青绿山水-中国画学谱.山水卷 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:河南美术

作者:祁恩进

出品人:

页数:20

译者:

出版时间:2010-2

价格:10.00元

装帧:

isbn号码:9787540119737

丛书系列:

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山水画的传承与探索：一部关于中国传统山水艺术的深度研读 在中国浩瀚的艺术史中，山水画以其独特的哲学意蕴和审美追求，占据了举足轻重的地位。它不仅是描绘自然风光的技法集合，更是中国人对宇宙、生命以及人与自然之间关系的深刻体悟的视觉载体。本书，并非聚焦于某一特定流派的技法解析，而是致力于构建一个宏大而精微的叙事框架，带领读者穿越时空的迷雾，深入探究中国山水画的演变脉络、核心精神与当代表达。 第一部分：源起与肇始——从早期图绘到“可游、可居、可观”的境界 中国山水画的萌芽可以追溯到遥远的史前时代，但其作为独立画科的成熟，是一个漫长而复杂的历史过程。本卷首先考察了魏晋南北朝时期，随着玄学和道家思想的兴盛，山水题材开始从辅助人物或花鸟中脱离出来，逐渐成为表达主体精神的媒介。顾恺之、宗炳的理论奠定了“卧游山水”的初始观念，强调画作是心灵栖息之所。 进入隋唐，山水画的格局得以确立。李思训的青绿山水以其富丽堂皇的色彩和严谨的构图，展现了盛唐的气象。而荆浩、关仝等“北派”巨匠的出现，则标志着山水画开始关注北方山川的雄伟与磅礴，侧重于“笔墨”而非单纯的“颜色”，为后世的宏大叙事奠定了基调。 第二部分：格局的定型与精神的内化——宋代的“格物致知”与文人画的崛起 宋代是中国山水画的黄金时代。徽宗朝的翰林图画院，汇集了范宽、郭熙等大家，他们以极高的写实功力与对自然规律的深刻洞察力，将山水画推向了写实主义的巅峰。范宽的《溪山行旅图》中那种令人敬畏的巨大体量感，郭熙在《早春图》中对“可行、可望、可游、可居”的理论阐释，都体现了宋代士大夫阶层“格物致知”的求真精神。 然而，随着理学的兴起和对功名利禄的反思，山水画的重心开始向内在精神转移。以苏轼、文同为代表的文人画家，强调“论画以形似，见与鄙夫不别也”，主张“不求形似，但求神似”。他们将绘画视为抒发性情、寄托学问的工具，确立了“以书入画”的基本原则。米芾父子的“墨戏”探索，更是将水墨的晕染、渗透等特性发挥到极致，为元代水墨画的发展铺平了道路。 第三部分：水墨的极致与笔墨的文心——元、明、清的流变与风格的成熟 元代，在异族统治的背景下，山水画的文人化进程加速。黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙“元四家”不再过多关注自然界的精确再现，而是专注于用笔墨的提炼来表达个人的襟抱与气质。倪瓒的“疏简”之风，王蒙的“郁密”之态，形成了鲜明的对比，但共同指向了笔墨即是心性的表达。 明代山水画呈现出多元化的面貌。以吴门画派为代表的文人传统得以继承和发扬，沈周、文徵明的温润典雅，体现了江南文化的细腻。与此同时，浙派的戴进等人则保持了宋院体中斧劈皴法的力量感，展现了对传统的兼收并蓄。晚明时期，董其昌提出的“南北宗论”，虽然在历史语境上存在争议，但它清晰地梳理了山水画的两种核心审美取向——以董源、巨然为代表的“以墨为主”的内在派，以及以李思训为代表的“以色为主”的外在派，对后世的评判标准产生了深远影响。 清代初期，四王（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）遵循董其昌的理论，致力于“集大成”，将前代名家的笔法精髓熔铸一炉，形成了一种典雅、规范化的程式。然而，正是在这种程式化的背景下，以“四僧”（弘仁、髡残、朱耷、石涛）为代表的个性化探索者，则以其强烈的反叛精神和独特的笔墨语言，对传统进行了激烈的批判与重构。特别是石涛“一画论”中对“无法而法”的强调，开启了对笔墨主体性的极致探索。 第四部分：走向现代——山水画在当代的语境与新生 进入近现代，中国山水画面临着前所未有的挑战与机遇。西方透视学、素描体系的引入，对传统“散点透视”构图体系造成了冲击。然而，真正的创新并非是对传统的简单抛弃，而是如何在新的时代背景下，激活传统笔墨的生命力。 本书的后半部分，侧重于探讨二十世纪至今，山水画家们如何回应时代变迁。他们尝试在水墨的晕染中融入现代抽象的观念，如何在保持对山川大地敬畏的同时，表达现代都市生活的情绪与焦虑。讨论将涵盖从徐悲鸿、张大千到李可染、傅抱石等大家，如何各自在继承与变革的道路上，为山水画注入了新的时代精神与国际视野。 最终，本书旨在提供一个全面的、非武断的视角，去理解山水画的“道”与“术”：道，是古人寄托的宇宙观、人生观；术，是千百年来笔墨技法在纸绢上留下的痕迹。通过对这一脉络的梳理，读者可以更深刻地体会到，山水画何以成为中华文化中最具韧性与生命力的艺术形式之一。它不是一张张静止的风景画，而是流淌着东方哲学精神的生命图谱。

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这本书的整体布局和编排，我觉得非常合理，对于初学者来说，简直是福音。它从最基础的笔墨技巧讲起，循序渐进，一步步引导读者深入了解山水画的创作过程。每一部分的讲解都配有大量的范例图，而且这些范例图的质量都非常高，清晰地展示了作者想要表达的技法要点。我特别喜欢作者在介绍各种技法时，都会配上“分解图”或者“步骤图”，这样一来，即使是零基础的读者，也能清晰地看到每一步是如何操作的，非常容易理解和模仿。而且，书中的文字讲解也通俗易懂，没有使用过多晦涩难懂的专业术语，这使得非专业人士也能轻松阅读。我常常会在自己练习的时候，对照书中的图例，一步一步地跟着做，感觉收获非常大。这种结构清晰、内容详实的画谱，极大地降低了学习山水画的门槛，让我能够更自信地迈出创作的第一步。

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这本书在色彩的运用上，给我留下了深刻的印象。作者对“青绿”二字的诠释，不仅仅是简单的颜色叠加，而是一种对自然色彩的深刻体悟和艺术化处理。你看那些山峦，层层叠叠的墨绿色，与淡淡的赭石、石青、石绿巧妙地结合在一起，形成了一种和谐而富有生命力的色彩体系。作者并没有追求过于鲜艳、刺目的色彩，而是通过对不同颜色深浅、冷暖的微妙调整，营造出一种宁静、典雅的东方美学韵味。我尤其欣赏作者在表现水边景物时的色彩运用，那些水面的倒影，波光粼粼，色彩斑斓，既真实又富有诗意。还有那些被云雾笼罩的山峰，色彩显得更加柔和、朦胧，仿佛置身于仙境一般。这种对色彩的独特理解和运用，使得画面不仅具有很强的观赏性，更能够传达出一种深邃的情感和意境。每次翻阅这本书，我都会被它那淡雅而富有生命力的色彩所吸引，仿佛能够从中感受到大自然那份独特的魅力。

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这本书的光影处理真是让我叹为观止，尤其是对那种朦胧的晨雾和夕阳余晖的描绘，简直如同身临其境。作者对于不同材质的山石、植被的质感把握得非常到位，你看那苍劲的老松，树皮的纹理、针叶的疏密，无一不透着生命力；还有那嶙峋的岩石，层层叠叠的岩缝，仿佛都能听到风吹过的呼啸声。更绝的是，作者在表现水的时候，无论是奔腾的瀑布，还是静谧的溪流，都捕捉到了那份动态与灵动。瀑布的水花四溅，飞珠落玉，给人一种震撼的力量感；而溪流则蜿蜒曲折，清澈见底，倒映着岸边的景物，宁静致远。整本书就像是一场视觉的盛宴，每一页都值得细细品味，反复揣摩。我特别喜欢作者在处理远景时那种意境的营造，寥寥几笔，山峦起伏，云雾缭绕，却能勾勒出无限的空间感和深邃的意境，让人不禁心生向往。这种对自然景象的细致入微的观察和精湛的技法，无疑是对中国山水画精髓的深刻理解和传承。我常常会花上好几个小时，对着书中的画作发呆，想象自己就置身于那青山绿水之间，感受那份宁静与和谐，仿佛所有的烦恼都被这壮丽的山河所洗涤。

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这本书在“笔墨趣味”的展现上，的确达到了极高的水准。作者在不同的笔触运用上，赋予了山水不同的“表情”。例如，用“干笔皴擦”，能够表现出山石的苍老与坚毅；用“湿笔渲染”，则能营造出云雾的飘渺与朦胧。而那些“飞白”的运用，更是为画面增添了许多灵动与节奏感，仿佛能听到笔尖划过宣纸发出的沙沙声。我尤其喜欢作者对“勾勒”的处理，有时是刚劲有力的“铁线描”，勾勒出挺拔的山峰；有时是流畅婉转的“兰叶描”，描绘出婀娜的树枝。这些不同的线条，如同音乐的旋律，赋予了画面丰富的表现力。书中的范例，更是将这种笔墨的趣味发挥得淋漓尽致，每一笔都充满了力量与美感，仿佛能感受到画家挥洒笔墨时的那份畅快与激情。我常常会在练习的时候，尝试模仿这些不同的笔触，体会其中的变化，这让我对笔墨的理解更加深刻。

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这本书让我对中国画的“师承”有了更直观的认识。作者在书中提到了许多古代名家的创作理念和技法，并且通过大量的对比和分析，展现了不同时代、不同流派山水画的发展脉络。我特别喜欢作者在分析这些名家作品时，那种抽丝剥茧的严谨态度，既能抓住作品的核心精神，又能深入剖析其技法上的独到之处。通过阅读这本书，我仿佛能够看到中国山水画在历史长河中演变的身影，了解到那些伟大的画家们是如何在前人的基础上不断创新和突破的。这种对“师承”的学习，不仅仅是模仿，更是一种对艺术精神的传承和发扬。我常常在学习过程中，会去查找书中提到的那些古代名家的作品，将它们与书中的范例进行对比，这让我能够更深刻地理解作者的讲解，也更能体会到中国山水画的博大精深。

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这本画谱对中国画中“笔墨”的讲解，我觉得非常透彻。作者对不同笔法的运用，比如“皴法”，各种“披麻皴”、“斧劈皴”、“马牙皴”的细致演示，让我对如何表现山石的肌理有了更深刻的认识。每一种皴法都有其独特的表现力，作者通过大量的实例，展示了如何根据山石的形态、质地选择最合适的皴法，让画面既有视觉冲击力，又不失写实感。我特别喜欢作者对“点”的运用，那些点，有时是树叶，有时是苔藓，有时是人物，它们看似随意，实则精心安排，既丰富了画面，又增添了趣味性。墨色的浓淡干湿变化，更是被作者运用得淋漓尽致，有时是“焦墨”，勾勒出坚实的轮廓；有时是“湿墨”，晕染出朦胧的山峦；有时是“渴笔”，表现出苍劲的线条。这种对墨色的精准掌控，使得画面富有层次感和立体感，充满了东方特有的水墨韵味。我常常会对着书中的范例，尝试模仿，虽然一时难以达到大师的境界，但每一次的练习，都能让我对笔墨的理解更上一层楼。

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这本书在细节描绘上，给我留下了深刻的印象。作者对于山水画中的“点景人物”的处理，简直是妙趣横生。这些人物虽然在画面中占比不大，却起到了画龙点睛的作用，让原本宁静的山水增添了许多生气和故事感。你看那些在山间行走的人，或负重前行，或悠然垂钓；那些在亭中饮酒的人，或谈笑风生，或静思冥想。他们虽然只是寥寥数笔，却个个形象生动，表情丰富，仿佛都能听到他们的谈笑声。作者对于这些人物的比例、姿态、服饰都有着细致的刻画，使得画面更加真实可信。我特别喜欢作者在表现这些人物与环境的互动时所展现出的巧妙构思，比如，一个人坐在溪边钓鱼，水面泛起涟漪，鱼线在水中微微晃动，充满了生活气息。这种对细节的关注，使得画面更加生动有趣，也更能引起观者的共鸣。

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这本书对于中国画中“意境”的探讨，是我最受触动的部分。作者不仅仅是在教授绘画技法，更是在引导读者去体悟中国传统文化中“天人合一”的思想。画面中的山水，不仅仅是客观景物的描绘，更是画家内心世界的一种投射。你看那些孤高的山峰，象征着不屈的精神；蜿蜒的溪流，代表着生命的韧性；云雾缭绕的远山，则充满了哲思的意味。作者通过笔墨和色彩的巧妙结合，将一种难以言喻的哲学思考融入到画面之中，让观者在欣赏美景的同时，也能引发对人生、对自然的深刻感悟。我尤其喜欢那些描绘文人雅士在山水间游历的场景，他们或临风而立，或抚琴品茗，与大自然融为一体，展现出一种超然物外的精神境界。这种对“意境”的追求，使得中国山水画不仅仅是视觉的艺术，更是一种精神的寄托。

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这本书在构图上的处理，着实给了我很多启发。作者对于“虚实相生”的运用达到了炉火纯青的地步。你看那些留白，看似简单，却能让画面呼吸，让观者有想象的空间。比如，在描绘巍峨的山峰时，作者并没有将山体完全铺满，而是留下了大片的云雾，这些云雾不仅衬托了山峰的雄伟，更增添了神秘感和层次感。而那些点缀在画面中的小舟、茅屋，虽然体积不大，却起到了画龙点睛的作用，让画面变得生动起来，也赋予了山水画勃勃生机。我尤其欣赏作者在处理前景、中景、远景之间的关系时所展现出的高超技巧。近处的景物描绘得细致入微，色彩饱满，逐渐向远景过渡，色彩和笔触则变得淡雅、疏朗，形成一种空间上的纵深感，仿佛真的能一步步走进画中的世界。这种构图上的巧妙安排，不仅仅是技术上的体现，更是作者对自然界空间布局的深刻理解和艺术化的再现。我常常在构思自己的创作时，会不自觉地翻开这本书，寻找灵感，学习作者是如何通过构图来引导观者的视线，如何通过留白来营造意境的。

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