具体描述
《动画美术设计基础》以最新高职高专教学大纲为基础，以任务驱动教学法为指导思想，以实际案例教学为主要内容，基础理论与实际操作相结合，全面讲述了动画美术设计的原理与方法。理论部分帮助学生快速了解动画的生产流程、工艺规范以及绘制技巧，操作练习部分选用大量的动画制作案例，配合分析讲解，指导学生亲自设计实践，全面提高动手能力，掌握实用技能。《动画美术设计基础》是特为二维动画专业方向的学生量身定做的美术设计基础教程，还可做为电脑动画、游戏设计与制作、影视包装等相关专业的公共基础课教程。
全书分为六章，第一章主要概述动画的产生和原理，第二章主要介绍动画制作的工具、软件，后面四章分别讲解造型设计、动作设计、背景设计、道具设计等内容。其中前两章是理论基础，入门内容，后四章是教学重点，在学习过程中，要注意多看多练，逐步提升设计能力。
《动画美术设计基础》是高职高专动画专业教材，也可做为动画专业工作者和爱好者的自学用书。
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用户评价
不得不说，《动画美术设计基础》这本书，它真正做到了“化繁为简”的功力，将一些抽象的概念，通过非常具象化的方式呈现出来。我之前学习一些基础的造型原理，常常会感到枯燥乏味，因为很多讲解都过于理论化，而且缺乏实践指导。但这本书，它在讲解每一个概念的时候，都会配以大量的图例，而且这些图例都非常精炼，能够一针见血地说明问题。比如，在讲到“透视”的时候，它不会上来就讲什么“一点透视”、“两点透视”，而是通过一些非常生活化的例子，比如街道、房间，来让你直观地感受到透视的变化。然后，它会引导你去观察，在不同的视角下，物体是如何变形的，线条是如何收敛的。而且，这本书非常注重“空间感”的营造。它会教你如何通过景深、前景、中景、后景的层次划分，以及物体的大小对比、虚实关系，来让你的画面拥有立体感和深度。我印象特别深刻的是，书中有一个章节讲“构图”，它并没有直接给出所谓的“黄金分割”之类的公式，而是通过分析大量优秀作品的构图，来让你体会到“视觉引导”、“画面平衡”、“重心分布”等概念。它鼓励你去尝试不同的构图方式，去感受不同的构图会给画面带来怎样的视觉冲击力。通过这本书，我才真正理解了，为什么有些画面看起来那么舒服，那么有吸引力，而有些画面却显得杂乱无章。它让我明白，构图不仅仅是把东西摆在画面里，更是一种对观众视觉心理的引导和把控。
评分一本真正能让你从零开始，甚至可以说是从“无”到“有”的动画美术设计入门书。我拿到这本书的时候，其实心里是没底的，毕竟美术这东西，感觉是很玄乎的，加上“动画”这个词，更是觉得门槛很高。但这本书真的不一样，它没有上来就讲什么复杂的透视原理或者光影法则，而是从最最基础的“形状”开始讲起。它会告诉你，一个角色、一个场景，拆解开来，其实都是由最基本的几何图形组成的，比如圆形、方形、三角形。然后，它会引导你去观察生活中的各种物体，尝试用这些简单的图形去概括它们，再一点点地加入细节。我记得里面有一个练习，是画一个水杯，作者居然用了好几种方法来分解，从最简单的圆柱体，到加入手柄，再到表现玻璃的透明感和光泽。这个过程让我觉得，原来画画并不是什么天赋异禀的事情，更多的是一种观察和分解能力。而且，它还非常注重“设计”这个词，不仅仅是“画”出来，更要“设计”出有用的、有情绪的、符合故事背景的。比如，在设计角色的时候，它会教你怎么通过服装的廓形、配饰的细节来暗示角色的性格，甚至是通过颜色来传达情绪。我之前总觉得美术是那种“凭感觉”的事情，但这本书让我明白，很多时候，好的设计是有理可循的，是有逻辑的。它会让你思考，为什么这个角色要穿这样的衣服？为什么这个场景要用这样的色彩搭配？这种思考的过程，比单纯的模仿要来得更有价值。这本书的排版也很舒服，图例很多，而且都很清晰，不像有些书，图那么小，看得我眼疼。每章的结尾都有一些小练习，让你马上就能动手实践，这点真的太棒了。我按照书上的方法练了一段时间，感觉自己的观察力提升了不少，也敢于去尝试画一些以前觉得不可能画的东西了。
评分这本书对我最大的启发，在于它如何将“动态”的概念融入到静止的画面设计中。我们都知道，动画本身就是动态的艺术，即使是一张静态的插画，也应该蕴含着“潜在的运动感”。《动画美术设计基础》这本书，它在讲解“人物造型”和“场景设计”的时候，都反复强调了“动态”的重要性。在人物设计方面，它会教你如何通过角色的身体姿态、重心转移、四肢的舒展程度，来表现角色的活力和动作感。即使是一个站立的角色，也能通过他微小的倾斜、手臂的摆动，来暗示他即将迈出脚步，或者刚刚完成一个动作。在场景设计方面，它会引导你思考，这个场景是否“静止”？是否可以加入一些“动态元素”来打破沉闷？比如，一阵微风吹过树叶的摆动，水面的涟漪，或者远处飞过的鸟儿，这些细微的动态都能让画面“活”起来。书中还有一个章节专门讲“节奏感”，它将音乐的节奏感类比到视觉艺术中，教你如何通过线条的疏密、形状的大小、色彩的对比，来营造画面的节奏和韵律。这让我意识到，好的设计不仅仅是“好看”，更重要的是“有生命力”。通过这本书，我开始尝试在我的作品中注入更多的“动态感”，让画面不仅仅是静态的图像，而是一个能够让你感受到时间流淌、事物发展的“瞬间”。
评分我不得不承认，《动画美术设计基础》这本书，它真的是为“思维方式”的转变而生。很多时候，我们学习美术，往往停留在“模仿”的层面，看到好看的就去临摹，却很少思考“为什么”好看。这本书，它恰恰是在引导你去“思考”。它不仅仅是教你“怎么画”，更重要的是教你“怎么去设计”，怎么去“用视觉语言来表达”。它会让你从一个“画者”的角色，转变为一个“设计师”的角色。它会让你开始思考，你所画的每一个元素，是否有存在的意义？它是否服务于整体的构图和故事？它是否能够有效地传达你的意图？这种思维方式的转变，是学习任何设计类知识的基石。书中有很多引导性的问题，会让你主动去思考，去探索。比如，“你希望通过这个角色传达怎样的情感？”，“这个场景的氛围应该是什么样的？”，“你想要观众看到这个画面时，产生怎样的联想？”。这些问题，会促使你超越表面的技法，去触及设计的本质。这本书让我明白，美术设计不仅仅是关于技巧的堆砌，更是关于如何通过视觉语言，去沟通、去表达、去影响。它让我学会了用一种更加“聪明”的方式去学习和创作。
评分这本书给我最大的惊喜，在于它对“风格化”的探讨，而不是仅仅停留在基础技法上。很多入门书，可能就是教你打草稿、勾线、上色，然后就结束了。但《动画美术设计基础》这本书，它显然是站在更高的维度来看待动画美术的。它会让你意识到，即使是同一个人，也可以画出完全不同的风格。比如，它会通过大量的案例分析，来展示不同风格的动画作品，从早期的迪士尼经典，到如今的日系动漫，再到一些独立的欧美动画，都会进行剖析。它会告诉你，这些不同的风格，在线条的粗细、转折，在色彩的饱和度、明度，在人物的比例、动态，甚至是在背景的描绘方式上，都有着怎样的差异。更重要的是，它会引导你去思考，为什么会出现这些风格？这些风格背后的文化、时代背景是什么？然后，它会教你如何去“解构”这些风格，找到构成它们的基本元素，并尝试将这些元素融入到自己的创作中。我印象最深刻的是，它讲到如何创造一个独属于自己的动画风格。作者并没有给出标准答案，而是提出了一系列的思考方向，比如，你希望你的作品给观众带来怎样的感觉？你喜欢的艺术形式有哪些？你希望通过画面传达怎样的信息？然后，它会鼓励你去尝试不同的组合，去实验，去找到最适合你自己的表达方式。这就像是给你一把钥匙，而不是直接送你一个宝藏。它让你自己去探索，去发掘，这个过程充满了乐趣和挑战。我之前总觉得自己的画总是在模仿别人，找不到自己的特色，看了这本书之后，我开始明白，风格化并不是一蹴而就的，它是一个不断探索和融合的过程。它让我敢于打破一些固有的思维模式，去尝试一些更大胆的色彩搭配和线条运用。
评分这本书在“光影表现”的讲解上，真的是我学习过的最系统、最透彻的。光影，对于任何视觉艺术来说，都是至关重要的，它不仅决定了物体的形态，更重要的是，它能够极大地增强画面的立体感、空间感和情绪氛围。很多入门教程，可能只是简单地告诉你，在物体的某个方向打光，然后另一侧留白。但《动画美术设计基础》这本书，它会从“光源的种类”开始讲起，比如自然光、人造光，以及不同光源的特性。然后，它会深入讲解“光影的基本规律”，比如“受光面”、“背光面”、“明暗交界线”、“投影”等等。让我印象深刻的是，书中有一个章节专门讲“不同材质的光影表现”，比如金属的光泽感、玻璃的折射感、布料的柔和感，以及不同材质在光照下会有怎样的独特表现。这让我明白，画光影不仅仅是画出明暗，更重要的是去理解不同材质的物理特性，以及光线与材质之间的互动关系。而且，这本书还非常注重“光影的情绪表达”，它会分析如何在不同的场景下，利用光影来营造特定的氛围，比如昏暗的角落会增加神秘感，强烈的聚光灯会营造戏剧性。它让我明白，光影不仅仅是技术，更是一种艺术化的语言。通过这本书，我才真正理解了，为什么有些画面看起来那么有“分量”，那么有“故事感”，原来很大一部分原因，都归功于对光影的巧妙运用。
评分这本书给我带来的，是一种全新的“角色设计”的视角。我之前画角色，更多的是关注角色的外形，比如五官、发型、身材比例等等，但这本书让我意识到，角色的灵魂，往往藏在更深层次的设计里。它会从“形体塑造”开始，强调骨骼结构、肌肉走向对角色动态和造型的影响，让你画出的角色更加“真实”和“有生命力”。但更核心的部分，在于“性格与外形的统一”。它会教你如何通过角色的脸型、眼神、体态，甚至是一举手一投足的小动作，来传递角色的性格特征。比如，一个内向的角色，可能眼神会比较闪躲，体态会比较拘谨；而一个外向的角色，可能眼神会很坚定，体态会比较舒展。这本书还会深入到“服饰设计”和“道具设计”，教你如何通过这些元素来进一步丰富角色的形象。服装的材质、剪裁，配饰的选择，甚至是角色随身携带的物品，都应该与其性格、身份、所处环境相匹配，并能起到烘托人物的作用。举个例子，一个身处战乱年代的角色，他的服饰可能会有破损、补丁，颜色也会偏暗沉；而一个生活富足的角色，他的服饰可能会更精致、华丽。最让我受益匪浅的是，书中有一个章节专门讲“表情与情绪的表达”，通过大量的图例，详细讲解了不同情绪下，眼睛、眉毛、嘴巴等面部特征的变化，以及这些变化如何共同作用来塑造一个生动、有感染力的表情。这本书让我明白，设计一个角色，不仅仅是画一个好看的人，而是要创造一个活生生、有故事、有灵魂的个体。
评分我必须说，这本书在“故事性”和“场景构建”方面，真的做到了教科书级别的指导。很多时候，我们在画一幅画的时候，很容易陷入“画得像不像”的误区，而忽略了画面本身应该承载的故事。这本书则恰恰相反，它把“故事”放在了首位。它会教你如何通过美术设计来“讲故事”，即使画面中没有任何人物，也能让观众感受到一种氛围，一种情绪，甚至是一种潜在的叙事。比如，在设计一个场景的时候，作者会强调“为什么这个场景会是这样？”。它会引导你思考，这个场景发生过什么？接下来会发生什么？居住在这里的人是什么样的？他们的生活习惯是怎样的？这些问题的答案，都会体现在场景的细节里。例如，一个破旧的房间，可能墙壁上有刮痕，地上散落着生活用品，窗帘陈旧且有破洞，这些细节都在默默地诉说着一个故事。这本书的讲解非常细致，它会从整体的构图、色彩的运用，到微观的光影、材质的表现，层层递进。它让你明白，每一个元素的存在，都应该服务于故事的表达。我还特别喜欢它关于“氛围营造”的部分，它会教你如何利用色彩来营造特定的情绪，比如暖色调带来的温馨感，冷色调带来的疏离感，或者是通过光线的强弱、明暗来烘托气氛。我之前画场景的时候，总觉得画面很“空”，缺乏生命力，看了这本书之后，我开始尝试在画面中注入更多的“细节”，让每个角落都充满故事感。它让我明白，一个好的场景设计，本身就是一种强有力的叙事。
评分这本书在“设计流程”的讲解上，真的是让我茅塞顿开。很多时候，我们拿到一个设计任务，或者想要创作一个作品，都会感到无从下手，不知道该从哪里开始，也不知道该如何推进。而《动画美术设计基础》这本书，它提供了一个非常清晰、有条理的设计流程，让你能够系统地去完成一个设计项目。它会从“需求分析”开始，让你理解设计任务的核心是什么，想要达到怎样的效果。然后，它会进入“概念发散”阶段，鼓励你去收集灵感，进行大量的草图绘制，去探索不同的设计可能性。接下来，它会讲解“细节深化”，如何在海量的草图中，筛选出最有潜力的方案，并对其进行进一步的完善和细化。让我印象深刻的是，书中有一个章节专门讲“视觉测试与反馈”，它强调了在设计过程中，及时获取反馈的重要性，以及如何根据反馈来调整和优化你的设计。这让我明白，设计并不是一个孤立的创作过程，而是一个不断迭代、不断完善的动态过程。这本书提供的设计流程，就像是一个地图，能够指引你一步步地走向成功。它让我不再害怕面对复杂的项目，而是能够更有条理、更有效地去完成每一个设计任务。
评分这本书的“色彩理论”部分，是我见过最实用、最接地气的讲解之一。以往我接触的色彩理论，往往充斥着各种专业术语，比如“色相”、“饱和度”、“明度”、“互补色”、“邻近色”等等，听起来就让人头大。但《动画美术设计基础》这本书，它并没有回避这些概念，而是将它们融入到非常实际的应用场景中，让你在理解理论的同时，也能立刻感受到色彩的力量。它会从最基础的“色彩感知”开始，让你去体会不同颜色带给人的情绪和联想，比如红色会让你联想到热情、危险，蓝色会让你联想到平静、忧郁。然后，它会详细讲解“色彩搭配”的技巧，不仅仅是告诉你哪些颜色可以搭配，更重要的是告诉你“为什么”可以搭配，以及不同的搭配方式会产生怎样的效果。比如，它会分析“同类色”的和谐统一，“对比色”的强烈冲突，以及“三角色”的均衡稳定。这本书还非常强调“色彩情绪板”的运用，教你如何通过收集不同色彩的图片，来搭建一个符合你创作主题的色彩基调。我之前画画的时候，对色彩总是有一种“凭感觉”的心态，有时候颜色搭配得不好，自己也说不清原因。看了这本书之后，我才恍然大悟，原来很多色彩的运用是有规律可循的。它让我学会了如何更有意识地去运用色彩，如何通过色彩来增强画面的表现力，以及如何用色彩来引导观众的情绪。
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