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出版者:Haynes Publishing Group

作者:Paul Balmer

出品人:

页数:196

译者:

出版时间:2009-10-1

价格:0

装帧:Hardcover

isbn号码:9781844256747

丛书系列:

图书标签:

• 吉他
• 电吉他
• Telecaster
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蓝调的脉动：电吉他音色雕琢的艺术与哲学 一本关于声音、历史、技巧与激情的深度指南，献给所有渴望驾驭电吉他灵魂的音乐人。 --- 前言：超越硬件的共鸣 本书并非对任何特定型号吉他硬件的机械性操作手册。相反，它是一场深入探寻电吉他音色世界、演奏哲学与音乐史诗的旅程。我们不关注如何拧紧螺丝，而是探讨如何让音符在空气中呼吸、如何让木材与拾音器讲述故事。 《蓝调的脉动：电吉他音色雕琢的艺术与哲学》 旨在揭示电吉他作为一种乐器，其声音的无限可能性，以及演奏者如何通过理解设备背后的原理、历史沉淀和演奏技巧，真正实现“人琴合一”的境界。我们将跨越技术参数的冰冷界限，直抵音乐创作的核心——情感的传达。 第一部分：声学的基础与电气的奇迹 在深入探索音色雕琢的技巧之前，我们必须理解声音的物理本质，以及电能如何将其转化为我们所熟知、所热爱的“电吉他之声”。 第一章：木材、结构与共振的秘密 一把吉他的声音起点，在于其物理结构。本章将详细解析不同木材（如梣木、梣木、桃花心木、枫木）的密度、纹理如何影响基础的延音（Sustain）和频率响应。 1. 身体构造的影响： 探讨全实心、半空心（Chambered）以及空心琴体的音色差异。我们不讨论特定品牌结构的组装，而是分析声学共振在电吉他音色塑造中的基础作用。 2. 琴颈的“触感”与演奏性： 琴颈的形状（C型、V型、U型）、指板的半径（Radius）以及品丝的材质，如何影响演奏的舒适度、推弦的力度反馈，以及最终音符的清晰度。 3. 连接点的哲学： 螺栓固定（Bolt-on）、胶合（Set-neck）与通体（Neck-through）三种琴颈连接方式，如何影响琴体与琴颈之间的能量传递效率，从而决定了延音的特性和高频的穿透力。 第二章：电声转换的魔法——拾音器的奥秘 拾音器是电吉他音色的心脏。本章将从电磁学原理出发，解析拾音器的内部构造如何“捕捉”琴弦的振动。 1. 单线圈与双线圈的本质区别： 深入探讨它们的绕线方式、磁极片的排列如何影响输出电平、动态范围和噪声抑制能力。重点分析不同圈数的绕线如何塑造高频的亮度与中频的厚度。 2. 主动与被动拾音器的分野： 比较它们对信号的放大方式，以及这如何影响演奏者对音色细节的控制能力。 3. 线圈分离（Coil Splitting）与串并联的音色潜力： 探讨通过内部电路切换连接方式，如何在同一套拾音器中模拟出不同类型拾音器的音色特性，实现音色上的“一琴多用”。 第二部分：效果器的炼金术——音色的调制与构建 一旦声音被拾音器捕获，效果器便是音乐家手中的调色盘。本章将侧重于理解效果器如何重塑原始信号，以及如何构建一个逻辑清晰、动态丰富的效果链。 第三章：驱动的艺术——失真、过载与激励 失真（Distortion）是摇滚、金属和布鲁斯音乐的标志。本章旨在辨析不同驱动效果器之间的微妙差异，并教授如何精准控制饱和度（Saturation）。 1. 温和的激励（Boost/Overdrive）： 解析如何利用这些效果器在不损失动态的前提下增加音色的“颗粒感”和中频的凸显，完美匹配清音（Clean Tone）的底色。 2. 厚重的失真（Distortion/Fuzz）： 探讨不同削波（Clipping）方式（硬削波与软削波）对音色“毛刺感”和压缩程度的影响，以及如何利用它们来应对不同的音乐风格，如重金属的紧凑感或迷幻摇滚的混沌感。 3. 串联顺序的决定性： 探讨将驱动置于压缩器之前或之后，或是在失真效果器之间进行嵌套（Stacking）时，对整体音色动态和噪音控制的深远影响。 第四章：空间的塑造——延时与混响的深度 空间性效果器赋予声音维度和情感深度。它们不仅仅是简单的“回声”，而是声音存在环境的模拟。 1. 混响（Reverb）的物理模型： 深入解析板式（Plate）、弹簧（Spring）、厅堂（Hall）和房间（Room）混响的声学特性，以及它们如何影响听众对演奏空间大小的感知。 2. 延时（Delay）的时间轴： 讲解模拟、数字和磁带延时的核心差异。如何利用速率、反馈和混音比来创造节奏性的回声、增加旋律的厚度，或构建复杂的重复结构。 3. 调制效果的色彩： 相位（Phaser）、镶边（Flanger）和颤音（Tremolo）如何通过改变信号的相位和幅度来增加声音的运动感和色彩，是赋予经典音色生命力的关键。 第三部分：演奏的哲学与音乐的语言 最终，最好的设备也需要一位掌握其语言的演奏者。本部分将聚焦于如何将技术与情感融合，用吉他“说话”。 第五章：音色的即兴操控——动态与触感的表达 真正的音色大师，能够通过指尖的细微变化，在不切换任何踏板的情况下，实现音色上的巨大转变。 1. 音量旋钮的秘密武器： 如何利用吉他自身的音量旋钮作为“虚拟的前级压缩器”，通过控制输入信号的强度，在清音和轻微过载之间无缝切换。 2. 揉弦（Bending）的心理学： 揉弦不仅仅是达到目标音高，更是表达情感的工具。解析不同揉弦幅度、速度和压力如何传达出愤怒、悲伤或狂喜。 3. 拨片（Pick）的选择与演奏角度： 探讨厚度、材质对拨弦时产生的“咬合感”（Attack）的影响，以及轻柔扫弦和大力扫弦时，音色在瞬态响应上的巨大差异。 第六章：风格的传承与音色的历史定位 每一代吉他英雄都定义了一种音色。理解这些历史音色的构建方法，是寻找自己声音的必经之路。 1. 布鲁斯大师的清音构建： 解析早期布鲁斯音乐中，演奏者如何通过低瓦数的老式音箱和真空管的自然激励，来获得那种温暖、带有呼吸感的音色。 2. 摇滚乐的突破性声音： 剖析中后期摇滚乐中，为了穿透混音，演奏家们如何利用失真踏板和高增益音箱，实现了更强的压缩感和延音。 3. 现代音色的解构与重组： 探讨数字建模技术如何模仿经典电路，以及现代演奏者如何在保持经典音色骨架的同时，利用更宽广的动态范围和更精准的频率控制，创造出前所未有的声音景观。 结语：永恒的探索 电吉他音色的世界没有终点，只有不断深入的探索。本书提供的知识框架和哲学思考，旨在激发读者去质疑现有的设置，去尝试不符合常规的连接方式，去用耳朵而非眼睛来判断声音的好坏。真正的“好音色”，是你内心渴望被世界听见的那种声音。拿起你的乐器，开始雕琢你的声音史诗吧。

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从实用性的角度来看，这本书的价值简直无可估量。它几乎覆盖了我可能遇到的所有工具和材料的介绍。在你准备动手之前，它会先用一个非常详尽的清单列出你需要准备的一切——从最小号的螺丝刀到特定的焊锡丝规格，甚至连通风设备的重要性都被提及了。这种事无巨细的提醒，极大地避免了新手在操作过程中因工具不全而产生的挫败感。更重要的是，书中对“安全第一”的强调贯穿始终，尤其是在涉及电路和高热操作的部分，提供了清晰的警告标识和标准操作流程。我尤其喜欢其中关于“原厂零件与第三方升级件”的对比分析部分，它客观地评估了不同品牌、不同年代零件的音色特性和性价比，帮助读者在升级或替换部件时做出最明智的决定，而不是盲目追求昂贵或者最新的型号。这本书真正做到了授人以渔，并且确保你在捕鱼的过程中不会受伤。

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说实话，我之前也看过不少关于电吉他维护和设置的资料，但大多都是零散的网络论坛帖子或者过于简化的快速指南。这本书给我的感觉完全不同，它更像是一位经验丰富、脾气极好的老师，耐心地引导你进入一个全新的领域。我最欣赏的是它对“手感”调试的深入探讨。你知道，吉他设置这东西，很大程度上是个玄学，不同的人对弦距、弧度有不同的偏好。这本书没有强行规定一个“标准答案”，而是系统地介绍了如何根据自己的演奏风格和指板弧度来调整琴桥高度和琴枕的相对关系，并清晰地解释了每项调整对音准和手感会产生什么样的连锁反应。这种循序渐进、注重个体差异的教学方式，极大地提高了我的学习效率。我根据书中的建议调整了自己的老伙计，那种拨弦时顺滑流畅的感觉，简直是脱胎换骨，这绝对是靠着摸索一万个小时也得不到的经验总结。

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这本书的深度和广度远超出了一个普通的“手册”范畴。它更像是一部关于现代电吉他工程学的入门百科全书。我曾尝试在网上寻找关于特定年代（比如六十年代中期）电路布局的详细分析，结果往往是零星的论坛讨论，信息源头模糊不清。然而，这本书中对不同时期制造规范的演变进行了系统性的历史梳理，配有大量珍贵的历史照片和电路图解。这不仅仅是教你如何修理一台吉他，更是在讲述这项伟大乐器工业的历史沉淀和技术传承。对于一个吉他发烧友而言，能够理解手中的乐器是如何一步步演变而来的，这种知识的充实感是无法替代的。它拓宽了我的视野，让我开始从一个更宏观的角度去欣赏吉他的设计哲学，而不是仅仅关注于眼前的螺丝和琴弦。阅读体验极其丰富，绝对是吉他爱好者书架上不可或缺的珍藏。

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这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，厚实的纸张和典雅的封面字体透露出一种专业且值得信赖的气息。我一拿到手，立刻就被它那种沉甸甸的质感所吸引，这绝不是那种轻飘飘、一看就是凑数的说明书能比拟的。内页的排版极其考究，图文并茂的布局让人在阅读过程中丝毫不会感到枯燥。尤其是那些关于电路原理的示意图，线条清晰，逻辑性极强，即便是初次接触吉他电气的玩家，也能顺着图示摸索出个大概。当然，这本书的内容详实到令人发指，从拾音器的基础知识讲起，到复杂的双线圈与单线圈的音色差异对比，再到具体的电路焊接步骤，每一步都有详尽的文字描述和高分辨率的图片辅助。我特别欣赏作者在处理“故障排除”那一章时展现出的细致入微，几乎涵盖了所有你能想象到的使用场景中的小问题，提供的解决方案既实用又安全。总而言之，这本书在视觉和结构上都达到了教科书级别的水准，让人忍不住想立刻动手实践书中所教的一切。

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这本书的语言风格保持了一种罕见的平衡：既有深厚的专业底蕴，又极其口语化，毫无学究气。初读时，我担心那些涉及到电学和物理学的章节会让人望而却步，但作者的叙述方式非常巧妙，他善于用日常生活中常见的事物来类比那些抽象的电子元件功能，比如将电容比作“储水池”，将电阻比作“水流的阻碍”，一下子就把复杂的概念给具象化了。这种“化繁为简”的功力着实了得。更让我感到惊喜的是，书中不仅关注了“如何做”，还深入探讨了“为什么这么做”。比如，它会花大篇幅解释为什么某些老式电路设计在音色上会带来那种独特的“温暖感”，而不是简单地罗列零件型号。这对于那些不仅仅满足于修理，更渴望理解乐器“灵魂”的进阶玩家来说，无疑是极大的满足。读完这些章节，我对吉他不再是单纯的“操作者”，而是有了一层更深层次的理解和敬畏。

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