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出版者:Thames & Hudson

作者:Kurt Wilhelm

出品人:

页数:312

译者:Mary Whittall

出版时间:2000-3

价格:USD 29.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780500281598

丛书系列:

图书标签:

• Strauss
• Richard
• 古典音乐
• 理查·施特劳斯
• 歌剧
• 交响诗
• 音乐家
• 德国音乐
• 浪漫主义音乐
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• 艺术歌曲
• 音乐史

《理查·施特劳斯：音画交响的巨匠》 理查·施特劳斯，一位以其丰富多彩的音画交响诗和宏伟歌剧闻名于世的德国作曲家，他的音乐生涯横跨了浪漫主义晚期和二十世纪早期，为西方古典音乐的宝库留下了不可磨灭的印记。他以惊人的技艺将文学、绘画、哲学甚至日常生活中的场景转化为磅礴的音乐画卷，其作品的创新性和表现力至今仍为音乐界所称道。 交响诗的时代开拓者 施特劳斯在发展交响诗这一体裁上功勋卓著。他深受李斯特的影响，但以更加复杂的织体、更丰富的和声以及更精妙的配器，将交响诗的表现力推向了新的高峰。他的早期交响诗，如《唐璜》（Don Juan）、《死与净化》（Tod und Verklärung）和《蒂尔的恶作剧》（Till Eulenspiegels lustige Streiche），以其鲜活的叙事性和生动的人物刻画，将听众带入一个又一个充满戏剧张力的故事场景。 《唐璜》以莫扎特的歌剧为灵感，描绘了这位传奇花花公子的浪漫冒险、激情与最终的幻灭。施特劳斯运用色彩斑斓的管弦乐，通过主题的变奏和发展，生动地展现了唐璜的多情、勇敢与叛逆。乐曲中大胆的和声运用和戏剧性的转折，预示着他对音乐语言的不断探索。 《死与净化》则是一部充满哲学思辨的作品。它以一位垂死艺术家的生命回顾和对死亡的思考为主题，音乐时而描绘病痛的折磨，时而歌颂艺术的辉煌，最终在宁静而神圣的氛围中达到高潮，象征着灵魂的升华。施特劳斯在此展示了他描绘复杂情感和抽象概念的非凡能力。 《蒂尔的恶作剧》则展现了施特劳斯轻松愉快的一面。他以巴伐利亚民间传说中的恶作剧大师蒂尔·欧仁斯皮格尔为主角，通过栩栩如生的音乐动机，描绘了蒂尔的顽皮、狡黠和对权威的反抗。乐曲中充满了幽默和讽刺，展现了施特劳斯在音乐中融入民间色彩和喜剧元素的才华。 歌剧舞台的革新者 除了交响诗，施特劳斯在歌剧领域也留下了举足轻重的作品。他与文学家雨果·冯·霍夫曼斯塔尔（Hugo von Hofmannsthal）的长期合作，创作了一系列风格独特、主题深刻的歌剧，至今仍是世界各大歌剧院的常演剧目。 《莎乐美》（Salome）是他早期歌剧的巅峰之作，改编自奥斯卡·王尔德（Oscar Wilde）的同名剧本。这部歌剧以其极端的感官刺激、大胆的音乐语言和对人性的深刻洞察而闻名。施特劳斯以其高度的戏剧性音乐，将莎乐美诱惑、痴迷、残忍和毁灭的心理刻画得淋漓尽致。乐曲中不断发展的和声、紧张的节奏以及对铜管乐的精妙运用，共同营造出一种令人窒息的氛围。 《玫瑰骑士》（Der Rosenkavalier）则是施特劳斯另一部风格截然不同的杰作。这部歌剧以十八世纪维也纳为背景，讲述了一个关于爱情、忠诚、阶级差异和青春易逝的优雅故事。与《莎乐美》的黑暗压抑不同，《玫瑰骑士》充满了浪漫、怀旧和一丝淡淡的忧伤。施特劳斯运用了丰富的华尔兹旋律和精致的管弦乐，将维也纳的浪漫风情描绘得栩栩如生，尤其是歌剧结尾三个女高音的“银玫瑰”场景，被誉为歌剧史上最美的片段之一。 《埃及的海伦娜》（Die ägyptische Helena）和《阿拉贝拉》（Arabella）则进一步展现了施特劳斯在歌剧创作上的多元探索。前者以古希腊神话为题材，后者则描绘了二十世纪初的奥地利社会，都体现了他对复杂人物心理和时代氛围的敏锐捕捉。 晚期风格的沉淀与反思 进入晚期，施特劳斯的音乐风格在保持其一贯的丰富性和技巧性的同时，也显现出更加内敛和沉思的特质。他的最后一部歌剧《随想曲》（Capriccio）便是一部充满智慧和反思的作品，它探讨了艺术创作的本质，将音乐、诗歌和戏剧融为一体，展现了作曲家对自身艺术生涯的总结。 此外，施特劳斯晚期的作品，如《四种最后的歌》（Vier letzte Lieder），以其宁静、深邃的旋律和对生命与死亡的哲思，成为他音乐遗产中最具代表性的部分之一。这些作品以饱含深情的旋律和精炼的配器，表达了作曲家对自然、对生命，以及对最终告别的深刻情感。 理查·施特劳斯的音乐，以其磅礴的气势、细腻的情感、创新的技法和对文学、艺术的深刻理解，构建了一个丰富而多彩的音乐世界。他不仅是交响诗和歌剧领域的巨匠，更是将音乐表现力推向全新高度的革新者。他的作品至今仍在世界各地的音乐厅和歌剧院中回响，继续感动着一代又一代的听众。

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我购买这本书的主要动机是想了解那位伟大音乐家在不同政治环境下所展现出的精神韧性。我们都知道那个时代欧洲大陆的风云变幻，个人的命运往往如同风中残烛。这本书最让我震撼的部分，恰恰是它对“妥协”与“坚持”之间那条细线的描绘。它没有将人物塑造成一个不食人间烟火的纯粹艺术家，而是非常真实地展示了一个需要在现实压力下做出艰难抉择的个体。书中对其中一些敏感时期作品的分析，处理得极为审慎和客观，既没有回避政治对艺术的干预，也没有过度渲染受害者的形象，而是聚焦于艺术家如何在这种夹缝中，用音乐语言进行着只有内行才能理解的抵抗或表达。这种历史的厚重感和人性的复杂性交织在一起，使得阅读体验远超一般的名人传记，它更像是一部关于个体如何在巨变洪流中坚守自我价值的史诗。

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我是在一个朋友的强烈推荐下接触到这本书的，他声称这是目前市面上对这位作曲家生平最全面、最深入的剖析。起初我还有些疑虑，毕竟浩如烟海的学术著作中，总不免充斥着许多过度解读和主观臆断。然而，这本书的叙事节奏把握得极其到位，它没有陷入那种枯燥的流水账式记录，而是巧妙地将个人生活的波折与创作巅峰期的时代背景紧密交织。作者似乎拥有穿梭时空的能力，能够以一种近乎“在场”的视角，去描摹那些关键的音乐会议、剧院的后台轶事，甚至是那些不为人知的私人信件往来中的情感暗流。读到关于他与某位著名指挥家之间微妙的合作关系那一段时，我甚至能想象出当时空气中紧张而又充满创造力的氛围。这种叙事的高级感，在于它成功地让“人物”跳脱出纸面，变得鲜活可感，仿佛我正在聆听一场由文字构建的、无形的交响乐。

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坦白地说，我是一个对音乐史有一定了解的业余爱好者，在阅读许多音乐传记时，最怕的就是看到那些为达戏剧效果而过度简化的段落，或者为了迎合大众而牺牲专业深度的描述。这本书在这方面做得尤为出色，它在保持学术严谨性的同时，却又极其平易近人。它没有回避那些复杂的和声学变革和戏剧结构上的创新，但处理的方式却是循序渐进的，即便是对古典音乐理论不太熟悉的读者，也能从中领会到其音乐语言的革命性意义。特别是书中对某几部重要歌剧的结构解析，简直是教科书级别的范例，它不仅告诉你“发生了什么”，更深刻地解释了“为什么是这样”，这种对内在逻辑的挖掘，极大地拓宽了我对这部作品理解的维度。我感觉自己不是在阅读，而是在一位博学的导师的陪同下，进行一次深入的学术漫步，充满了启发性与智力上的愉悦。

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这本书的语言风格简直是一股清流，它不像某些德文原著翻译过来后那种生硬的句式堆砌，而是充满了流畅而富有画面感的叙述。作者似乎深谙“show, don't tell”的艺术，而不是干巴巴地陈述事实。例如，描述某次首演时的听众反应，文字的跳跃性和情绪的递进，让我仿佛能听到当年剧院里那此起彼伏的赞叹声和偶尔夹杂的质疑声。这种将感觉和理论完美融合的笔触，使得即便是对音乐史不太热衷的人，也会被故事本身所吸引。我常常在阅读时会不自觉地停下来，闭上眼睛，试图在脑海中重构出那个场景，那种沉浸式的体验是很多其他传记作品难以比拟的。它成功地将一个看似遥远的历史人物，拉近到了我们触手可及的距离，这种亲切感，才是最难能可贵的阅读收获。

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这本书的装帧设计简直是一场视觉盛宴，从封面到内页的排版，都透着一股沉稳而又不失华丽的古典气息。那种厚实的纸张触感，每次翻阅都像是在进行一场庄重的仪式。我尤其欣赏其中对于历史图片和乐谱片段的精妙处理，它们不仅仅是简单的插图，更像是通往那个时代声音的微小窗口。尤其是那些早期的演出海报复刻，色彩的晕染和字体设计，无声地诉说着那个黄金时代的辉煌与不易。虽然我还没有完全读完，但仅凭这些视觉上的享受，就已经值回票价了。它放在书架上，本身就是一件艺术品，那种低调的奢华感，让人在使用之余，也充满了对内容探索的期待。每一次不经意的触碰，都会被那种精致的工艺所吸引，它不仅仅是一本关于音乐家的传记，更像是一部设计史的缩影，将十九世纪末到二十世纪初的艺术思潮巧妙地融入其中。这种对细节的极致追求，让我对作者深入研究的严谨性有了更高的信心。

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近五百张照片插图，内容之详实，仅有。

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