Getting Into Rock Guitar pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:Delach, Stephen

出品人:

页数:96

译者:

出版时间:2002-7

价格:$ 22.54

装帧:

isbn号码:9780786658282

丛书系列:

图书标签:

• 吉他
• 摇滚
• 吉他技巧
• 音乐教学
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• 吉他练习

《古今琴韵：中国传统乐器鉴赏与演奏指南》 本书简介 《古今琴韵：中国传统乐器鉴赏与演奏指南》是一部深度聚焦于中国传统音乐文化，特别是本土乐器发展脉络、构造原理、演奏技巧与艺术哲学的权威性著作。本书旨在为广大音乐爱好者、初学者、专业研究人员以及对东方文化有浓厚兴趣的读者，提供一个全面、细致、富有洞察力的学习平台。我们摒弃了对西方现代音乐体系的参照，完全沉浸于中国传统音乐的语境之中，细致描摹出这片古老而富有生命力的音乐图景。 本书共分为五个主要部分，结构严谨，内容涵盖了从历史源流到具体乐器实操的每一个关键环节。 --- 第一部分：中国传统音乐的哲学基石与历史溯源 本部分深入探讨了中国传统音乐在礼乐制度中的核心地位，阐释了“和”、“中”、“雅”、“正”等核心审美概念如何塑造了数千年的音乐形态。我们追溯了从先秦时期的雅乐到唐宋燕乐的演变轨迹，分析了儒家、道家思想对音律体系构建的影响。 重点内容包括： 1. 礼乐文明的建构： 考察《周礼》、《乐记》等典籍中关于音高、五声（宫、商、角、徵、羽）与德行、宇宙观的对应关系。 2. 音律体系的精妙： 详细解析中国古代特有的十二律系统（如律、吕、十二律、十二半音的差异与转换），以及“三分损益法”的数学美学基础。 3. 文人音乐与民间音乐的分野： 探讨士大夫阶层所推崇的琴、瑟、箫等乐器的精神内涵，及其与民间锣鼓、戏曲音乐在功能和审美上的张力与融合。 --- 第二部分：弓弦之声：弹拨与拉弦乐器的精微世界 本卷集中剖析了中国最具代表性的弦乐器，涵盖了其制作工艺、不同流派的演奏风格及其在合奏与独奏中的功能定位。 重点内容包括： 1. 古琴（七弦琴）： 细致讲解七弦琴的形制、徽位命名（如“文”、“武”、“上”、“下”等），以及“吟、猱、绰、注”等标志性指法（如按音的揉弦与滑音）的精确控制。尤其深入剖析了散音、泛音、按音三类音色的哲学意义。 2. 古筝（二十五弦）： 阐述不同年代筝制的演变，重点介绍“轮指”、“扫弦”、“摇指”等技巧的快速入门与进阶训练方法，以及当代筝曲创作中对传统技法的发展和突破。 3. 二胡家族的奥秘： 区别介绍二胡、高胡、中胡等拉弦乐器的音色差异。详细图解弓法（如“平弓”、“甩弓”、“顿弓”）的规范持弓姿势，并提供大量针对初学者的音阶练习曲谱解析，强调对“内弦”与“外弦”音色的情绪表达。 4. 琵琶的“武”与“文”： 深入探讨琵琶的“推”、“拉”、“摇”、“撮”等十八种基本技法，分析其在文曲（如《月儿高》）中的细腻描绘与在武曲（如《霸王卸甲》）中的气势磅礴的对比运用。 --- 第三部分：管乐之风：吹奏乐器的呼吸艺术 本部分专注于气鸣乐器，探讨了竹制乐器在表达东方“气”的概念上的独特优势，并提供了关于气息控制和音准校正的实践指导。 重点内容包括： 1. 竹笛的“穿云破雾”： 详细介绍膜的粘贴技术对音色的决定性影响，教授正确的口型（气息的凝聚与分散），并提供针对梆笛、曲笛不同音域的指法图解。 2. 箫与埙的内省： 对比分析六孔箫和八孔箫在音域上的拓展，强调箫的“气沉丹田”与声音的深沉内敛。特别关注埙（陶制乐器）的“气流敏感度”，指导读者如何通过微小的气息调整来获得饱满的音头。 3. 笙的复调之美： 介绍笙作为唯一能演奏和声的中国传统乐器，其簧片构造的精密性。提供基础和弦的吹奏练习，引导读者理解其在戏曲伴奏中的和声功能。 --- 第四部分：打击的节奏：锣鼓与民间乐器的力量 本部分将焦点投向中国音乐中不可或缺的“韵动之源”——打击乐器。我们不再将其视为简单的节奏填充，而是分析其在构建叙事张力与烘托气氛中的复杂作用。 重点内容包括： 1. 大鼓与堂鼓的震撼： 教授不同鼓槌的握法与击打位置对音色深度的影响，分析其在戏曲和武术表演中的节奏型谱式。 2. 锣与钹的对话： 详细区分大锣、小锣、云锣、镲等乐器的音色特点（如“尖音”、“闷音”、“花音”），并提供戏曲锣鼓点（如“急急风”、“慢三眼”）的图示分解。 3. 民间乐器群像： 简要介绍如拍板、木鱼、唢呐（及其在不同地域的变体）等乐器的基本演奏要领和文化功能。 --- 第五部分：合奏与传承：从独奏到民族管弦乐队 本书的最后一部分将所有零散的乐器知识融会贯通，探讨了中国传统音乐的组织形式及其当代发展。 重点内容包括： 1. 传统合奏的组织： 解析传统十番锣鼓、江南丝竹、广东音乐等成熟的民间合奏体例，明确“主奏”、“帮奏”、“烘托”的角色分工。 2. 民族管弦乐队的构建： 介绍现代民族管弦乐队中，传统乐器如何与改良后的乐器（如低音革胡、中阮）共同构建起宏大的音响画面。 3. 当代创新与保护： 探讨新一代演奏家如何平衡传统规范与现代和声语言的冲突与融合，并呼吁对濒危乐种和演奏技艺的保护与记录工作。 通过对以上五个部分的深入研习，读者不仅能掌握一到两种乐器的基础演奏技巧，更能深刻理解中国传统音乐背后的文化逻辑、审美情趣以及其在历史长河中的不朽魅力。本书的语言力求严谨又不失文学性，图文并茂，旨在成为每一位致力于探索东方音乐世界的学习者案头必备的工具书。

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这本书的排版和设计风格非常吸引我，它没有那种传统教材的枯燥感。封面和内页的设计充满了活力和复古的摇滚气息，光是翻阅起来就是一种享受。内容上，作者非常擅长将复杂的技巧拆解成易于消化的步骤。比如在讲解推弦（Bending）技巧时，它不仅用文字描述了力度和时机，还配上了非常精准的动态图解，甚至还提到了不同音阶下推弦的常见错误以及如何修正。此外，书中收录的案例歌曲非常具有代表性，它们不仅仅是流行金曲，更是摇滚乐发展史上的里程碑作品。通过学习这些片段，我不仅掌握了演奏技巧，还对不同年代摇滚乐的风格演变有了一个宏观的认识。我以前总是对扫弦节奏感到混乱，但这本书里针对性地提供了很多关于扫弦模式的练习模块，帮助我建立起稳定的节奏感。老实说，我已经尝试过好几本吉他教材，但只有这本真正做到了理论与实践的完美结合，让人学起来充满乐趣，而不是负担。

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我是一个对技术细节非常较真的人，很多教材在谈到音色处理时总是轻描淡写。然而，这本书在这方面做得尤为出色。它用了专门的章节来讨论如何通过不同的拾音器设置、音箱的增益（Gain）控制以及效果器的搭配，来模拟出标志性的摇滚音色——从温暖的蓝调过载到刺耳的失真音墙。书里甚至给出了几个“秘方”音色组合，让我可以立刻在自己的设备上尝试并对比。对我这个已经有些基础的进阶学习者来说，这些深入的音色解析是极其宝贵的。而且，作者非常注重演奏者的安全和习惯养成，关于正确的持琴姿势、拨片角度的细微调整，都有详细的摄影指导，确保我们在追求速度和力量的同时，不会养成对日后演奏产生限制的坏习惯。这本书的深度远超我的预期，它真正体现了“Getting Into”——不仅仅是学会弹，更是要学会“成为”一个摇滚吉他手。

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坦白说，我购买这本书是抱着试一试的心态，因为市面上类似的入门书籍太多了，大多内容雷同，缺乏新意。但这本书的叙事方式非常独特，它采用了一种“故事驱动”的学习路径。作者仿佛在引导你进行一场摇滚音乐的探险之旅，每一课的学习都像是解锁了一个新的音乐领域。例如，在学习Solo技巧时，它没有直接堆砌复杂的指板图，而是先讲述了某个大师是如何在特定歌曲中使用那个技巧的背景和情感，这极大地激发了我去模仿和理解的欲望。这本书对我最大的帮助在于，它教会了我如何“听”摇滚乐。通过书中的听力练习指导，我开始能够分辨出歌曲中复杂的节奏层次和配器关系，这让我不再是机械地模仿指法，而是真正开始理解音乐的结构。这种教学方法让我觉得学习过程充满了互动性和探索性，每一次翻阅都像是在和一位经验丰富的音乐人进行深度交流。

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这本书的实用性和可操作性达到了一个极高的水准。它的后半部分专门设置了一个“项目实践区”，鼓励读者立即将学到的技巧应用到完整的歌曲片段中去。这部分内容非常注重实战演练，从如何为一段Solo进行即兴创作，到如何在乐队排练中找到自己的最佳位置，都有非常实用的建议。我特别欣赏它对乐理知识的穿插方式——它没有将乐理作为一个独立、沉闷的部分来讲授，而是巧妙地融入到和弦进行和即兴演奏的讲解之中，让你在不知不觉中掌握了核心的音乐理论，而不会感到枯燥。书中附带的在线资源链接也十分给力，提供了所有范例的伴奏音轨（Backing Tracks），而且速度可调。这使得练习不再是单调的自弹自唱，而是更接近真实的乐队合作环境。这本书真正做到了“从零到一”的完整覆盖，不仅教你如何上手，更教你如何持续进步，保持对摇滚乐的热情。

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这本书简直是吉他学习者的福音！我一直梦想着能弹奏那些充满力量和激情的摇滚乐，但总觉得从何入手是个难题。这本书的内容编排非常人性化，从最基础的吉他认识、调音，到和弦的按法，都讲解得细致入微。更让我惊喜的是，它并没有止步于理论，而是迅速引导我们进入实际的演奏环节。书中包含了大量的经典摇滚乐段落的分解教学，无论是布鲁斯摇滚的律动感，还是重金属的快速扫拨，都有清晰的图示和音符标注。我尤其喜欢它对“感觉”的强调，作者不仅仅是教你弹奏音符，更在引导你理解摇滚乐背后的精神内核——那种不羁和自由。通过这本书的练习，我感觉我的手指灵活度有了质的飞跃，原本觉得遥不可及的快速Riff，现在也慢慢变得触手可及。它就像一位耐心的私人教练，时刻在你身边指导，让我每天都能看到自己的进步，极大地增强了我练习的动力。对于想要系统化学习摇滚吉他的新手来说，这绝对是值得投资的一本教材。

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