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作者:Schwitters, Kurt

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价格:300

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isbn号码:9783775709262

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• 艺术
• 现代艺术
• 达达主义
• 拼贴
• 抽象艺术
• 德国艺术
• 艺术家传记
• 20世纪艺术
• 实验艺术
• 默兹堡
• 艺术史

跨越时间的拼贴与重构：达达主义的无声宣言 一册探索二十世纪早期艺术激进主义、视觉文化演变及材料本体论的深刻著作 本书并非聚焦于某一位特定的艺术家，而是深入剖析了二十世纪初欧洲艺术界所经历的一场剧烈的、颠覆性的文化转向——达达主义（Dadaism）的兴起、发展及其深远影响。它将达达主义视为一个复杂的文化生态系统，一个对理性主义、资产阶级审美乃至整个现代文明结构发起挑战的时代声音。 全书以严谨的学术态度和高度的文献考据性，系统梳理了达达主义在苏黎世、柏林、科隆、汉诺威以及巴黎等地不同地理空间中的本土化实践及其内在的张力。我们不再将达达视为单一的艺术流派，而是将其置于第一次世界大战的硝烟背景下，探究其如何从一个针对战争的道德抗议，逐步演变成一种全面的、跨媒介的文化批判运动。 第一部分：废墟之上的诞生——苏黎世的抵抗与偶然性 开篇聚焦于达达主义在苏黎世Cabaret Voltaire的最初爆发。此部分详细描绘了战时流亡知识分子与艺术家们如何通过“非理性”、“反艺术”的表演性行为，尝试瓦解既有的语言逻辑和审美规范。重点分析了“随机性原则”（The Principle of Chance）在诗歌创作（如声音诗）和视觉构成中的应用，探讨了这种偶然性如何挑战了传统艺术中“作者意图”与“精湛技艺”的核心地位。我们审视了集体即兴创作的内在机制，以及这些早期行为如何预示了后世的表演艺术与概念艺术的走向。 第二部分：柏林的政治尖叫——反美学与社会干预 本书将大量篇幅投入到柏林达达主义的独特性上。柏林的实践具有显著的政治性与社会批判色彩，它不再满足于苏黎世式的消极反抗，而是直接将矛头指向魏玛共和国的政治腐败和军国主义的幽灵。在此部分，我们将重点分析光线拼贴（Photomontage）作为一种新的政治修辞工具的诞生与成熟。通过对早期光线拼贴大师作品的细致解构，我们揭示了这种媒介如何有效地利用大众媒体的碎片化图像，构建出充满讽刺与控诉的叙事。对赫尔辛格·豪斯等人的档案研究显示，光线拼贴不仅是艺术手法，更是一种介入公共领域的、即时的政治宣言。 第三部分：构造与解构的辩证法——科隆、汉诺威与材料本体论 本章转向对达达主义在不同城市中材料和形式探索的深入考察。科隆的实践展现了对“构造”（Konstruktion）的迷恋与解构之间的摇摆，艺术家们试图用工业材料和日常废弃物构建出既荒谬又具有内在逻辑的新实体。同时，汉诺威的实践则展现出对机械美学和乌托邦蓝图的讽刺性挪用。本书引入了“材料本体论”的视角，探讨达达艺术家如何看待他们所使用的“垃圾”——这些被社会抛弃的物件如何通过艺术家的重新语境化，获得了批判性的物质存在感。这部分清晰地勾勒出从达达到后来的新即物性（Neue Sachlichkeit）之间微妙的过渡地带。 第四部分：超越边界的对话——达达与周边艺术运动的交织 达达主义并非孤立的现象，它与同时期的艺术思潮，如俄国建构主义、荷兰风格派以及欧洲超现实主义的萌芽有着复杂的互动关系。本书细致考察了达达主义者如何通过展览、信件往来和出版物，与这些运动进行对话、借鉴或决裂。尤其关注了达达主义的“非理性”哲学如何被超现实主义吸纳并转向对潜意识的探索，以及这种转变对达达精神本体的稀释或延续。 第五部分：遗留的遗产——达达对后世艺术的深层影响 结语部分着眼于达达主义作为一种“态度”的永恒性。我们论证了达达主义对概念艺术、波普艺术、行为艺术乃至当代声音艺术的结构性影响。达达主义所建立的“反艺术宣言”——即艺术的价值不在于其物质形态或审美愉悦，而在于其批判性的思维过程和对既有体制的挑战能力——至今仍是衡量当代艺术实践是否具有先锋性的重要标尺。 本书旨在为读者提供一个广阔的、去中心化的达达主义图景，强调其在战后社会、政治、语言和视觉文化重塑过程中的核心地位，它是一部关于激进创造力如何从混乱中诞生的编年史。通过对大量一手文献、展览目录和艺术家通信的梳理，本书力求还原那个充满焦虑、颠覆与无畏创造力的黄金时代。

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这本书最令人印象深刻的特点，或许在于它对“局外人”视角的成功运用。它并没有将主体人物塑造成一个高高在上的天才偶像，而是以一种近乎观察者的冷静姿态，去描摹其在特定时代背景下的挣扎、妥协与坚持。作者似乎在刻意拉开与主体的心理距离，避免了过度煽情或神化，从而使得人物形象更加立体、更富有人性。《读者的评价》这部分内容尤其精彩，里面记录了当时对这位艺术家作品的各种截然不同的反应，从最初的排斥到后来的接纳，这种多角度的审视，极大地丰富了我们理解作品的维度。它让我们意识到，艺术的价值往往是在时间的推移和观众群体的更迭中，才逐渐被重新定义的。这种“去魅”的处理方式，反而赋予了人物和作品一种更持久的生命力，因为它不再是某个特定时代的产物，而是可以被反复解读的文化现象。

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这本书在引用和论证方面的严谨程度，达到了令人肃然起敬的水平。无论是对某个特定时期创作理念的阐述，还是对同行间艺术观点的引用对比，都有着详实的脚注和深入的文献考证作为支撑。我特别注意到，作者并非只是简单地罗列他人的观点，而是将这些引用巧妙地编织进自己的论述线索中，形成了一种多声部的对话效果。这使得整本书读起来既有学术的深度和权威性，又避免了枯燥的教科书腔调。在处理那些模糊不清、充满争议的历史节点时，作者也表现出了极高的审慎态度，他没有急于给出一个武断的结论，而是倾向于呈现多种可能性并分析其背后的驱动力。这种对史料的尊重和对复杂性的包容，极大地提升了阅读的信赖感。你能够清晰地感觉到，背后是数年如一日的案头工作和对艺术史料的深刻理解在支撑着每一个论断，这无疑是一部经得起内行推敲的严肃著作。

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从文学性的角度来看，这本书的语言风格展现出了一种独特的、近乎散文诗般的韵律感，尤其是在描绘创作环境和内在心境的部分。它并非那种直白叙事的文字，而是充满了隐喻和意象的堆叠，读起来需要一定的“解码”过程。例如，作者描述某一创作阶段的“光线凝固在画布的边缘”，这种描述便远远超出了简单的事实陈述，它试图捕捉一种转瞬即逝的、难以言喻的艺术体验。这种风格的选择，虽然在某些追求效率的读者看来可能会略显冗长，但对于钟爱文字本身美感的读者来说，无疑是一种享受。它像是一面多棱镜，将复杂的思想折射出不同的光彩，引导读者去品味文字背后的潜台词和情感暗流。总而言之，这本书的文字功力深厚，它既是研究的工具，也是值得细细品味的文学作品，展现了扎实的研究底蕴与高超的文字驾驭能力。

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这本书的装帧设计简直是一场视觉的盛宴，从封面到内页的排版，都散发着一种低调而考究的艺术气息。那种纸张的触感，粗粝中带着一种历史的沉淀感，让人忍不住想反复摩挲。我尤其欣赏他们对字体选择的独到眼光，那种衬线体的优雅与现代感的无衬线体巧妙地交织在一起，仿佛在无声地讲述着跨越时代的对话。内页的留白处理得恰到好处，既保证了文字阅读的舒适度，又在视觉上给予了足够的呼吸空间，让每一页的布局都像是一幅精心构图的画作。光影在那些精心选择的图像上的表现力也令人赞叹，即便是黑白照片，也仿佛能感受到色彩的微妙变化。整体而言，这本书本身就像是一件值得收藏的艺术品，它的物质形态已经超越了单纯的载体功能，而成为了一种审美体验的延伸。这种对细节的执着，透露出出版方对艺术的敬畏之心，让人由衷地感到物有所值。我甚至觉得，在尚未深入阅读内容之前，仅凭着翻阅和触摸这本书的过程，就已经获得了一种精神上的满足，这在当今快餐式的阅读环境中是极为难得的体验。

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我必须承认，初次接触这本书的叙事节奏时，我感到了一丝困惑。它不像传统传记那样线性地铺陈时间线，反而像是将不同时期的碎片、感悟和创作片段进行了非线性的拼接，读起来更像是在解构一个复杂的心灵迷宫。作者似乎有意避开了一板一眼的史实罗列，转而采用了一种更具内在逻辑的、仿佛是当事人回忆闪回的方式来构建叙事结构。这种跳跃性要求读者必须保持高度的专注，不断地在不同的时间点和主题之间建立联系。起初，我有点跟不上这种跳跃，感觉思路总是被打断，但坚持读下去后，我开始领会到这种结构本身的意义——它或许正是在模仿艺术家创作过程中那种不稳定的、充满偶然性的内在探索过程。这种叙事手法极大地增强了作品的“现场感”，让读者不是在被动地接受信息，而是在主动地参与到意义的构建之中。它挑战了我们对“完整故事”的固有期待，提供了一种更接近于真实体验的、碎片化的、却又充满内在张力的阅读感受。

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