧成为了巩固天主教信仰和歌颂帝国荣耀的重要工具。 2.1 宫廷戏剧与宗教庄严： 早期的西班牙戏剧，如胡安·德尔·恩西纳（Juan del Encina）的作品，仍然带有浓厚的中世纪牧歌和宗教庆典的遗风。然而，随着国家认同的加强，戏剧开始承载更宏大的叙事任务。 2.2 洛佩·德·维加的“新喜剧”：《全民之光》与“荣誉”的主题： 洛佩·德·维加（Lope de Vega）是定义西班牙黄金时代戏剧的巨人。他彻底打破了古典的“三一律”，主张戏剧的唯一法则是“取悦观众”。他创作了数以百计的剧本，被称为“新喜剧”（Comedia Nueva）。 洛佩的戏剧高度关注西班牙社会的核心价值——“荣誉”（honor）。荣誉不仅关乎贵族的血统，更关乎家庭的声誉和女性的贞洁。在《羊泉镇》（Fuenteovejuna）中，观众看到了一个村庄集体为维护集体荣誉而反抗残暴贵族的史诗。这部剧清晰地表明，在西班牙，人民的集体道德感可以超越个别贵族对法律的滥用，体现了一种强烈的社会正义诉求。他的作品主题广泛，从历史传奇到日常生活，充满了西班牙式的热情与矛盾。 2.3 卡尔德隆的哲学深度： 佩德罗·卡尔德隆·德·拉·巴尔卡（Pedro Calderón de la Barca）将西班牙戏剧推向了哲学思辨的顶峰。他的作品相比洛佩更具象征性和寓言性。在《人生如梦》（La vida es sueño）中，卡尔德隆对自由意志、宿命论以及现实与幻觉的界限进行了深刻的探讨。他将巴洛克艺术的炫目感与西班牙天主教的虔诚完美结合，创造出一种既华丽又深邃的戏剧风格，探讨了人性的脆弱和存在的本质意义。 第三部分：法国的古典主义的酝酿——规则、理性和“古典的再发现” 在法国，文艺复兴戏剧的进程相对缓慢，它更多地被视为通往17世纪古典主义巅峰的过渡阶段。法国学者们对意大利的理论推崇备至，并致力于将这些“古典规则”本土化和制度化。 3.1 意大利理论的引入与法国化的尝试： 16世纪的法国剧作家，如皮埃尔·德·朗萨尔（Pierre de Ronsard），开始有意识地模仿古典悲剧的庄严性。然而，由于法国社会对国家统一和王权的强调，戏剧的焦点逐渐集中在对道德的严格约束和对社会等级的维护上。早期的作品常常是混合了悲剧元素和喜剧元素的“悲喜剧”。 3.2 剧场的制度化： 法国戏剧的发展依赖于宫廷的赞助和学院对规范的制定。虽然16世纪的戏剧成就尚未达到皮埃尔·高乃依和让·拉辛的高度，但正是这一时期对亚里士多德规则的反复辩论、对法语语言规范的严格要求，为17世纪法国古典主义的“完美”形式奠定了不可动摇的理论基础。早期作品如亨利·塞维尔（Henri Sauval）对古典结构的摸索，预示着法国戏剧将以其严谨和对理性的崇拜而闻名于世。 结论：通往现代戏剧的阶梯 文艺复兴时期的戏剧，无论是在意大利的自由喜剧、西班牙的荣誉史诗，还是法国对古典规则的早期探索，都共享一个核心主题：将关注点从神转向了人。它完成了从宗教仪式到世俗娱乐的转型，确立了戏剧作为社会评论和人性探索工具的地位。这些充满活力和争议的作品，为后世莎士比亚的戏剧提供了丰富的参照系，也为法国古典主义的秩序美学和西班牙巴洛克的激情深度，开辟了各自的辉煌之路。本书通过考察这些多元化的发展路径，揭示了文艺复兴剧场如何成为了现代欧洲戏剧的奠基石。

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我必须赞扬这本书在文本校勘上所下的苦功。阅读老剧本，最大的障碍往往是文本的不可靠性——不同版本的差异、印刷错误、以及后来者不恰当的“修正”。这套书的译者/整理者显然在这方面做了极其细致的“考古”工作。他们不仅提供了权威底本的文本，还在页脚处清晰地标注了不同重要版本之间的关键差异点。这种透明度极大地增强了文本的可信度，让我可以放心地沉浸于文本本身，而不必时刻担心自己正在阅读的是一个被误读或篡改的版本。例如，在阅读几幕涉及大量双关语和文字游戏的段落时，通过脚注提供的不同解读方向，我才真正领会到原文中蕴含的多重含义，那些在表面上看似简单的对白，实则暗藏着深刻的讽刺或政治暗示。这种对语言原貌的尊重，是此类研究性读物成功的基石。它让读者有机会站在历史的断裂点上，亲自去判断和感受文本的原始魅力。

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这本关于伊丽莎白时代戏剧的选集，实在是让我爱不释手，简直是打开了一扇通往那个黄金时代文化与精神世界的奇妙大门。我得说，编辑的选择眼光极为独到，收录的作品不仅仅是那些耳熟能详的巨匠名篇，更有许多被时间略微尘封，但其艺术价值绝对不容小觑的剧本。比如，我特别欣赏其中对早期喜剧的深入挖掘，那些早期作品中蕴含的粗粝的幽默感和对社会习俗的辛辣讽刺，与莎士比亚后期那些宏大叙事下的复杂性形成了鲜明的对比，让人能更清晰地看到戏剧形式是如何一步步发展、成熟起来的。再者，对于那些探讨宗教改革后社会思潮的作品的收录，更是点睛之笔。它不仅仅是文学欣赏，更像是历史的侧写，每一句台词、每一个场景转换，都折射出当时人们在信仰、权力和个人身份认知上的挣扎与探索。阅读过程中，我仿佛能闻到剧院里木头和汗水的味道，听到观众席上此起彼伏的叫好与唏嘘声，那种沉浸式的体验，是单纯阅读历史著作所无法比拟的。这套书的注释也非常详尽，对于那些古旧的词汇和典故做了细致的考证和解释，极大地降低了阅读门槛，使得即便是初次接触这个领域的读者也能轻松领略其间的精妙。总而言之，这是一次充实而令人心满意足的阅读旅程。

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这本书的编排逻辑简直是一场精心的学术冒险。它并非按照时间顺序或者剧作家名气来排列，而是采用了主题式的分类，比如“复仇的伦理”、“异域的想象”、“宫廷的阴谋”等等。这种组织方式迫使读者必须跳出传统的线性阅读习惯，在不同剧作家的作品之间建立起跨越时空的对话关系。比如，将某位早期剧作家的复仇剧与一位晚期作家处理相似主题的作品放在一起对比阅读，那种戏剧手法和哲学立场的演变，便一目了然，极其富有启发性。这种设计，对于已经对伊丽莎白戏剧有一定了解的读者来说，无疑是一次高级的智力挑战和享受。美中不足的是，我个人认为在某些主题的划分上，略显牵强，比如有一篇作品似乎可以归入两个不同的主题下，编辑的最终选择略微削弱了其潜在的对比效果。但总体而言，这种主题导向的编排，大大提升了本书的学术价值和可研读性，它不再是简单的文本汇编，而是一部具有明确论点的研究性选集。

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坦白讲，我买这本书原本是冲着对马洛和莎士比亚的兴趣去的，但读完之后，我发现这本书的真正价值在于其对“圈外”剧作家的关注和介绍。那些在宏大叙事下容易被遗漏的、专注于描绘普通人生活细节或地方性题材的剧本，在这里得到了应有的尊重和呈现。我尤其被其中一出关于某个小镇贵族家庭衰落的悲剧所打动，它的情感内核异常扎实，没有莎翁作品中那种“君王之悲”的宏大叙事压力，却在家庭伦理的细枝末节中，展现了更具普遍性的痛苦和无奈。这种细腻的情感刻画，让人深思。此外，本书对剧本的排版和字体选择也深得我心，采用了一种接近于当时手抄本的字体风格，虽然初看略有不适，但很快就能适应，并且它极大地增强了阅读的“仪式感”。它成功地搭建起了一座桥梁，让当代读者得以窥见一个充满活力、甚至略显粗粝的戏剧生态系统，而不是仅仅停留在那些被后世奉为圭臬的“经典”之上。它挑战了我们对“经典”的固有认知，提醒我们，艺术的生命力往往存在于那些不那么光鲜、却更贴近生活的角落。

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这本书带给我最深刻的感受，是一种关于“剧场”本身的重新认识。我们现在习惯于将戏剧视为一种文学作品，着重分析其剧本结构和人物深度。然而，这本选集通过收录的那些对舞台指示要求极高、对布景和表演依赖性极强的早期作品，猛烈地提醒了我，伊丽莎白时代的戏剧首先是一种活生生的、面向大众的娱乐形式。很多场景设计，在书面上看来或许略显单薄或粗糙，但结合当时的剧场技术条件和观众的期望，便能理解其背后的精妙与高效。我尤其喜欢其中对于“角色类型”的介绍性文章，它详细剖析了“疯子”、“假装的恋人”、“恶棍”等原型人物是如何在不同剧作家手中被塑造和颠覆的。这种对表演惯例和观众期待的剖析，使得阅读体验超越了单纯的文本分析，它迫使我开始想象这些文字是如何在木制舞台上转化为动作、声音和情绪的。这是一次非常宝贵的、从“文学文本”到“剧场实践”的思维转换过程，极大地丰富了我对那个时代文化生产力的理解。

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