中国画学（第一辑） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:北京：紫禁城出版社

作者:中国国家画院 编

出品人:

页数:386页

译者:

出版时间:2009年10月

价格:78元

装帧:平装16开

isbn号码:9787800478697

丛书系列:

图书标签:

• 中国
• W222
• 中国画
• 绘画史
• 美术史
• 艺术史
• 中国美术
• 绘画理论
• 艺术理论
• 国画
• 传统绘画
• 绘画技法

翰墨丹青探微：中国古典艺术专题研究（第二辑） 内容提要 本书是“翰墨丹青探微”系列研究的第二辑，汇集了当代多位艺术史学者、理论家及资深画家的最新研究成果。本辑深入探讨了中国艺术史中几个至关重要但常被忽略的侧面，旨在超越传统中国画断代史的窠臼，从更广阔的文化、哲学及技术维度解析中国古典艺术的内在精神与外在表现。全书共分六个主要部分，涵盖了宋元以来文人画的“间架结构”理论、明清之际江南地区的水墨技法革新、敦煌壁画中的写实主义萌芽及其对后世山水画的影响、中国书法审美范畴中“意在笔先”的哲学基础、清代宫廷画院中对民间版画母题的吸收与转化，以及对明代中期文人士大夫群体中“画学”与“诗学”交融状态的社会学考察。 第一部分：宋元山水画的“间架结构”：从董源到黄公望的理论建构与笔墨实践 本部分聚焦于中国山水画发展史上，特别是元代文人画理论体系确立的关键时期。我们摒弃了以往仅关注“笔墨趣味”的传统叙述，转而着重分析了如“间架”、“骨法用笔”等核心术语的理论内涵及其在实际创作中的技术转化。研究细致梳理了董源《夏山行旅图》等作品中空间处理的逻辑，并对比分析了倪瓒和黄公望在继承前人“气韵生动”观念时，如何将其转化为可操作的、具有结构性意义的笔墨规范。 具体而言，本章通过对元代画家私人题跋及传世笔记的考证，揭示了“间架”概念并非简单的构图法，而是融合了道家“规矩”与儒家“中和”思想的一种宇宙观投射。它指导了对山石皴法、树木枝干的组织逻辑，使其在视觉上达到一种内在的平衡与和谐。我们将详细阐述“披麻皴”的结构功能，以及在不同画家手中，这种结构如何从对自然形态的摹写，逐步演化为表达个人心性的符号系统。 第二部分：明清之际江南水墨的技法革新与“清雅”美学的兴起 明代中后期，以苏州、松江为中心的江南地区成为中国艺术的重镇。本部分重点考察了在这一特定社会经济环境下，水墨技法所发生的微妙但深刻的变化。研究聚焦于唐寅、文徵明及其后学在“墨分五色”理论实践上的突破，特别是在处理润、燥、浓、淡墨的层次感方面所取得的成就。 我们通过对传世纸绢本作品中墨色晕化区域的微观分析，探讨了画家如何利用不同档次的宣纸或绢，配合对笔锋含水量的精准控制，实现水墨交融所产生的“空气感”和“湿润感”。此外，本部分还探讨了“清雅”审美取向对题材选择的影响，例如，对枯木寒枝、疏影淡花的偏爱，如何与士大夫阶层对“去雕饰”的追求相呼应，共同构筑了晚明文人画的一种独特气质。 第三部分：敦煌壁画写实主义的源流及其对宋代山水画的影响 传统的中国画史叙事往往将焦点置于唐代山水画的成熟，而忽略了早期艺术形式对后世的深远影响。本部分将目光投向了丝绸之路上的艺术宝库——敦煌。通过对莫高窟壁画中，特别是唐五代时期“土窟”与“树木”描绘的精细考察，我们发现了显著的写实主义倾向。 研究发现，敦煌石窟中的山体结构、植被形态并非完全遵循佛教造像的程式化处理，而是带有明显的地方性观察痕迹。这种源于西域自然环境的写实手法，通过长安、洛阳的艺术交流，潜移默化地影响了早期山水画的“界画”传统和对山石块面结构的理解。本部分将首次提出一个观点：宋代李成、范宽等人对北方山川的坚实描绘，其造型观念可能与敦煌地区对空间深度和物质感的强调存在一条未被充分认识的脉络关联。 第四部分：中国书法“意在笔先”的哲学根基：从“心手相应”到“气机流通” 书法艺术的评价体系中，“意在笔先”是衡量作品高下的核心标准之一。本研究试图剥离其在后世被过度浪漫化的叙述，深入探究其在魏晋至唐代的哲学基础。我们认为，“意”并非指单纯的文学意图，而是指一种与宇宙律动相通的“元气”或“气机”。 本章引入中国传统生理学和易学中的“气”论，阐释了书法家如何通过长期的训练，达成一种“心手相应”的境界，使得书写成为一种“不假思索”的自然流露。通过对王羲之《丧乱帖》和颜真卿《祭侄文稿》的结构分析，我们可以看到，那些被评价为“动人心魄”的线条，恰恰是艺术家在极度紧张或悲恸状态下，其内在气机外泄的直接物证。这种对内在精神的强调，构成了中国书画区别于西方再现性艺术的核心美学差异。 第五部分：清代宫廷画院对民间版画母题的吸收与转化研究 清代宫廷艺术往往被视为对宋元传统的僵化继承，尤其在山水画领域，似乎缺乏创新。然而，本部分将焦点转向宫廷的“楼阁”与“界画”题材，以及对民间木版年画母题的借用。 通过对《康熙南巡图》、《乾隆南巡图》等大型工笔画作品的细致比对，我们发现宫廷画师们巧妙地吸收了民间版画中成熟的透视处理技巧和对世俗生活场景的生动刻画能力。例如，在处理市井繁华、舟船往来等场景时，宫廷画师并未完全依赖传统的“高远”、“平远”构图，而是借鉴了版画中清晰、对称、近乎几何化的空间布局，以适应帝王叙事中对秩序与宏大场面的需求。这表明，清代宫廷艺术并非是孤立的，而是处在与民间艺术持续互动的复杂生态之中。 第六部分：明代文人士大夫群体的“画学”与“诗学”交融的社会学考察 明代中后期，随着商品经济的发展和市民阶层的崛起，文人士大夫的自我身份认同面临挑战。本部分采用社会史的视角，考察了在这一背景下，“画学”和“诗学”是如何被士人精英阶层作为维护其文化权威的工具。 研究通过对如《琅寰记》、《式古便览》等论著中关于“笔墨”与“风雅”关联的论述，分析了他们如何将绘画行为从一种纯粹的技艺提升为一种道德实践。当诗歌创作的门槛因大量涌现的“应制诗”、“应酬诗”而被稀释时，绘画，特别是写意山水，成为了他们彰显个人“学养”和“性情”的更隐秘、更具筛选性的场域。这种将艺术创作与道德人格等同化的倾向，深刻地塑造了后世对中国艺术的评价标准。 结语 《翰墨丹青探微：中国古典艺术专题研究（第二辑）》力图提供一套多维度、跨学科的观察中国古典艺术的全新视角。我们相信，对这些被遮蔽的侧面进行深入挖掘，才能更完整、更立体地理解中国艺术史的复杂性与内在生命力。本书面向高等院校相关专业的师生、艺术史研究者以及对中国传统文化有深度兴趣的读者。

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