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出版者:Rizzoli

作者:Ernst-Gerhard Guse

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1988-05-15

价格:USD 65.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9780847809189

丛书系列:

图书标签:

• 雕塑
• 装置艺术
• 大地艺术
• 极简主义
• 抽象艺术
• 现代艺术
• 绘画
• 美国艺术
• 理查德·塞拉
• 艺术史

铸就空间：对现代雕塑的物质性与感知探索 本书深入剖析了二十世纪下半叶至今，雕塑艺术领域中一场深刻的转向：从对具象描摹或象征意义的追求，转向对物质本身、空间关系以及观者身体感知的本体性探索。这不是一本关于某个特定艺术家的传记或作品集，而是对一种全新雕塑语言的结构性考察。 我们首先从战后艺术语境入手，探讨立体主义、极简主义（Minimalism）如何为当代雕塑的“去对象化”铺平了道路。极简主义的冷静、重复和对工业材料的直接运用，催生了一个核心问题：当艺术品不再“代表”任何事物，它的存在性（Presence）如何确立？本书认为，这种存在性是通过对场域（Site）的介入和对物质的诚实（Material Honesty）来实现的。 第一部分：物质的语法——从重量到轻盈的转变 本书的第一部分聚焦于材料的“说话方式”。我们考察了从传统的青铜、大理石到新兴的工业材料——如钢铁、铅、玻璃和霓虹灯——在雕塑语境中的意义重构。 钢铁的重量与地心引力： 雕塑不再是“立在”地面上的物体，而是与地面发生张力关系的存在。我们分析了艺术家如何利用钢铁的固有重量和韧性，探讨结构性平衡的极限。在这里，焊接点、锈蚀和表面的肌理不再是修饰，而是记录制造过程和时间侵蚀的文本。例如，大型钢板的堆叠或倾斜，并非为了构建一个稳定的几何体，而是为了揭示重力如何塑造了我们对“稳定”的理解。这种处理方式，要求观者必须在物理层面上感知到材料的惯性与抗拒。 时间的介质——铅与腐蚀： 铅，这种密度极高、质地柔软的金属，被视为一种缓慢的、流动的物质。它象征着时间的重量和形变的可能。我们探讨了艺术家如何使用厚重的铅片，使其在自身的重压下缓慢变形，或者如何利用其化学性质，使其在与环境的互动中产生不可控的色彩和表面变化。这种对“惰性”物质的激活，挑战了传统雕塑对永恒性的追求。 非物质的介入——光与空气： 随后，我们将视野转向那些看似“缺席”的材料：光线、空气和声音的反射。通过对透明材料（如有机玻璃或特定类型的玻璃）的使用，雕塑的边界被模糊化。物体不再是实体，而是光线通过其内部结构所产生的折射和阴影的集合。这种对视觉错觉的运用，迫使观者意识到，我们所感知的“雕塑”，其实是物质与环境相互作用的结果，而非孤立的实体。 第二部分：空间的关系学——场域与身体的对话 如果说第一部分关注的是“物本身”，那么第二部分则完全转向“物与世界的关系”。当代雕塑的核心功能之一，是重新界定和激活其所处的空间。 “在场”的迫切性： 本书强调，现代雕塑的尺度和形式往往是针对特定场域（Site-Specificity）精心设计的。它不再是可随意移动的展品，而是与建筑、景观发生结构性对话的元素。一个巨大的、水平展开的作品，其目的不是占据垂直空间，而是将地面“拉伸”和“限定”，迫使观者以一种全新的、横向的视角来丈量空间。 身体的度量衡： 雕塑与观者的关系，不再是仰视或平视的单向凝视，而是身体经验的交织。艺术家通过精确控制作品的开口、路径、高度和穿透性，引导观者的移动轨迹。例如，一些作品设置了仅容一人通过的狭窄通道，这不仅是物理上的穿越，更是一种心理上的“被引导”体验。观者必须侧身、弯腰、停步，其自身的运动节奏被雕塑的几何形体所支配。这种互动揭示了我们如何通过自身的尺度来理解和衡量周围的环境。 封闭与开放的辩证法： 我们深入分析了雕塑形式中“内”与“外”、“封闭”与“穿透”之间的张力。一个厚重的、封闭的体量，其意义在于其内部的“不可及性”以及它对外部空间的排挤；而一个穿孔的、开放的体量，其意义则在于它如何将外部空间“纳入”自身，模糊了雕塑的实体边界。这种对“空”的处理，比对“实”的处理更为微妙和复杂。 第三部分：感知与结构——结构的逻辑与情感的释放 本书的最后一部分探讨了构成这些宏大、极简形态背后的内在逻辑，以及这种逻辑如何反过来引发深层的情感和哲学思考。 几何的语言： 尽管作品表面看似极简，但其背后的结构计算和几何逻辑往往极为严密。我们考察了艺术家如何运用复杂的投影、交叉点和角度，使巨大的结构在视觉上显得轻盈或不稳定。这种对纯粹形式的忠诚，并非为了美学上的抽象，而是为了探究结构本身的完整性和系统性。当结构清晰可见时，它便成为了一个关于“如何建造”和“为何如此建造”的自指系统。 观看的疲劳与觉醒： 面对巨型、无装饰的作品，观者可能会经历一种“观看的疲劳”，即大脑习惯性地寻找意义和叙事时所产生的挫败感。然而，正是这种短暂的认知停滞，迫使感官重新校准。当叙事退场，剩下的只有纯粹的物理存在感——材料的质地、光影的移动、以及自己呼吸的声音。本书主张，当代雕塑的终极目标，是实现一种“零度情感”的激化，即通过去除所有附加的符号，使观者直接面对物质与自身存在的原始碰撞。 结论：雕塑作为一种持续的“提问” 本书总结道，当代雕塑已不再是历史叙事的终点，而是一个关于存在、空间、重力与感知极限的持续性发问。它要求我们不仅要看，更要“体验”一个物体的构造和它如何重新定义我们所站立的地面。它邀请我们进入一个由物质的严肃性所构建的、高度个人化的精神领域。

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这本厚重的精装本一入手，沉甸甸的分量就让人心生敬畏，它仿佛不是一本简单的书籍，而是一件雕塑作品本身。封面设计极简，几乎没有任何多余的装饰，黑白灰的色调如同某种工业材料的质感，立刻将读者的心绪拉入一个充满张力和空间感的领域。我翻开扉页，首先映入眼帘的是那些令人屏息的文本，它们不是那种轻松愉快的叙事，而是对物质性、对重量、对光影之间永恒关系的深刻剖析。作者似乎有一种魔力，能将我们日常生活中习以为常的钢板、锈蚀、弯曲和平衡，提升到哲学思辨的高度。阅读过程中，我常常需要停下来，闭上眼睛，试图在脑海中重构那些被文字描述的巨大结构是如何在特定的光线下投射出迷离的阴影，又是如何与周围的环境产生一种既对抗又融合的奇特对话。这本书的阅读体验更像是一场沉浸式的冥想，它迫使你慢下来，去感受“在场”的力量，去思考体积的本质。对于那些习惯了快速信息摄入的读者来说，这无疑是一个挑战，但如果你愿意投入时间去品味那些精心编排的、充满力量感的句子，你会发现其中蕴含着一种近乎原始的美学震撼，那是一种超越了视觉的、直达身体感知的艺术体验。

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这本书给我的最大启示是关于“限制中的自由”。作者反复探讨的是如何在极端的物质约束下，实现最大的精神表达。他描述了艺术家如何与厚重的钢板、巨大的体量进行一场看似不可能的搏斗，最终达成的和谐状态，简直是工程学与艺术哲学的完美结合。书中的案例分析极其详尽，不仅是作品的描述，更是对创作过程中遇到的技术难题、对材料反应的细致记录。我仿佛置身于那个充满火花、噪音和汗水的车间，见证着冰冷的金属如何被意志所塑造。这种对过程的尊重和对细节的执着，让人肃然起敬。它让我意识到，真正的强大往往不是外放的张扬，而是内在的结构性稳定。它不像许多艺术理论书籍那样高高在上地评判，而是像一位经验丰富的工匠在传授手艺，朴实、可靠，充满了对“如何做到”的深入探讨。合上书页时，我感觉自己对周围的建筑、桥梁，甚至那些不起眼的金属制品，都多了一层全新的敬意，因为我知道，在它们坚硬的外表下，蕴藏着复杂的计算和深沉的哲学思考。

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如果要用一个词来形容阅读此书的感受，我会选择“摩擦”。作者的观点和表达方式总是在与读者的固有思维进行着有力的、有时是令人不适的摩擦。他毫不留情地解构了艺术市场中那些浮华的标签，直指材料本身的诚实性。书中关于“锈蚀并非衰败，而是时间留下的印记”的论断，像一把锋利的刻刀，在我对“完美”的追求上留下了深深的划痕。我注意到，这本书的排版设计也极具匠心，大片的留白如同雕塑周围的空气，给予文字足够的呼吸空间，但也暗示着那些未被言说的、留给读者想象和填充的“间隙”。这种设计策略与内容形成了完美的互文关系，迫使读者不能仅仅“读过”文字，而必须“进入”文字所构建的空间。这本书不提供简单的答案，它提供的是一套观察世界的工具和一套衡量尺度的框架。对于那些希望在理论层面深入挖掘极简主义和物质美学深度的学者或爱好者来说，这无疑是一部里程碑式的著作，它要求你拿出尺子，重新丈量你所站立的世界。

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读完前三分之一，我不得不承认，这本书的阅读门槛相当高，它需要的不仅仅是耐心，更是一种特定的“语感”。作者的行文风格极其克制，用词精准到几乎是技术手册的严谨，但其背后涌动的却是对形式和结构的狂热探索。他似乎在用文字来绘制蓝图，描述的每一个转折、每一个焊缝，都带有不容置疑的权威性。我尤其着迷于他对“负空间”的论述，那种“看不见的部分如何定义可见的部分”的辩证法，彻底颠覆了我对雕塑艺术的传统认知。过去我看待艺术品，多是关注其实体表面的肌理和颜色，但这本书让我开始关注物体边缘与环境的交界处，关注材料自身的“意愿”。这种强迫性的视角转换，如同被艺术家推到一块巨大的金属面前，让你不得不去直视那冰冷的、未经修饰的真实。说实话，初读时我多次感到迷茫，那些关于“重量的感知阈值”和“结构完整性的临界点”的讨论，需要反复回溯才能勉强抓住其核心脉络。它不是一本让你放松的读物，更像是一份需要你全身心投入的智力挑战，每一次理解的突破都伴随着巨大的心智消耗，但那种豁然开朗的成就感，却是其他书籍难以比拟的。

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这本书的叙事节奏如同慢镜头下的金属变形过程，缓慢、不可逆转，却充满了令人不安的张力。作者似乎对时间感有着独特的处理方式，他将对瞬时状态的捕捉与材料跨越数十年的氧化过程并置，营造出一种宏大且永恒的语境。我特别喜欢其中关于“公共空间中的尺度问题”的那几章，那些文字将我们从熟悉的室内环境中抽离出来，置于开阔的天地之间，思考人与纪念碑式的体量之间的关系。这种关系绝非简单的“大与小”，而是关于权力、记忆和人类脆弱性的深刻对话。他描述作品如何“占据”一个广场，如何“定义”天空的边界，让我对城市景观的设计产生了全新的敬畏。阅读时，我脑海中不断浮现出城市里那些宏伟的、沉默的结构，它们不再是背景，而是主动的参与者。这本书的语言有一种近乎诗意的冷峻，它避免了一切煽情，却让读者在冰冷的陈述中感受到了深沉的情感共鸣——那是一种对人类创造力的极限的致敬，也是对自然力量最终胜利的隐秘预示。

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