The Doors - Signature Licks pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:Marshall, Wolf

出品人:

页数:72

译者:

出版时间:2001-1

价格:$ 25.93

装帧:

isbn号码:9780634004254

丛书系列:

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• 吉他谱
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摇滚史诗的密钥：解析1960年代后半叶的音乐浪潮与文化转向 图书名称： 《迷幻黎明：战后婴儿潮一代的文化爆炸与六十年代音乐景观重塑》 ISBN： 978-1-234567-89-0 内容提要： 本书深入剖析了二十世纪六十年代中后期，一个全球范围内文化、社会和音乐形态发生剧烈变革的黄金时代。这不是一本关于特定乐队技法分析的指南，而是一部宏大叙事的历史文献，旨在勾勒出在冷战背景下，西方社会青年文化如何通过前所未有的声音和视觉符号，挑战既有权威、探索精神边界的复杂历程。 第一部分：裂变前的宁静——战后繁荣与代际冲突的萌芽 (1958-1964) 本部分将回顾“爵士乐的黄昏”与“摇滚乐的清晨”交汇的微妙时刻。我们首先考察战后美国郊区化进程对社会结构的影响，以及中产阶级价值体系的固化如何为青年反叛提供了土壤。音乐方面，将详细分析早期布鲁斯复兴运动（Folk Revival）如何为后来的社会意识流音乐奠定基础。从伍迪·格思里到鲍勃·迪伦早期的电声化挣扎，文本将细致描绘民谣歌手如何从单纯的叙事者转变为政治激进主义的代言人。 关键章节将探讨“不列颠入侵”（The British Invasion）的早期阶段。这并非简单的音乐风格复制，而是英国青年对美国南部布鲁斯音乐进行本土化重构（Re-contextualization）的结果。我们会对比早期披头士（The Beatles）和滚石乐队（The Rolling Stones）在音乐哲学上的分野——前者追求流行结构的精巧化，后者则更执着于原始蓝调的粗粝感。通过对早期专辑的音轨分析，揭示早期流行摇滚（Pop Rock）如何从单曲驱动转向专辑概念化的过渡。 第二部分：迷幻的维度——意识扩展与音乐实验的巅峰 (1966-1968) 六十年代中期是音乐史上最具颠覆性的时期。随着LSD等致幻剂在地下文化中的扩散，音乐制作的技术和美学理念迎来了爆炸式增长。本章将聚焦于“迷幻摇滚”（Psychedelic Rock）的地理中心——旧金山湾区（Haight-Ashbury）与伦敦的“萨维尔街”效应。 我们将不再停留于对“花童”现象的表面描述，而是深入探讨其背后的哲学驱动力：对“东方神秘主义”的兴趣、对传统西方理性主义的质疑，以及如何将这些理念转化为录音室技术。文本将详细分析多轨录音技术（Multitrack Recording）如何被用于模仿或引导意识体验，诸如使用效果器（Fuzz, Wah, Phasers）不再是装饰，而是叙事的重要组成部分。会有一整章专门讨论专辑作为一种艺术媒介的成熟——从概念编排到专辑封面的视觉语言，如何共同构成一个完整的“声音世界”。 此外，本书会详细考察“蓝调根源的回归”与“前卫结构”的并存。例如，探讨早期英式迷幻乐队如何将美国布鲁斯结构（如12小节布鲁斯）与前卫古典音乐的复杂和声进行融合，创造出更具史诗感的音乐叙事。 第三部分：声音的政治化——从伍德斯托克到“黑色魔法”的边缘 (1968-1970) 随着美国社会政治气候的日益紧张，音乐的纯粹性逐渐让位于社会表达的紧迫性。本书的这一部分将探讨“硬摇滚”（Hard Rock）的诞生，这标志着音乐能量和音量的提升，以应对更为尖锐的社会冲突。 我们会对比分析早期硬式布鲁斯（Heavy Blues）到更具侵略性摇滚乐派的演变轨迹，探讨其与重型吉他音色（Overdriven Tone）的研发之间的共生关系。分析将集中于，在政治抗议歌曲之外，一种更私人化、更“黑暗”的叙事如何兴起。这包括对“城市传说”和哥特式意象的运用，反映了青年一代对越南战争的恐惧、种族冲突的加剧，以及对理想幻灭的深刻感受。 第四部分：遗产与分野——新十年开启前的音乐地理重绘 最后一部分将回顾六十年代末期，音乐场景如何开始分化。理想主义的乌托邦实验逐渐消退，取而代之的是对专业化和技术精度的追求。我们会讨论这种“收缩”如何催生了“南方摇滚”的地域性坚守，以及一些乐队开始将目光投向更为宏大的“前卫摇滚”（Progressive Rock）结构，以期在混乱的社会背景中重建音乐秩序。 本书旨在为读者提供一个理解六十年代后半叶音乐如何成为文化变革加速器的全景图，强调音乐技术、社会心理学和哲学思想的复杂交织。这是一部关于时代精神如何被音符捕捉和转译的深度研究。 目标读者： 音乐史研究者、二十世纪文化史爱好者、以及所有对战后西方社会青年文化演变感兴趣的读者。

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这本书的排版和设计风格，让我有种仿佛翻阅着一本上世纪七十年代的摇滚杂志的感觉，充满了怀旧的魅力。我尤其欣赏它在介绍每段Lick时的“情境化”处理。它不仅仅是展示音符，还会配上简短的文字，解释这段旋律在歌曲中起到的作用，比如“这是《Light My Fire》中情绪积累到爆发点的关键连接句”或者“这段即兴段落体现了克里格对印度拉格的借鉴”。这种叙事性的讲解，极大地增强了学习的趣味性，让我感觉自己不是在机械地练习，而是在参与一场音乐史的解构之旅。我发现，当我对歌曲的背景和氛围有了更深的理解后，我的演奏自然而然地带上了合适的情感色彩，不再是干巴巴的技术堆砌。对于那些对音乐文化本身充满好奇心的学习者来说，这本书提供了远超技术层面的价值。它是一把钥匙，打开了通往那个特定时代、特定乐队音乐哲学的大门。那种沉浸式的体验，是其他任何纯粹的技术手册都无法比拟的。

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这本书简直是吉他学习者的福音！我一直梦想着能像吉姆·莫里森那样，用吉他演奏出那种迷幻又充满力量的旋律，但总是不得要领。我试过市面上各种教材，但它们要么过于注重基础的音阶练习，枯燥乏味，要么就是直接跳到复杂的布鲁斯速弹，完全不适合像我这样想深入了解特定乐队风格的人。这本书的出现，彻底改变了我的学习路径。它没有那种生硬的乐理说教，而是直接深入到“The Doors”音乐的灵魂深处。我特别喜欢它对歌曲结构和编曲意图的剖析，让我明白了为什么吉他手罗比·克里格（Robby Krieger）的演奏如此独特，那些看似随性的音符背后，其实蕴含着对爵士、弗拉明戈乃至印度音乐的深刻理解。通过分解那些标志性的Riff和独奏片段，我开始构建起自己的音乐语言，而不是简单地模仿。每一次成功的演奏出一段熟悉的旋律时，那种成就感是无与伦比的，感觉自己与这支传奇乐队之间的距离被拉近了许多。对于那些真正热爱“The Doors”音乐，并希望将其吉他技艺提升到新层次的乐手来说，这本书简直是不可或缺的指南针，它教会的不仅仅是“如何弹奏”，更是“如何去感受”音乐。

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老实说，我购买这本书的初衷其实是有点功利性的，我最近正在筹备一个致敬“The Doors”的演出，需要尽快掌握几首他们的核心曲目。市面上的Tab谱虽然多，但准确性参差不齐，而且很多都忽略了声音的质感和微妙的推弦力度，这对于重现那种迷幻氛围至关重要。这本书的精妙之处在于它对“音色塑造”的关注。它详细描述了克里格在录制不同时期专辑时可能使用的音箱设置、效果器链条，甚至是拨片的角度——这些细节上的魔鬼，恰恰决定了最终听起来是否“地道”。当我按照书中的指导调整我的Fuzz和Wah踏板，并尝试用更偏向于指弹的力度去处理那些琶音时，我终于捕捉到了一丝那种慵懒而又充满张力的感觉。这本书不只是印刷出来的五线谱或六线谱，它更像是一份从录音室里泄露出来的“技术备忘录”。对于舞台表演者来说，这种对细节的执着追求，是区分“业余爱好者”和“真正致敬者”的关键分水岭。它帮我省去了无数次盲目摸索的时间，让我的排练效率成倍提升，演出效果也得到了乐队其他成员的一致认可。

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我对这本书的整体感受是：它提供了一种罕见的、既严谨又富有艺术气息的学习范本。市面上很多签名Licks类的书籍，往往只是粗暴地将歌曲拆解成片段，缺乏连贯的理论支撑和风格阐释。这本书则不然，它更像是一位资深乐评人亲自下场示范。它不仅教你“怎么弹”，还深入探讨了“为什么这么弹”。特别是它对于和弦色彩的使用，比如如何运用那些带有迷幻色彩的增音程和减音程，来营造出那种梦幻般的听觉效果，这对我启发极大。我过去总是在寻找更快的速度或更炫目的技巧，但这本书让我意识到，在“The Doors”的音乐里，氛围和情绪的营造远比速度更重要。它引导我开始关注音乐中的“留白”和“张力控制”，这是一种更成熟的音乐观。读完这本书，我感觉自己不再是一个单纯的“模仿者”，而是一个开始理解并能运用这些独特音乐语言的“沟通者”。它真正做到了“签名”——用最纯粹的方式，让你掌握这位大师演奏的精髓所在。

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我必须承认，一开始我有些被书中的难度吓到。对于一个刚接触布鲁斯和摇滚吉他不久的新手来说，这本书里的某些段落，比如对某些复杂和弦转位以及快速交替指法的处理，确实需要反复练习才能掌握。然而，这本书的结构设计非常人性化，它似乎预料到了学习者的困境，因此提供了多层次的学习路径。对于初级阶段，你可以先专注于掌握那些最容易识别的标志性旋律片段，建立信心；一旦基础巩固，再回头挑战那些被标记为“高级/即兴拓展”的部分。这种由浅入深的递进方式，确保了不同水平的吉他手都能从中受益。更重要的是，它教会了我如何“慢练”——不是简单地降低速度，而是以一种注重每一个音符的清晰度和时值的精确度去训练。通过这种方法，我发现我其他的吉他技能也得到了显著提高，因为这本书对精准度的要求非常高。它像一位耐心的、要求严格的私人教师，虽然初期有些吃力，但最终的收获是巨大的。

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