Me and Orson Welles pdf epub mobi txt 电子书下载 2026

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出版者:

作者:Kaplow, Robert

出品人:

页数:288

译者:

出版时间:2009-11

价格:95.00元

装帧:

isbn号码:9780099540199

丛书系列:

图书标签:

Orson Welles
戏剧
电影
成长
1960年代
自传
演员
舞台
文学
回忆录

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具体描述

SPECIAL TIE-IN EDITION INCLUDES EXCLUSIVE IMAGES FROM THE FILM Richard is a 17-year-old kid from New Jersey with the gift of the gab and an eye for the ladies. He’s bored with school and dreams of making it big in the dazzling world of 1930s Manhattan. This is the story of one week in Richard's life, when he miraculously gets a part in a history-making production of Shakespeare's Julius Caesar at the Mercury theatre, New York. It's the week falls in love, and falls out of love again; it's the week he changes his middle name - twice. It's also the week he meets the colossally talented, fearsomely charming, soon-to-be-superstar Orson Welles. After this week, Richard's life will never be the same again.

永恒的回响：一册关于早期电影先驱者的厚重著作书名：永恒的回响：早期好莱坞的革新者与流变作者：[此处留空，意指作者并非关键，或由学术机构汇编] 出版社：[此处留空，意指专注于历史研究的严肃出版机构] 页数：约950页导言：银幕黎明前的喧嚣与奠基本书并非聚焦于某一位特定艺术家的个人传记，而是深入剖析了二十世纪二十年代至三十年代初期，美国电影工业从无声向有声转型的关键十年间，那些推动技术与艺术边界的无名英雄与时代巨擘。我们试图重建的，是一个充满野心、技术突破与美学冲突的熔炉。在这个熔炉中，现代电影的面貌被铸就，无数后来被奉为圭臬的叙事手法、布景设计和场面调度逻辑，都在这次剧烈的产业变革中诞生、实验并最终定型。我们关注的焦点在于“机构”的演变——制片厂体系的形成、发行网络的垄断，以及声音技术如何彻底颠覆了表演艺术的规范。这是一个关于资本、技术专利与创意阶层博弈的故事，而非仅仅是光影魔术的浪漫想象。第一部：无声的帝国与技术地震（1920-1927）本部分追溯了好莱坞黄金时代到来之前的权力结构。我们详细考察了派拉蒙、米高梅、福克斯等早期制片巨头如何通过垂直整合，实现了从内容生产到院线发行的全面控制。研究侧重于制片人阶层（如塞缪尔·戈德温、亚瑟·弗里德）的崛起，他们是如何在缺乏统一艺术指导的情况下，建立起一套以效率和市场需求为核心的生产流程。重点章节包括对早期“星探”制度的解构：这些早期的人才猎手如何利用摄影棚的保密文化，将演员塑造成符合大众幻想的符号，而非独立的艺术家。我们分析了美国电影学会（MPA）在道德审查方面扮演的先驱角色，以及这种自我监管如何为后来的“海斯法典”埋下了制度的种子。更具技术细节的是对早期视觉语言的研究。我们没有满足于仅仅提及格里菲斯或塞内特对蒙太奇的应用，而是深入探讨了早期摄影师工会（IATSE）内部对曝光时间、景深控制以及镜头运动的争议。例如，早期对“特写镜头”（Close-Up）的采纳，最初被视为一种廉价的感官刺激，而非叙事工具，直到特定导演群体开始有意识地将其武器化。第二部：声音的入侵与艺术的阵痛（1927-1932）这是全书最为紧张的篇章。声音技术的出现并非一蹴而就的胜利，而是一场毁灭性的技术革命。我们拒绝将《爵士乐之歌》视为终点，而是将其视为起点。本部分集中研究了光电录音技术（如福克斯的Movietone和维塔的Vitaphone）从实验室走向影院的复杂过程。我们详细记录了各个制片厂在转型期的财务挣扎与战略抉择。一些依赖欧洲市场或专注于高雅艺术的制片公司，因未能迅速适应有声片的成本结构而迅速衰落。对表演者的影响是灾难性的，大量凭借肢体语言和面部表情征服观众的无声片巨星，因其口音、嗓音条件或无法适应有声片中僵硬的表演模式而被无情淘汰。我们收集了大量来自早期声乐教练、录音工程师的访谈记录（后经解密），还原了演员们在简陋的隔音箱中经历的心理折磨与职业危机。在艺术层面，声音的引入一度导致了创作的倒退。大量早期的有声片充斥着笨拙的对白和固定机位的“话剧式”拍摄，以确保麦克风能够捕捉到声音。本书详尽分析了那些力图打破这种僵局的先驱者，他们如何秘密地在片场开发出更灵活的麦克风悬挂系统，并重新引入了移动摄影，使声音元素开始服务于画面叙事，而非主宰它。这包括对早期歌舞片（Busby Berkeley式布景出现之前）技术局限性的批判性考察。第三部：类型片的固化与工业的成熟（1933-1939）随着技术难题的解决，好莱坞进入了经典类型片生产的阶段。本书的最后部分探讨了在“海斯法典”全面生效后，创意如何被规范化。我们研究了“摩登家庭喜剧”、“社会问题剧”和“犯罪惊悚片”这三种核心类型是如何在严格的内容限制下，找到表达潜在社会焦虑的微妙出口。我们特别关注了“照明的政治学”。在黑白胶片上，光影不再仅仅是烘托气氛的手段，而是成为一种制度化的叙事语言。我们分析了三点布光法的普及如何成为一种标准化的视觉美学，以及它如何服务于制片厂希望观众看到的“清晰、可控”的世界观。最后，本书对早期电影的国际影响进行了初步探讨。在欧洲电影艺术运动（如德国表现主义）在本土遭遇政治动荡而衰微之际，好莱坞如何吸收了这些流亡艺术家的技术和美学理念，并将其转化为更具商业性的包装产品，最终确立了其全球主导地位。结语：被遗忘的复杂性《永恒的回响》旨在将观众的目光从那些被神化的少数巨星身上移开，投向那些在技术幕后、财务决策和初期美学争论中发挥关键作用的、更复杂、更具争议性的历史参与者。这是一部关于制度如何塑造艺术，以及艺术如何在制度的夹缝中寻求突破的通史研究。它提醒我们，伟大的电影诞生于混乱而非有序的创作过程，其基础是无数次失败的试验与资本的残酷权衡。