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出版者:

作者:Hal Leonard Publishing Corporation (EDT)

出品人:

页数:86

译者:

出版时间:

价格:116.00 元

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isbn号码:9780634017759

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• 拉丁爵士
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《爵士风云：从新奥尔良到全球的音乐脉动》 内容简介： 本书以宏大的叙事视角，深入剖析了爵士乐自其诞生之初，如何在独特的历史、社会和文化土壤中孕育、发展、演变，并最终成为一种影响深远的全球性音乐艺术。我们不将爵士乐视为单一的音乐流派，而是一幅由多元文化交织而成的动态壁画，聚焦于那些塑造了其核心精神的关键人物、里程碑式的创新以及它如何不断地与周围的世界进行对话与融合。 第一部分：根源与初啼——泥土中的旋律 本书的开篇将时间回溯至19世纪末至20世纪初的新奥尔良。这里，非洲裔美国人、加勒比移民、欧洲古典音乐传统以及当地的民谣和进行曲文化，在炎热而潮湿的气候下，发生了一场前所未有的化学反应。我们详尽地考察了“布鲁斯”（Blues）和“拉格泰姆”（Ragtime）作为爵士乐两大基石的重要性。布鲁斯的深沉情感、其固有的呼喊与回应结构，以及其对即兴演奏的潜在推动力，是爵士乐灵魂的源泉。拉格泰姆的切分节奏和精确的钢琴演奏技巧，则为后来的和声复杂性奠定了基础。 重点章节将聚焦于新奥尔良“方林”（Storyville）地区的音乐场景，探讨早期的乐队配置——从小型铜管乐队到更具室内乐性质的“迪克西兰”（Dixieland）风格。我们会分析早期音乐家如巴迪·博尔登（Buddy Bolden）和弗莱彻·亨德森（Fletcher Henderson）等人的历史地位，尽管他们的录音资料稀少，但他们通过口述历史和音乐实践，为后来的巨匠们铺设了道路。我们探讨了早期爵士乐如何作为一种仪式性音乐（如葬礼进行曲）存在，以及它如何慢慢地从社区娱乐转向一种具有艺术表达潜力的形式。 第二部分：北迁与大乐队的黄金时代 随着“大迁徙”（The Great Migration）的浪潮，爵士乐的中心开始向北转移，芝加哥和纽约成为新的孵化器。本部分详细描绘了20世纪20年代的“爵士时代”，探讨了禁酒令如何意外地促进了地下音乐场所（Speakeasies）的繁荣，并为音乐家提供了表演的温床。 核心篇幅将献给“摇摆乐”（Swing）的兴起。这不是简单的节奏变化，而是一场结构性的革命。大乐队的出现要求更精密的编排、更复杂的对位以及对整体声响的控制。我们深入剖析了本尼·古德曼（Benny Goodman）如何将摇摆乐带入主流白人听众的视野，以及公牛王科德（Count Basie）乐队如何以其简洁、高效的“律动”（Groove）和对“即兴中的对话”的精妙处理，重新定义了节奏组的功能。 此外，我们不会忽略那些在摇摆乐时代做出关键贡献的独奏家。路易斯·阿姆斯特朗（Louis Armstrong）被置于一个关键的转折点上，他不仅仅是一位伟大的小号手，更是第一个真正将个人即兴独奏提升到与主题同等重要地位的艺术家，他的“独奏即兴”概念彻底改变了爵士乐的结构逻辑。 第三部分：现代爵士的诞生——从波普到冷爵士的智力挑战 第二次世界大战后，音乐界迎来了一场对现有形式的反思与颠覆。本部分聚焦于“波普”（Bebop）的出现，这是一个对摇摆乐的商业化和结构化所做出的激进回应。波普音乐家们将焦点从舞蹈转向了纯粹的艺术表达和智力挑战。 我们详细分析了查理·帕克（Charlie Parker）和迪兹·吉莱斯皮（Dizzy Gillespie）如何通过提高演奏速度、引入更复杂的和声替代和更不规则的旋律线，将爵士乐的即兴推向了前所未有的技术和理论高度。波普不仅仅是改变了音符，它改变了音乐家与乐器之间的关系，强调了理论知识和快速反应能力。 紧接着，本书探讨了对波普反动的回应——“冷爵士”（Cool Jazz）的兴起。以迈尔斯·戴维斯（Miles Davis）的早期作品（如《Birth of the Cool》）和西海岸爵士乐为代表，这种风格强调了柔和的音色、内敛的情感表达和更精致的室内部署。我们分析了这种风格如何试图在紧张的现代生活中寻找一种冷静的平衡点。 第四部分：结构性突破与风格的扩张 本书的后半部分着眼于爵士乐如何继续挑战既有的边界，并吸纳新的哲学与音乐元素。 “硬波普”（Hard Bop）作为对冷爵士过于学术化的反拨，重新注入了布鲁斯和福音音乐的原始能量，体现了城市黑人音乐家对根源的回归。我们考察了阿特·布莱基（Art Blakey）和霍雷斯·席尔弗（Horace Silver）如何将强烈的节奏感与清晰的旋律线相结合。 随后，我们进入了爵士乐史上最富争议和创造力的时期之一——“调式爵士”（Modal Jazz）。迈尔斯·戴维斯的《Kind of Blue》被视为一个分水岭，它从复杂的和弦进行中解放出来，允许即兴演奏者在较长的音阶模式上进行更具冥想性和旋律性的探索。约翰·柯川（John Coltrane）如何从这种模式出发，最终走向了更具精神性和极速爆发力的“尖锐爵士”（Free Jazz）领域，将即兴的自由度推向了极致，挑战了“旋律”和“节奏”的传统定义。 第五部分：融合与未来——全球化的回响 在最后一部分，我们考察了爵士乐如何进入20世纪后期和当代，特别是它与其他音乐形式的深度交汇。我们审视了“爵士融合”（Jazz Fusion）的出现，探讨了爵士乐如何与摇滚乐、放克（Funk）以及电子音乐元素进行大胆试验，例如赫比·汉考克（Herbie Hancock）在合成器和节奏上的创新。 更重要的是，本书将讨论爵士乐在全球范围内的本地化现象。它不是一个静止的美国产品，而是一个能够被不同文化吸收和重新诠释的“音乐语言”。我们简要地提及了欧洲爵士、拉丁美洲爵士（指除巴西音乐外的其他分支）以及亚洲爵士乐场景的独特贡献，展示了爵士乐的“即兴”精神是如何在全球范围内激发了无数新的声音和表达方式，证明了其作为一种持续演进的全球音乐现象的生命力。 本书旨在提供一个全面、深入且充满洞察力的叙事，梳理出爵士乐从底层文化产物到国际艺术形式的完整轨迹，重点在于其不断创新和适应的内在驱动力。

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这本名为《拉丁爵士》的书籍，在我看来，简直是一场穿越时空的音乐盛宴。它并未直接探讨拉丁爵士乐的起源或技术细节，而是以一种极为感性的方式，将读者带入了那个热烈、奔放又带着一丝忧郁的音乐世界。作者的笔触细腻得如同萨克斯风低吟的乐句，每一个章节都像是一首精心编排的曲子，层层递进，引人入胜。我尤其欣赏它对“氛围”的捕捉，那种古巴的湿热空气、哈瓦那老城墙上的斑驳光影，甚至连空气中弥漫的朗姆酒和雪茄的混合气息，似乎都能透过文字清晰地感知到。书中描绘的那些夜晚，灯光昏黄，乐手们汗水浸湿了衬衫，他们的眼神中交织着对音乐的狂热和对生活的深刻理解，让我仿佛真的坐在一个拥挤的爵士酒吧里，随着康加鼓的节奏轻轻摇摆。这种叙事手法避开了枯燥的音乐理论，转而聚焦于音乐如何塑造人的灵魂和生活轨迹，让人在阅读的过程中，情不自禁地想要去聆听那些被文字唤醒的旋律。它更像是一部关于“拉丁灵魂的交响诗”，而非一本纯粹的音乐指南，这种将文化、情感与音乐融为一体的创作手法，着实高明。

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坦白讲，如果我是为了学习拉丁爵士乐的历史脉络或是辨识不同的乐器音色而来，这本书会让我感到极度失望。它更像是一本关于“感官过载与记忆重塑”的个人随笔，充满了强烈的、甚至有些夸张的主观臆断。作者似乎更关注于音乐所激发的情绪残留，而非音乐本身。比如，书中对“即兴”的探讨，并非从和声学角度入手，而是将其描绘成一种“与祖先的瞬间对话”，一种对抗现代都市疏离感的原始冲动。这种论述虽然充满了激情，但对于追求清晰界定的读者来说，无疑是模糊不清的。我花了很大力气去试图从中提炼出任何可以用于实际聆听的指导性信息，但最终得到的只有一堆华美的词藻堆砌出的情绪碎片。它更像是一本写给音乐创作者或深度体验者的私人日记，充满了只有作者自己才能完全理解的符号系统，对普通乐迷而言，或许过于晦涩难懂，门槛极高。

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这本书的文笔，我只能用“华丽且充满隐喻”来形容，它与其说是一本书，不如说是一系列高度风格化的艺术评论，但其评论对象却常常是抽象的“律动”或“色彩”，而非具体的乐曲或演奏家。我期待看到对特定乐器组合的精妙分析，或是对不同时期流派演变的清晰梳理，但这本书提供的却是对“红与黑的交锋”、“铜管的呐喊”这类极具画面感的描述。阅读过程中，我常常需要停下来，在脑海中构建作者所描绘的场景，那感觉就像是在看一部意识流的欧洲艺术电影，视觉冲击力极强，但叙事逻辑却常常是跳跃的。例如，书中用大段篇幅描述了雨后街道上灯光反射出的那种潮湿的靛蓝色，并将其与某种“不和谐音”进行类比，这种跨感官的联想方式，既令人惊叹于作者的想象力，也让初次接触的读者感到一丝迷茫——这究竟是在写音乐还是在写诗歌？总体而言，它对音乐的描绘是间接的、诗意的，更偏向于文学的审美体验。

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读完这本书，我的感受是复杂而震撼的，它更像是一部关于“节奏与失落”的哲学散文集，而非我对“拉丁爵士”这一特定音乐流派的期待。它没有给我提供任何关于Tito Puente或Machito的详尽传记，也没有深入剖析Clave节奏型的复杂性。相反，作者似乎热衷于探讨在殖民历史的阴影下，那些被边缘化的声音如何通过音乐找到了自我表达的出口。文字的节奏感极强，时而像Bebop那样急促而充满挑战性，时而又像缓慢的Bolero那样缠绵悱恻，让人在快速的阅读节奏中体验到一种情绪的过山车。其中有几段对“时间”概念的探讨尤其令人深思，作者暗示在拉丁音乐的世界里，时间并非是线性的，而是循环往复，充满了即兴和未完成感。这种对存在主义的隐晦表达，让我对书名产生了新的解读：也许“拉丁爵士”在这里指代的并非音乐风格，而是一种面对不确定性的人生哲学。它要求读者放下既有的音乐知识框架，去感受那种源自土地深处的、带着宿命感的律动，非常适合那些寻求深层意义而非表面知识的读者。

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这本书带给我的最深切感受是其对“失落与回归”主题的反复咏叹。它以一种近乎悼词的笔调，讲述了某些音乐形式在现代商业浪潮中逐渐消逝的无奈，但又在字里行间流露出对这种“纯粹”之声永不熄灭的希望。文字结构上，它采用了大量的排比和重复，营造出一种类似圣歌或民间史诗的韵律感，这使得阅读过程本身就带有一种仪式性。我发现，作者似乎特别钟情于描绘那些在城市边缘默默坚持的乐手，他们的生活或许清贫，但他们的音乐却承载着整个族群的记忆与骄傲。书中没有出现任何技术性的图表或清晰的时间轴，一切都是流动的、情感化的。这种叙事策略成功地营造出一种怀旧且崇高的氛围，让人对那些未曾亲耳聆听过的“黄金时代”产生了无限的向往。它成功地将一种音乐流派提升到了文化图腾的高度，尽管它没有提供任何具体的音乐教学，但它成功地“点燃”了读者对这种文化的敬畏之心。

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