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出版者:

作者:Hischak, Thomas S.

出品人:

頁數:566

译者:FWD>Bordman, Gerald

出版時間:1995-5

價格:$ 141.25

裝幀:

isbn號碼:9780313294075

叢書系列:

圖書標籤:

• Musical Theatre
• American Musical Theatre
• Songbook
• Reference
• Music
• Broadway
• History
• Performing Arts
• Theatre
• Popular Music

好的，這是一本關於美國音樂劇歌麯的百科全書的簡介，但其中描述的內容不包含《The American Musical Theatre Song Encyclopedia》本身的內容。 --- 《時代之聲：一部跨越百年的美國音樂劇發展史》 一部詳盡記錄美國音樂劇從發軔到黃金時代再到現代轉型的深度研究 本書旨在為戲劇愛好者、音樂史學傢以及舞颱錶演藝術傢提供一部全麵、深入且富有洞察力的著作，聚焦於美國音樂劇自19世紀末的早期形式，到20世紀中葉的黃金時代，再到當代多元化發展的整個宏偉曆程。我們不著眼於對既有作品的麯目羅列與信息匯總，而是著重分析驅動這些藝術形式演變的社會文化背景、創作理念的迭代，以及音樂語言和敘事手法的革新。 第一部分：起源與奠基（1890s - 1920s）：從滑稽劇到敘事音樂的萌芽 本捲首先探討瞭美國音樂劇在巴勒特（Burlesque）、歌舞雜耍（Vaudeville）以及輕歌劇（Operetta）的混閤體中艱難誕生的曆史。重點分析瞭這一時期在布魯德韋（Broadway）早期形成的“甜心喜劇”（Sweetheart Comedies）模式的特點——即以輕鬆愉快的愛情故事為主綫，音樂往往是插科打諢式的點綴，而非推動情節發展的核心動力。 我們將深入剖析弗雷德·羅傑斯（Fred Rogers）和伊萬·林德霍姆（Ivan Lindholm）等早期編劇傢如何開始嘗試將歌麯與情節更緊密地結閤，探討瞭諸如《奧剋拉荷馬！》問世前夜的敘事睏境。特彆關注非裔美國人音樂劇在這一時期的獨特貢獻，如剋萊·史密斯（Clay Smith）和詹姆斯·彭德爾頓（James Pendleton）的作品如何突破種族界限，雖然受到限製，卻孕育瞭早期爵士樂和布魯斯在舞颱上的融閤。書中詳細論證瞭1910年代“大秀”（Revue）的興盛及其對現代音樂劇結構鬆散性的影響。 第二部分：黃金時代的結構化與情感深化（1930s - 1950s）：敘事驅動力的確立 本部分是全書的重心之一，探討瞭“敘事驅動音樂劇”（Book Musical）如何確立其在百老匯的主導地位。我們聚焦於奧斯卡·漢默斯坦二世與理查德·羅傑斯這一黃金組閤之外的並行探索者。 A. 突破與轉型： 分析瞭喬治·格什溫（George Gershwin）在《誰敢說愛？》（Of Thee I Sing）中對政治諷刺的運用，以及科爾·波特（Cole Porter）如何通過其機智、尖刻的歌詞，挑戰傳統道德觀，同時保持音樂的優雅性。我們探討瞭1943年《俄剋拉荷馬！》問世並非終點，而是起點，關注瞭內部邏輯的統一性成為衡量一部作品藝術價值的關鍵標準。 B. 戲劇張力與角色發展： 詳細考察瞭伯恩斯坦（Leonard Bernstein）和斯蒂芬·桑德海姆（Stephen Sondheim）早期的閤作嘗試，特彆是他們如何利用復雜的對位法和多聲部寫作來描繪角色內心的衝突與社會群體的張力。書中通過對幾部關鍵作品的樂譜分析（不涉及具體歌名），揭示瞭作麯傢如何運用調性中心的變化來象徵人物心理的重大轉變，而非僅僅依賴抒情段落的起伏。例如，探討瞭如何通過主導動機的變形來預示關鍵角色的命運，而非僅僅依賴歌詞的直接敘述。 C. 舞美與敘事的共生關係： 本章闡述瞭舞蹈作為純粹的敘事工具（而非歌舞插麯）是如何被整閤的。重點分析瞭傑羅姆·羅賓斯（Jerome Robbins）對肢體語言的精妙編排，如何使“無聲的歌唱”成為推動劇情的關鍵要素。 第三部分：現代主義的衝擊與概念劇的誕生（1960s - 1970s）：美學邊界的拓展 隨著二戰後社會結構的劇烈變動，音樂劇開始偏離傳統的“嚮上流動的”樂觀主義敘事。本部分聚焦於對傳統結構和主題的顛覆。 A. 概念音樂劇的興起： 深入分析瞭“概念劇”（Concept Musical）這一新形態的誕生，它將中心議題或哲學思辨置於傳統情節之上。我們側重於探討作麯傢和詞作者如何運用非綫性敘事結構和重復性的音樂母題來構建一個思想框架，而不是遵循簡單的A-B-A敘事弧綫。書中對這一時期作品中齣現的反英雄角色和道德模糊性進行瞭細緻的剖析，探究瞭這些作品如何反映瞭越戰和民權運動背景下的社會焦慮。 B. 搖滾與電子元素的滲透： 考察瞭音樂風格的激進變化，特彆是搖滾樂、前衛搖滾（Progressive Rock）和電子樂如何被引入舞颱，以及劇作傢如何應對這些新聲音帶來的錶達上的挑戰。重點分析瞭如何平衡高能量的音樂錶達與傳統音樂劇對清晰歌詞的要求，以及這些融閤對觀眾聽覺習慣的長期影響。 第四部分：全球化與多元文化的舞颱（1980s 至今）：媒介融閤與後現代反思 本書的收官部分審視瞭當代音樂劇的復雜圖景，其特點是風格的極端多樣化、媒介技術的深度融閤以及對曆史的自覺性“引用”。 A. 跨媒介的影響力： 探討瞭電影、電視和錄音技術如何改變瞭音樂劇的創作和傳播方式，使得“舞颱專輯”（Cast Recording）本身成為一種獨立的藝術産品，影響瞭現場創作的側重點。分析瞭諸如“搖滾歌劇”（Rock Opera）的持續演進及其在全球範圍內的傳播效應。 B. 音樂的後現代轉嚮： 關注後桑德海姆一代的創作者如何進行自我解構和挪用。本書探討瞭當代作品在敘事視角的碎片化處理、對“大都會式浪漫”的審視，以及對身份政治和邊緣群體的關注。重點分析瞭當代作品如何通過對早期經典作品的戲仿或緻敬，來完成對音樂劇曆史的反思性對話。 C. 聲音設計的革命： 總結瞭音頻工程和聲學設計在當代製作中的核心地位，探討瞭數字混音技術如何允許聲音設計師在舞颱上創造齣前所未有的聲場深度和音樂層次，從而極大地拓寬瞭音樂劇的聲音景觀。 《時代之聲》不僅僅是對過去劇作的匯編，更是一部探究美國精神如何通過舞颱音樂得以具象化和不斷重塑的文化編年史。它為理解音樂劇這一獨特藝術形式的內在驅動力、美學演變及其對西方戲劇傳統産生的深遠影響，提供瞭堅實的理論基礎。

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最後，我想談談閱讀這本書帶給我的**情感衝擊和個人啓發**。這本書成功地將冰冷的音樂知識與熱騰騰的舞颱情感連接起來。通過作者對不同時代音樂劇“核心衝突”的提煉，我不再是單純地欣賞一個優美的鏇律，而是能深入理解那個角色在那個特定時刻所承受的巨大情感壓力，以及音樂是如何充當他們內心獨白的媒介。它讓我重新去聆聽那些熟悉的麯目，每一次聆聽都變得更加豐富和立體。它讓我意識到，美國音樂劇的魅力，恰恰在於它敢於直麵美國社會在不同階段所經曆的身份認同、文化融閤與個人奮鬥的主題，並將這一切濃縮在三分鍾的歌麯之中。這本書教會瞭我如何以一種更具批判性、更富同理心的眼光，去擁抱和欣賞這門偉大的藝術形式。

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這本書最讓我驚喜的是它對**“歌麯結構與音樂語言”的細緻剖析**。它不僅僅停留在“這首歌很美”或者“鏇律很抓耳”的層麵，而是真正進入到樂理的層麵進行解讀。它用通俗易懂的語言解釋瞭“轉型段”（Transition）在驅動劇情中的作用，解析瞭“主導動機”（Leitmotif）是如何在不言自明的情況下暗示角色內心世界的變化。比如，書中對某幾首特定歌麯的和聲進行瞭解構，展示瞭作麯傢如何利用不協和音來錶達角色的焦慮或衝突，這對於想要進行音樂分析或者有誌於音樂創作的人來說，簡直是教科書級彆的指導。我特彆喜歡它將“麯式”（Form）分析和“戲劇功能”（Dramatic Function）結閤起來的寫法，讓你在欣賞鏇律的同時，也能理解它在故事中承擔的精密責任。這種兼顧藝術性和技術性的講解方式，極大地提升瞭閱讀體驗的層次感。

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哇，我最近翻閱瞭一本關於美國音樂劇歌麯的百科全書，裏麵的內容簡直是寶庫！首先，讓我來聊聊這本書在**曆史深度和跨度**上的錶現。這本書可不是簡單羅列歌麯名和作者那麼膚淺。它深入挖掘瞭從美式輕歌劇（Operetta）到現代百老匯音樂劇的演變脈絡。每一章節都像是一次精妙的策展，將特定曆史時期的社會背景、技術革新（比如音響和舞颱設計的進步）與音樂風格的轉變緊密結閤起來。比如，它詳盡分析瞭格什溫（Gershwin）如何將爵士樂元素融入傳統音樂劇結構，以及羅傑斯與漢默斯坦（Rodgers and Hammerstein）如何徹底革新瞭“歌舞敘事一體化”的概念。讀完相關部分，你會清晰地看到，每首經典歌麯的誕生都不是孤立的事件，而是時代精神、技術限製與作麯傢個人纔華碰撞齣的火花。對於想要瞭解音樂劇從娛樂小品發展成為嚴肅藝術形式的讀者來說，這種宏大敘事提供的知識框架是無價的。

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從**排版和實用性**的角度來看，這本書的設計感和用戶體驗也值得稱贊。它沒有堆砌枯燥的文字，而是巧妙地穿插瞭大量珍貴的曆史照片、劇照以及，最關鍵的，樂譜摘錄。這些視覺元素不是簡單的裝飾，它們是文本的延伸和佐證。例如，當討論某個特定歌唱技巧的發展時，書中會配上當時歌唱傢的肖像，讓你能將聲音的想象與形象聯係起來。此外，書中的索引係統設計得非常人性化，查找特定歌麯、作麯傢、劇目或者特定的音樂術語都極為便捷，這對於需要快速查閱資料的研究者或學生來說，簡直是福音。總而言之，它不僅僅是一本“讀物”，更是一套“參考工具書”，可以隨時翻閱，總能從中發現新的知識點。

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作為一名資深的音樂劇愛好者，我關注的焦點往往在於那些**“被低估的傑作與幕後人物”**。這本書在這方麵做得非常齣色，它沒有將所有筆墨都集中在那些傢喻戶曉的“熱門金麯”上。相反，它花瞭大篇幅去重訪那些在商業上可能不太成功，但在藝術成就上具有裏程碑意義的作品。更難能可貴的是，它深入挖掘瞭那些通常被光芒掩蓋的幕後英雄——作詞傢（Lyricists）的貢獻。它清晰地闡述瞭作詞傢如何在高難度的韻律和格律限製下，用最精煉的語言捕捉角色的全部心境。我感覺，通過這本書，我重新認識瞭許多“二綫”的作麯傢和編劇，他們的作品擺脫瞭曆史的偏見，重新迴到瞭聚光燈下，讓我對這個藝術領域的廣闊性有瞭全新的認識。這種對“全景圖”的追求，體現瞭作者極高的學術熱情和人文關懷。

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