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出版者:

作者:Strahle, Graham 编

出品人:

页数:512

译者:

出版时间:2009-4

价格:$ 74.58

装帧:

isbn号码:9780521106900

丛书系列:

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• 音乐史
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音乐词典：超越早期音乐的广阔领域 一本旨在系统梳理和深入剖析西方音乐史、理论与实践的权威性参考工具书。 本书并非对“早期音乐”（Early Music）这一特定历史时期或风格的专门研究，而是以更宏大、更全面的视角，构建了一部覆盖自中世纪早期直至二十世纪中叶的西方音乐全景图。它致力于为音乐学者、演奏家、学生以及所有热爱音乐的读者提供一个结构严谨、内容翔实、解释清晰的知识检索系统。 卷首语：构建音乐的知识地图 在音乐浩瀚的知识海洋中，术语、概念、人物和作品如同无数岛屿，散布在不同的时代和流派之中。本书的诞生，正是为了绘制一张精确而富有洞察力的地图，引导读者系统地航行于这些音乐的领域。它摒弃了对单一历史阶段的聚焦，转而强调音乐发展中的连续性、断裂点以及跨越时代的通用原理。 第一部分：音乐的基石——理论与术语的全面解析 本词典的首要任务是为读者提供坚实的理论基础。这部分内容细致入微地探讨了构成音乐实践和分析的全部基本要素，这些元素是所有音乐风格（包括巴洛克、古典、浪漫乃至现代主义）赖以建立的共同语言。 1. 调性系统与和声学（Tonality and Harmony）： 音高与音程（Pitch and Interval）： 详细阐述了十二平均律、纯律、五度律的数学基础与听觉感知差异。对大/小调、增/减音程的定义、记法和功能进行了区分描述。 音阶与调式（Scales and Modes）： 彻底梳理了从古代希腊调式到中世纪教会调式（Dorian, Phrygian, Lydian, Mixolydian等）的结构与历史演变。随后深入分析了大小调体系的建立及其在古典主义和浪漫主义音乐中的主导地位。 和弦的结构与功能（Chord Structure and Function）： 对三和弦、七和弦、九和弦等复杂和声的构成、转位及其在功能和声语境下的作用进行了详尽解释。特别关注了增六和弦、减七和弦等“色彩性”和弦的解析方法。 对位法与织体（Counterpoint and Texture）： 详述了巴赫时代成熟的对位规则（严格对位、自由对位），并区分了主调音乐（Homophony）、复调音乐（Polyphony）和织体密度（Density）的概念。 2. 节奏、节拍与速度（Rhythm, Meter, and Tempo）： 节拍的演变： 区分了复合拍号（如5/4, 7/8）与简单拍号的记谱与演奏技巧。探讨了从早期“自然节奏”到古典时期“方整性”节奏的转变。 速度术语的精确对应： 提供了涵盖意大利语、德语和法语的常用速度标记（如Allegro non troppo, Mäßig schnell, Poco agitato）的精确速度范围（BPM）及其在不同历史背景下的实际演奏速度差异。 复节奏与切分音： 对不同时代如何处理复杂节奏关系（如Hemiola在巴洛克音乐中的应用）进行了深入分析。 3. 记谱法与乐谱学（Notation and Musicology）： 记谱系统的发展： 从纽姆谱（Neumes）到五线谱的演变，细致描述了历史记谱法中关于音高、时值和表情记号的模糊性及后世学者的释义工作。 术语的词源学： 对如Stretto, Cadenza, Affekt等核心术语的词源及其在不同音乐语境中的语义漂移进行了考证。 第二部分：音乐的形态与结构 本部分聚焦于音乐作品的组织蓝图，即不同体裁（Genre）和形式（Form）的内在逻辑。 1. 重要的器乐与声乐体裁： 奏鸣曲式（Sonata Form）： 提供了对其呈示部（Exposition）、展开部（Development）和再现部（Recapitulation）的结构分析范式，并探讨了其在海顿、莫扎特、贝多芬作品中的不同实现方式，以及十九世纪后对其的扩展与重构。 交响曲与协奏曲： 追溯了从巴洛克协奏曲（Concerto Grosso）到古典主义协奏曲（独奏乐器与乐队的对话）的演变，并考察了慢乐章与终曲的结构选择。 室内乐的成熟： 重点分析了弦乐四重奏的四乐章结构，以及其作为“作曲家表达最深层思想的载体”的历史地位。 歌剧的结构： 区分了宣叙调（Recitative）、咏叹调（Aria）、合唱（Chorus）在不同时期歌剧中的作用，特别是对19世纪意大利与德语歌剧（如威尔第与瓦格纳）中“连续音乐”理念的解析。 2. 音乐形式的解构： 复调形式： 详细介绍了赋格（Fugue）的呈头、呈中、呈尾的结构，以及卡农（Canon）的模仿技巧。 变奏曲（Variations）： 对固定低音变奏（如帕萨卡利亚 Passacaglia、恰空 Chaconne）和自由主题变奏进行了区分和分析。 第三部分：乐器学与演奏实践 本词典对乐器家族的演进和技术发展给予了足够的篇幅，旨在跨越历史时期，提供一个乐器声音潜能的全面概览。 1. 键盘乐器家族的演变： 羽管键琴（Harpsichord）与拨弦机制： 深入描述了不同地域（如弗莱芒、法式、意式）羽管键琴的音色差异，及其对演奏力度（Dynamics）的限制。 钢琴的前身与发展： 考察了“强弱钢琴”（Pianoforte）的发明、击弦机制的改进，以及它如何解放了作曲家对音量和表情的控制。 2. 弓弦乐器群： 对小提琴家族（Violin Family）的制作工艺（如斯特拉迪瓦里、阿玛蒂的贡献）与演奏技法（如揉弦、换把位）进行了技术性描述。 与古提琴家族（Viola da Gamba Family）在指板、品位、定弦上的结构性差异进行了明确对比。 3. 管乐器与铜管乐器： 重点分析了管乐器在古典主义时期通过增加键位以克服调性限制的改进过程。 对巴洛克时期自然铜管乐器（无活塞）的演奏限制及其在特定调性上的偏好进行了阐释。 第四部分：作曲家与音乐思潮 本部分对音乐史上的重要人物及其引领的艺术运动进行了客观的定位与介绍，关注点在于他们对音乐语言的创新和贡献，而非仅仅是作品的罗列。 1. 风格的划分与过渡： 巴洛克的“激情理论”（Doctrine of Affections）： 解释了巴洛克音乐如何通过特定的音乐语言（如特定的节奏型、和声进行）来表达单一、明确的情感状态。 古典主义的“清晰与平衡”： 探讨了对早期洛可可风格的反动，追求形式的对称与旋律的清晰度。 浪漫主义的“主观性与无限性”： 分析了李斯特、瓦格纳等如何通过扩大和声色彩、打破传统结构来追求个体情感的极致表达。 印象主义与现代主义的开端： 考察了德彪西对调性的模糊处理，以及勋伯格对十二音体系的探索，这些是音乐在二十世纪走向多元化的关键节点。 2. 关键人物的贡献： 对那些在和声、对位、管弦乐法或体裁创新上具有里程碑意义的作曲家进行深入分析，着重说明其技术上的突破点，而非仅限于生卒年月和代表作列表。 总结 《音乐词典》是一部结构化的知识宝库，它以严谨的学术态度，梳理了西方音乐从其理论萌芽到二十世纪多元发展的全部核心概念、技术规范和历史脉络。它旨在成为一本能够陪伴读者终生的、关于音乐通用语言的权威参考书。

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我是在一次关于十六世纪圣咏改编曲的研究中偶然接触到这本词典的，起初只是抱着查阅一些生僻名词的目的。然而，这本书的编排逻辑和条目的深度很快就吸引住了我，让我完全放下了手头的工作，沉浸其中。与其他一些同类工具书不同，《An Early Music Dictionary》在解释诸如“Affektenlehre”（情感学说）这样的哲学概念时，并没有停留在理论层面，而是巧妙地结合了具体乐曲实例和当时的音乐手册，展示了这些理论是如何在实际的创作和即兴演奏中得到体现的。我尤其欣赏它对不同地区早期音乐风格差异的比较分析。比如，它清晰地区分了意大利歌剧宣叙调与法国歌剧宣叙调在节奏处理和情感表达上的本质区别，这种细致入微的对比分析，对于提升一个演奏者对风格把握的准确性至关重要。虽然书中的某些术语解释篇幅偏短，略显意犹未尽，但瑕不掩瑜，它提供的知识密度和跨学科的视野，使它远远超越了一本普通的参考手册，更像是一部经过精心提炼的“早期音乐方法论”。对于希望深入理解文艺复兴晚期复调音乐织体构造的听众来说，这本书也是一本极佳的导览。

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我是一个对音乐史充满热情的业余收藏家，手头已经有几部不同版本的音乐词典，但《An Early Music Dictionary》以其聚焦于一个相对狭窄但极其重要的历史时期的深度，成功地在我众多的参考书中脱颖而出。它最让我惊喜的是对“装饰音”（Ornamentation）处理的系统化梳理。以往的资料往往零散地介绍单个装饰音的演奏方法，而这本书则将其视为一种结构性的语言元素，根据不同的体裁（如奏鸣曲、赋格或咏叹调）和不同的地域风格（意大利与德意志）进行了分类和解析，甚至提供了不同版本的记谱和实际演奏效果的对照分析。这种结构化的知识体系，极大地帮助我理解了早期音乐的即兴成分和既有规范之间的微妙平衡。阅读过程中，我感觉自己不仅在学习知识，更是在重新学习一种听觉习惯。虽然这本书的索引系统设计得非常完善，查找起来非常方便，但如果能在每个条目的末尾增加一个“延伸阅读推荐”，指引读者前往更深入的单行本研究，那就更加完美了。总而言之，这是一部将历史深度、实践指导和学术严谨性完美融合的杰作。

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这部《An Early Music Dictionary》的问世，无疑为古典音乐爱好者提供了一份极其详尽且深入的参考宝典。我得说，我花了比预期更长的时间来细细研读这本书的每一个条目，因为它不仅仅是简单的术语汇编，更像是一部浓缩的历史文献。书中对巴洛克时期乐器演变脉络的梳理，特别是对一些已经失传或鲜为人知的古老吹管乐器和键盘乐器的起源、结构及演奏技法的描述，简直令人叹为观止。例如，它对维奥尔琴（Viola da Gamba）不同形制之间的细微差别，以及它们在不同地域音乐传统中的角色转换，进行了极其精准的定位和阐释。阅读这些内容时，我仿佛能亲手触摸到那些泛黄的羊皮纸乐谱，感受到作曲家们在特定历史背景下所面临的音乐挑战与创新。书中的插图和图表，虽然数量不多，但每一张都选取得恰到妙还是那种对专业性要求极高的读者，例如正在攻读早期音乐表演专业的学生或者资深的古乐演奏家，这本书的价值是无可替代的。它成功地架起了一座从现代视角理解中世纪晚期到巴洛克早期音乐实践的坚固桥梁，其严谨的学术态度和详实的数据支撑，绝对值得在任何音乐学者的书架上占据核心位置。

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这本书的装帧设计本身就散发着一种古朴典雅的气质，与它所涵盖的主题完美契合。内容方面，我被它对早期音乐“表演实践”（Performance Practice）的详尽论述所折服。它并非简单地罗列历史事实，而是深入探讨了声音的理想状态、速度的衡量标准以及表情术语在不同历史时期的语义变迁。书中对于“Tempo”这一概念的讨论尤为精彩，它通过引用科莱里的信件和早期音乐手册中的文字描述，生动地展现了那个时代对节奏灵活性的追求，这与现代演奏中常见的机械化节拍形成了鲜明对比。此外，它对特定乐团编制的演变也有独到的见解，比如早期管弦乐队中不同乐器声部权重和音色的考量，这对于理解亨德尔或巴赫协奏曲的原始音响图景至关重要。唯一的遗憾是，书中对非欧洲地区的早期音乐实践着墨不多，如果能加入一些跨文化比较的视角，这部词典的广度将更加令人称赞。但就其专注的欧洲早期音乐领域而言，它无疑是一部值得反复阅读和珍藏的权威工具书。

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说实话，我并非科班出身，只是一个对巴洛克音乐充满好奇心的业余爱好者，我的音乐知识大多来源于聆听和阅读一些流行的音乐传记。所以，当我翻开《An Early Music Dictionary》时，起初有些战战兢兢，担心内容过于晦涩难懂。但出乎意料的是，虽然它保持了学术的严谨性，但在很多基础概念的解释上，作者采用了清晰且富有条理的叙述方式。例如，关于“通奏低音”（Basso Continuo）的解释，它不仅罗列了常用的数字低音记号，还配上了图示说明演奏者应该如何根据和弦结构进行即兴填充，这对于初学者来说简直是福音。我发现，通过对照查阅书中关于特定作曲家（比如迪厄斯·普雷）生平的词条，可以立刻回溯到他所处的音乐时代的技术背景，这种知识的关联性极大地丰富了我对音乐作品的理解深度。美中不足的是，一些关于早期乐谱手稿版本的注释略显专业化，可能需要读者有一定的乐谱阅读基础才能完全领会其深意，但总的来说，它成功地降低了早期音乐研究的门槛，非常推荐给所有希望从“听众”进阶为“知音”的乐迷们。

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