谭昌镕的艺术（共2册） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:谭昌镕 绘

出品人:

页数:204

译者:

出版时间:2009-11

价格:388.00元

装帧:

isbn号码:9787541040412

丛书系列:

图书标签:

• 艺术史
• 中国美术
• 谭昌镕
• 绘画
• 艺术理论
• 艺术批评
• 近现代艺术
• 美术史
• 艺术作品
• 艺术研究

探寻丹青与笔墨的深邃世界 《中国古代绘画史》：一部穿越时空的艺术长卷 内容提要： 《中国古代绘画史》是一部系统梳理和深入剖析中国绘画自史前萌芽至清代衰落的宏伟画卷。本书不仅仅是对历代名家作品的简单罗列，更是一部融入了社会变迁、哲学思想、文人精神和审美取向的综合性艺术史论著。它以严谨的学术态度和流畅的叙事笔触，带领读者走进一个充满生命力的视觉文化殿堂。 第一卷：源头与奠基（史前至唐代） 本书的开篇追溯至新石器时代的岩画与陶器纹饰，探讨了中国艺术的最初基因。随后，重点聚焦于魏晋南北朝时期，绘画开始从实用性装饰向独立艺术门类的转变。顾恺之、陆探微等人的“传神写照”理论，为后世奠定了人物画的理论基石。 进入唐代，盛世气象催生了绘画的辉煌。本书详尽分析了吴道子“吴带当风”的笔法革新，李思训、李昭道父子的青绿山水，以及阎立本、周昉、韩干等人在不同题材领域取得的巅峰成就。特别指出唐代佛教艺术（如敦煌壁画）对人物造型和色彩运用的巨大贡献，以及文人画观念的初步孕育。 核心章节剖析： 线条的哲学： 探讨战国至唐代“十八描”等描法的发展，如何将线条提升为具有独立表现力的符号语言。 色彩的语境： 分析唐代矿物颜料在壁画和帛画中的应用，以及其所承载的宗教与世俗意义。 山水初醒： 剖析六朝至初唐山水画的演变轨迹，从早期的“高远”“深远”布局理念初探。 第二卷：成熟与高峰（五代、宋、辽、金、元） 宋代是中国绘画史的黄金时期。本书将宋代绘画置于理学兴起、院体制度完善的时代背景下考察。对北宋“范宽之雄伟、郭熙之变化、李唐之雄健”进行了细致的比较研究。着重阐述了徽宗时期花鸟画的写实主义巅峰，以及文人画（士大夫画）在这一时期的独立和崛起。 辽、金时期的绘画被置于多元文化交融的视角下进行审视，而非简单视为中原王朝的附庸。 元代，水墨语言的成熟和文人画精神的最终确立是研究的重中之重。本书深入探讨了“元四家”（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）如何借山水表达对时局的隐忍与对古人风骨的继承。对于赵孟頫“书画同源”理论的系统梳理，构成了对后世书画鉴赏方法论的深远影响。 核心章节剖析： 院体的规范与超越： 分析宋代翰林图画院的体制化对绘画技艺的磨砺作用，以及院体画家如何在遵循规制的同时实现个人风格的突破。 墨韵的革命： 深入探讨元代文人画中，如何通过浓淡干湿的变化，使水墨取代色彩成为表达画家内心情绪和学养的主要媒介。 笔墨的文人化： 考察山水、竹石等题材如何成为士大夫阶层进行精神交流与自我修养的载体。 第三卷：转型与整合（明清） 明代绘画呈现出明显的复古与创新并存的态势。本书将明代分为早期（院体余韵）、中期（吴门画派的鼎盛与“个性”的张扬）和晚期（董其昌的“南北宗”论及其影响）。对仇英的工整、文徵明的温润、唐寅的洒脱等不同风格进行了归类和比较。 清代，特别是康熙、雍正、乾隆三朝，宫廷艺术达到了新的高度，但也面临着传统技法固化的问题。本书将重点分析“四王”的集大成与程式化，以及以“四僧”（石涛、八大山人等）为代表的个性化表达的强烈回归。石涛的“笔墨当随时代”成为了中国绘画进入近现代转折期的重要宣言。 核心章节剖析： 吴门画派的地域性与学术性： 分析以沈周、文徵明为代表的江南文人，如何将宋元传统融会贯通，形成清晰的学术谱系。 董其昌的理论霸权： 探讨“南北宗”理论的形成背景及其对明末清初画坛产生的巨大导向性作用，以及对后世鉴赏标准的影响。 个性解放的呐喊： 剖析八大山人、石涛等在满清统治下，如何通过变形、夸张乃至怪诞的笔法，表达其复杂的内心世界和民族情感。 总结： 《中国古代绘画史》不仅是一本工具书，更是一部关于中国人“看世界”方式的演变史。它以严谨的断代划分和深入的个案分析，构建了一个立体的、可供探索的中国古代绘画知识体系，是历史学者、艺术爱好者和专业研究人员不可或缺的深度阅读材料。 《书法艺术的流变与审美范式》：笔墨间的千年对话 内容提要： 《书法艺术的流变与审美范式》聚焦于汉字书写从实用工具蜕变为独立艺术门类的完整历程。全书以时间为轴，以风格流派为纲，精细考察了不同历史时期书写材料、社会功能和文人精神对字体结构和笔墨趣味的塑造。本书旨在揭示书法“中和之美”背后蕴含的哲学意趣和文人士大夫的生命情怀。 第一章：篆隶之基——形体的古朴与规范 本章追溯至甲骨文、金文，阐述汉字形体如何从具象向符号化发展。重点剖析了秦朝的小篆规范对后世“正书”的奠基作用，以及隶书在汉代由“曲”变“平直”过程中所体现的时代精神——从古朴的雄强向成熟的结构过渡。对汉代碑刻（隶书的黄金时代）的分析，突出其浑厚拙朴的审美趣味。 核心内容： 金文的钟鼎之气： 探讨青铜器铭文的书写特点及其在宗法礼制中的地位。 隶变的关键意义： 分析蚕头雁尾的结构如何为后世楷书的横、竖、撇、捺等基本笔画提供了结构基础。 第二章：楷书的定型与神采——法度中的自由 楷书（真书）的成熟标志着中国书法的完全确立。本书详细梳理了从钟繇、王羲之到欧阳询、虞世南、褚遂良、薛稷等历代楷书大家的风格异同。尤其强调“二王”（王羲之、王献之）在笔法上的集大成，他们如何将隶书的笔意融入楷书，形成既严谨又灵动的“妍美流便”新风尚。 对唐代楷书的“尚法”阶段进行了深入研究，分析了颜真卿的雄浑正大与柳公权的劲健瘦硬，揭示了盛唐气象如何通过笔力遒劲的书法得以体现。 核心内容： “二王”的传承与创新： 探究《兰亭集序》所代表的“中和之美”的审美范式及其对后世书风的影响。 唐代楷书的流派分野： 对颜、柳、欧、褚等风格的异同进行对比分析，探讨如何在外在法度下实现内在精神的表达。 第三章：行草的抒情与意趣——笔墨的即兴演奏 行书和草书是展现书法家性情与学养的舞台。本书将行书视为楷书与草书之间的桥梁，既有清晰的结构，又不失流动的笔意。 草书部分则分为章草、今草和狂草三个阶段。对张芝的“今草”革新，以及唐代张旭、怀素的“颠张醉素”进行了重点论述，分析其如何通过夸张的连带、大幅度的提按，将书写行为推向了近乎舞蹈和音乐的表现层面。 核心内容： 行草的连带与气韵： 研究笔断意连的技巧，以及如何通过墨色的变化来表现书写时的速度和情绪波动。 狂草的审美价值： 探讨唐代狂草如何超越字义本身，成为一种纯粹的、具有强烈个人主义色彩的造型艺术。 第四章：宋元的转向与明清的争鸣 宋代书法呈现出明显的“尚意”倾向。苏轼提倡的“我意”压倒古法，黄庭坚的“长枪大戟”，米芾的“刷字”，共同构成了宋人追求自然天趣和个性解放的时代特征。 元代，赵孟頫的“复古”主张，强调“有笔有墨有法度”，对宋人过度强调“意”的弊端进行了矫正，促进了对晋唐笔法的回归。 明清时期，书法艺术进入了多元化与程式化的复杂阶段。本书重点分析了明代中晚期文徵明等人的“台阁体”影响下的工整风尚，以及晚明徐渭、董其昌在继承前人基础上，对笔墨语言的进一步探索。清代碑学兴起，碑帖之争成为引领书坛风向的重要议题。 总结： 《书法艺术的流变与审美范式》提供了一套成熟的理论框架，用以理解中国书法从实用到艺术、从规范到个性的完整发展脉络。读者将能清晰把握历代大家如何以方寸之间的黑白，构建起一个关于秩序、自由、情感和哲学的宏大叙事体系。

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坦白说，这本书对我个人创作实践的启发是立竿见影的。它没有直接给出“怎么画”的模板，而是深入探讨了“为什么这样画”背后的动机和情感驱动力。尤其是关于构图的章节，作者分析了一些经典作品的布局，揭示了潜藏在视觉平衡背后的心理学原理，这对我以往过于依赖直觉的创作习惯，是一个有力的修正。读完后，我立刻尝试运用书中提到的新视角去审视和调整我手头正在进行的项目，发现作品的深度和感染力都有了显著的提升。这是一本真正能够“用起来”的艺术参考书，实操性与理论深度完美结合，推荐给所有在创作道路上寻求突破的同行者。

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我发现这本书在介绍艺术史脉络和流派演变方面做得极其出色。它没有那种枯燥的教科书式的叙述，而是将复杂的历史背景与艺术家的个人命运巧妙地结合起来，使得整个艺术史的进程变得生动有趣，富有戏剧张力。通过对不同时代背景下艺术思潮的梳理，我清晰地看到了艺术是如何回应社会变迁的。作者在穿梭于不同时期风格时，展现了惊人的洞察力，总能准确地指出某个关键转折点。对于希望系统性了解艺术发展脉络，但又害怕陷入陈词滥调的读者，这本书提供了一个非常立体和鲜活的视角。

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这套书真是让我大开眼界，尤其是对绘画艺术的探索，简直是翻开了新世界的大门。作者的笔触细腻入微，对光影和色彩的把握达到了令人惊叹的程度。我尤其喜欢他对自然景观的描绘，那种身临其境的感觉，仿佛我正站在他所描绘的场景中，呼吸着那里的空气。书中的许多技法分析非常深入，对于想提高自己绘画水平的读者来说，简直是宝典级的存在。他不仅仅是在展示作品，更是在分享一种观察世界的方式。我花了好几天时间才勉强吸收完前一小部分内容，但那种充实感是无与伦比的。如果你对传统艺术的精髓有追求，并且不满足于表面的欣赏，这本书绝对值得你细细品味。

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装帧和印刷质量简直是艺术品本身！作为一套珍藏级别的书籍，它在视觉上就给予了读者极大的满足感。纸张的质感厚实而温润，色彩的还原度极高，即使是那些细节丰富的作品照片，也清晰可见，纹理分明。翻阅时，那种触感和视觉的完美结合，让阅读过程变成了一种享受。尤其是一些大幅面的作品插图，占据整页甚至跨页，震撼力十足，让人忍不住想去触摸屏幕上那凝固的瞬间。对于一个热爱实体书的收藏者来说，这套书的硬件条件足以让人感到物有所值，绝对是书架上的一颗璀璨明珠，即便是摆放着，也是一种美的享受。

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阅读体验堪称一场心灵的洗礼。我一直以为自己对艺术有一定了解，但读完这本关于艺术理论和创作哲学的部分，才发现自己之前的认知是多么的片面和浅薄。作者的文字功力同样了得，行文流畅却不失深刻，很多观点犀利独到，直击艺术本质。其中关于“意境”的探讨，让我对东方美学的理解提升了一个层次。那些复杂的理论经过他的阐述，变得清晰易懂，但绝不流于肤浅的口号。我时常需要停下来，合上书本，去回味那些富有哲理的句子，那种被高远思想触动的感觉，让人久久不能平静。这本书不仅是艺术指南，更是一部关于人生和审美的哲学著作。

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