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出版者:Pyramid Books

作者:Gene; Basinger, Jeanine Kelly

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1976-01-01

价格:0

装帧:Paperback

isbn号码:9782851991294

丛书系列:

图书标签:

• 舞蹈
• 音乐
• 电影
• 传记
• 好莱坞
• 歌舞片
• 演员
• 艺术家
• 美国
• 表演艺术

《银幕上的诗意与汗水：二十世纪中叶的舞蹈巨匠》 一部关于舞蹈、电影、以及一个时代精神的深度剖析 本书深入探讨了二十世纪中叶美国娱乐工业的黄金时代，聚焦于那些通过肢体语言重新定义了“表演艺术”的巨匠们。这不是一部聚焦于某一位特定人物的传记，而是一次对特定时期内，舞蹈在电影、舞台以及文化领域中扮演角色的宏大考察。 第一部分：时代的脉动与舞台的兴起 我们将从回顾二十世纪三、四十年代的时代背景开始。彼时的美国，正经历着大萧条后的复苏和世界大战的阴影，人们渴望在光影与舞台上寻找到慰藉、激情与梦想。我们详细分析了百老汇音乐剧的黄金结构——从“歌舞升平”的歌剧传统到更注重叙事与角色驱动的现代音乐剧的演变。 焦点议题： 从舞台到银幕的迁移： 分析了电影技术（如摄影机运动、剪辑节奏）如何彻底改变了舞蹈的呈现方式。舞台上的宏大叙事如何被提炼为银幕上精准的特写和富有张力的群舞镜头。 舞蹈语言的工业化： 探讨了大型制片厂（如米高梅、华纳兄弟）如何将舞蹈视为一种高风险、高回报的商品。这种工业化对舞蹈编排风格产生了哪些限制与解放？ 男性舞者的身份重塑： 在那个以女性舞蹈家（如莎莉·詹普斯、金吉·罗杰斯）为主导的时代，一些男性表演者是如何挣脱传统“花瓶”或纯粹“搭档”的刻板印象，发展出一种集运动健将、浪漫情人与精准舞者于一身的新型银幕形象的？这部分着重于分析了他们对古典芭蕾、踢踏舞以及爵士舞元素的融合创新。 第二部分：肢体叙事的力量——编舞家的视野 本书的第二部分将笔触转向那些在幕后推动变革的编舞大师。我们并不局限于探讨某一个人的个人风格，而是研究一种“编舞学派”的形成。 我们详细考察了以下几个关键的编舞理念如何相互渗透和竞争： 1. 叙事性编舞（Narrative Choreography）： 舞蹈如何不再是插播的娱乐段落，而是推动故事情节、揭示角色内心冲突的核心工具？我们分析了通过特定动作模式来暗示角色心理状态的技巧。 2. 环境即舞台（The Environment as Stage）： 探讨了编舞家如何利用日常空间——街道、工厂、公共广场——作为舞蹈的背景，从而模糊了“舞台”与“现实”的界限。这种手法如何增强了舞蹈的现代感和代入感？ 3. 节奏的革命： 深入剖析了如何将复杂的、源自街头和非裔美国人文化的节奏（如踢踏、林迪舞）精准地整合进好莱坞的歌舞片制作流程中。这不仅是技术上的挑战，更是文化融合的体现。 第三部分：汗水、创新与遗产的重量 第三部分聚焦于这种表演艺术在文化上留下的深远印记。我们分析了那些在片场上不断突破生理极限的表演者们，他们如何平衡优雅的“诗意”与近乎运动员般的“汗水”。 技术革新与身体极限： 探讨了摄影机角度、灯光设计如何服务于舞蹈动作的展现。例如，如何运用低角度拍摄来强调跳跃的高度，或使用高速摄影来捕捉踢踏舞鞋与地板的精确接触。 跨界影响： 考察了这种电影舞蹈风格如何影响了后来的电视节目、音乐录影带，乃至现代的体育表演艺术。这种美学范式是如何被继承、模仿，并最终被颠覆的？ 文化语境中的身体政治： 在一个种族隔离依然显著的时代，某些表演者通过其无与伦比的技艺，在不触碰直接政治议题的前提下，间接地挑战了既有的文化等级制度，为后来的少数族裔艺术家铺平了道路。他们的身体本身，成为了强大的宣言。 结论：不朽的舞步 本书的结论部分总结了这一黄金时代舞蹈艺术的共同特征：对极致美学的追求、对技术创新的不懈投入，以及将日常的运动提升到艺术高度的非凡能力。它提醒我们，那些在黑白胶片上留下的舞步，不仅是娱乐产品的残留，更是对人类活力、适应性和创造力的永恒赞歌。 本书献给所有相信肢体语言拥有超越言语的力量的艺术爱好者，以及所有对二十世纪中叶美国流行文化如何通过最精妙的运动方式塑造自身感兴趣的读者。

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这本书的阅读体验，更像是一次漫长而愉快的“艺术之旅”。它没有过分强调人物的私生活或八卦绯闻，而是将大部分篇幅用于构建一个清晰的“艺术谱系图”。作者非常巧妙地将凯利置于他所处的文化背景之中，探讨了爱尔兰裔美国人的身份认同，以及他对美国文化中“硬汉”形象的重新定义。我发现自己不仅了解了凯利本人，还顺带了解了许多与他同时代的舞蹈家、音乐家和导演，形成了一个立体的、相互影响的艺术生态圈。书中的语言风格非常富有感染力，仿佛作者本人就是他最忠实的拥趸，却又保持着必要的客观距离。尤其在描述他晚年遭受的冷遇和被主流电影界遗忘的那段时期，文字中流露出的那种对艺术良知被忽视的惋惜之情，让我这个局外人都感同身受，读来不禁唏嘘。这本书给予我的，是一种对“幕后英雄”的致敬，它让我们明白，真正的经典，往往需要强大的内在驱动力去对抗潮流的冷漠。读完后，我对所有老派艺术家怀有了一种更深层次的敬意。

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这本书的叙事节奏感简直就像是凯利本人在舞台上编排的舞蹈，充满了张弛有度、高潮迭起的韵律感。开篇的处理就非常抓人，没有平铺直叙地介绍生卒年月，而是直接将读者扔进他职业生涯中某个关键的转折点，那种紧迫感和悬念让人忍不住一口气读下去。作者的文字功底极佳，描绘场景时，仿佛能看到1950年代的好莱坞摄影棚是如何运作的，空气中弥漫着胶片的化学气味和灯光的灼热。无论是他如何克服技术难题，利用最新的宽银幕技术来扩展舞蹈语汇，还是他对服装、布景的每一个细节的把控，都通过生动的语言展现在眼前。它让我这个纯粹的影迷，开始对电影制作的幕后工作产生了浓厚的兴趣。特别是对几个标志性歌舞段落的分解描述，简直可以作为舞蹈教学的案例来研究——是如何通过镜头语言、剪辑节奏来强化情感表达的。读完后，我发现自己对那些电影里的“转场”有了全新的认识，原来每一个看似流畅的过渡背后，都隐藏着如此精妙的计算和无数次的彩排。

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作为一名从小就痴迷于老电影的资深观众，我曾读过好几本关于米高梅黄金时代的文献，但坦白说，很多都流于表面，对歌舞片巨星的关注点常常停留在他们的绯闻和最著名的作品上。而这本书，真正深入到了“技术天才”这个层面。它详尽地记录了他在舞蹈编排、电影剪辑乃至早期电视节目制作方面的先驱性贡献。令人震撼的是，书中对凯利如何不断挑战传统、力求将舞蹈融入叙事核心的努力进行了详尽的梳理。他不仅仅是“跳得好”，更是一个拥有强烈电影制作人愿景的人。我尤其欣赏作者对他在二战后对舞蹈形式进行“去芭蕾化”的讨论，那种将街头元素、体育动作融入高雅艺术的创新精神，在当时是多么具有颠覆性！这本书的侧重点明显偏向于“工作手册”而非“个人日记”，它为那些想了解艺术是如何在严苛的工业体系中诞生和演变的读者，提供了一个绝佳的案例研究对象。它的学术严谨性与大众可读性达到了一个令人惊叹的平衡点。

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说实话，我本来对这种名人传记持保留态度的，总觉得充斥着美化和套话。但这本书的叙事角度非常新颖，它没有把Gene Kelly塑造成一个高高在上的神祇，反而着重刻画了他作为艺术家在创作巅峰期所承受的巨大压力和内在的矛盾。书中关于他执导《一个国王在纽约》以及后期与好莱坞制片厂权力斗争的部分，写得极其精彩，充满了戏剧张力。作者仿佛化身为一名贴身观察者，将他面对创意瓶颈时的焦躁、对完美主义近乎苛刻的追求，以及在家庭生活和艺术追求之间寻求平衡时的挣扎，都剖析得入木三分。这使得人物形象一下子立体了起来，不再是银幕上那个光彩夺目的舞者，而是一个有血有肉、会犯错、会自我怀疑的“人”。我尤其欣赏作者在论述他舞蹈美学变革时所引用的那些学术观点，既不晦涩难懂，又保证了分析的深度，为我理解他为何能带领歌舞片从早期的轻盈走向更具现实主义和力量感的表达，提供了坚实的理论基础。这本书的价值远超一本简单的“八卦”读物，更像是一部关于艺术创新与商业运作之间微妙关系的深度报告。

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这部传记简直是为所有热爱经典好莱坞歌舞片的人准备的饕餮盛宴！我花了整整一个周末才把它读完，每翻一页都仿佛能听到《雨中曲》里那轻快的踢踏声，闻到舞台上洒下的追光灯的热度。作者对凯利早期在百老汇的挣扎和摸索着实下了一番功夫去挖掘，那些幕后的轶事，比如他如何一次次被拒绝，又是如何凭借那股不服输的劲头和惊人的韧性，最终在纽约的霓虹灯下站稳脚跟，被描绘得丝丝入扣。尤其让我印象深刻的是，书中细致地分析了他与弗雷德·阿斯泰尔之间风格上的差异和继承，那种既有古典优雅又不失阳刚之气的舞蹈哲学，让读者对“歌舞巨星”这个头衔有了更深层次的理解。它不仅仅是关于一个明星的生平，更是对一个时代——那个音乐、舞蹈和电影完美融合的黄金年代——的深情回望。读完后，我立刻找出了他所有的代表作，准备再刷一遍，这一次，我将带着更丰富、更立体的视角去欣赏那些看似毫不费力的完美瞬间，因为我知道，每一个跃起、每一次旋转背后，都凝结着难以想象的汗水与智慧。这本书的排版和配图也极其考究，那些泛黄的老照片，瞬间将你拉回那个光影交错的年代，让人爱不释手。

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