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出版者:Oxford University Press, USA

作者:Max Ernst

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1986-11-13

价格:USD 35.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9780195049916

丛书系列:

图书标签:

• 超现实主义
• 达达主义
• 绘画
• 雕塑
• 版画
• 艺术家
• 艺术史
• 现代艺术
• 德国艺术
• 实验艺术

达达主义的幻象与潜意识的风景：一本关于二十世纪前卫艺术的深度探索 书名： 《幻象、梦境与潜意识的几何：二十世纪初欧洲前卫艺术的革新与颠覆》 作者： [此处留白，作者可以是任何对艺术史有深刻研究的学者或评论家] 出版社： [此处留白，出版社名称] 出版年份： [此处留白，出版年份] --- 内容提要： 《幻象、梦境与潜意识的几何》并非一部关注某一特定艺术家的传记或作品集，而是一部宏大而精微的艺术史著作，它致力于剖析二十世纪初欧洲艺术领域爆发的几次关键性的革命浪潮——达达主义（Dadaism）、超现实主义（Surrealism）以及早期表现主义（Expressionism）的复杂脉络、内在驱动力及其对西方文化结构的深刻影响。 本书的核心论点在于：现代艺术的真正突破，并非源于对既有美学形式的修饰或改良，而是对“理性”这一启蒙运动基石的全面质疑与解构，转而向人类内心深处那些被压抑、被忽视的“非理性”领域——梦境、偶然性、精神分析学说——汲取创作的源泉与方法。 全书共分为六个主要部分，辅以详尽的图版注释与文献分析，旨在为读者提供一个多维度、多层次的解读框架。 --- 第一部分：理性世界的裂痕——一战前夜的文化焦虑（约250字） 本部分追溯了二十世纪初，欧洲社会在工业化、科技飞速发展与帝国主义冲突加剧背景下所产生的深层精神危机。我们探讨了尼采“上帝已死”的宣告在艺术领域引发的回响，以及弗洛伊德精神分析理论对既有主体意识的颠覆。艺术不再是描摹可见世界的忠实镜子，而是成为感知内心动荡的雷达。重点分析了野兽派色彩的爆发、立体主义对传统透视法的瓦解，以及德奥地区早期表现主义对城市异化和内心痛苦的直接呈现，为后续达达和超现实主义的诞生奠定了“非理性觉醒”的文化土壤。 --- 第二部分：柏林的愤怒与苏黎世的嘲讽——达达的诞生与反美学（约300字） 达达主义作为对第一次世界大战荒谬性的直接回应，被本书视为一种“否定性的艺术宣言”。我们深入剖析了苏黎世的卡巴莱伏尔泰（Cabaret Voltaire）如何成为反艺术、反逻辑、反资产阶级品味的孵化器。重点研究了偶然性原则在诗歌（如即兴朗诵与剪报诗）和视觉创作中的应用，它如何通过随机性来挑战艺术家个人意志的至高无上性。 随后，本书将笔触转向柏林的达达运动，关注其更具政治介入性和社会批判性的特点。格罗斯（George Grosz）和赫尔丁（John Heartfield）等人如何利用拼贴（Photomontage）这种机械复制的媒介，制造出尖锐且具有即时破坏力的政治宣传品。达达的“反逻辑”不是为了虚无，而是为了清除被既有理性结构腐蚀的文化表层，为真正的革新腾出空间。 --- 第三部分：潜意识的地图绘制——超现实主义的理论基石（约350字） 第三部分详尽阐述了超现实主义的理论构建，它吸纳了达达的颠覆性遗产，但更侧重于对“更高实在”（Sur-réalité）的积极探寻。本书将聚焦于布勒东（André Breton）的系列宣言，特别是其对梦境、催眠状态和“自动书写/绘画”方法论的推崇。我们分析了如何通过自动性技巧（Automatic Technique）来绕过理性审查，直接让无意识的意象浮现。 重点讨论了两种主要的超现实主义倾向：一种是强调清晰的、学院派的绘制技法来描绘荒诞场景（如精确的幻觉写实主义），这使得梦境的景象在视觉上具有令人不安的真实感；另一种则是基于材料的偶然性和组合的暴力（如“发现的客体”）。这一部分强调了弗洛伊德的《梦的解析》如何成为超现实主义者的“圣经”，而艺术家的任务则是成为潜意识的“记录员”和“转译者”。 --- 第四部分：偶然性的几何与视觉炼金术（约300字） 本章专注于超现实主义和达达运动中一些核心的“方法论创新”对后世艺术的影响。我们深入考察了拼贴（Collage）、集合（Assemblage）以及“移置”（Displacement）的美学价值。拼贴不再仅仅是政治宣传的工具，它成为了一种“视觉炼金术”，通过陌生化和并置（Juxtaposition）不相关的元素，迫使观众在作品中建立起新的、非线性的关联。 此外，本书探讨了如何利用物体自身的特性来生成新的意义，例如对“残次品”、“日常废弃物”的重新命名与框架化，这种对“现成物”（Found Object）的关注，预示了未来波普艺术对日常物品的挪用。这一部分的分析强调了“不期而遇的美”在现代创作中的核心地位。 --- 第五部分：跨越媒介的边界——文学、电影与视觉艺术的交融（约200字） 前卫艺术的革命性在于其强烈的跨学科性。本书考察了文学（如达达诗歌的音画探索和超现实主义的散文诗）如何影响了视觉艺术的叙事结构。特别关注了电影——作为时间艺术——在超现实主义实践中的作用。电影能够以连续的、逻辑断裂的方式呈现梦境的流程，使得潜意识的体验得以“流动”地展现。通过分析那些挑战观众习惯的剪辑和象征，揭示了这些艺术家如何共同构建了一个挑战既有感官经验的整体艺术环境。 --- 第六部分：未竟的革命与遗产（约100字） 最后一部分，本书将目光投向二战后，评估达达和超现实主义所播下的种子如何影响了抽象表现主义的自动性探索、波普艺术对消费符号的挪用，以及观念艺术对“艺术品本体”的质疑。我们总结道，这场二十世纪初的“非理性反抗”，本质上是一次对艺术定义权的彻底夺回，其影响至今仍在持续塑造着我们对图像、意义与现实的理解。 --- 本书特点： 本书的深度分析将着眼于思想脉络的梳理而非单纯的风格罗列。它侧重于解析创作“方法”背后的哲学动机，将达达和超现实主义视为一个连续的、相互渗透的文化实验场。通过对大量一手文献、私人信件及未公开展出的草图的细致比对，本书力求还原一个充满活力、混乱而又目标明确的艺术先锋群体的真实面貌。这是一本献给所有希望理解现代文化如何从“理性坍塌”中重塑自身疆界的读者的必备之作。

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这部作品，名为《至暗边缘的絮语》，初翻开时，扑面而来的是一股厚重的、仿佛从古老石窟中渗出的潮湿气息。它并非传统意义上的叙事小说，更像是一张由意识碎片和梦境残骸编织而成的巨大挂毯。作者对于时间流逝的把握异常精妙，章节间的跳跃如同心脏的间歇性停搏，每一次停顿都将读者猛地抛入另一个光怪陆离的场景。我尤其欣赏作者构建的那个“玻璃迷宫”的比喻，它精准地捕捉了现代人渴望透明却又深陷自我投射的困境。书中对“缺席”的描绘达到了近乎具象化的程度，那些未曾发生的故事，那些未曾说出口的话，比实际的行动更具重量感，它们像看不见的幽灵，在每一个角色的呼吸间游荡。阅读过程中，我多次停下来，试图去解析那些看似毫无逻辑的意象组合，比如“生锈的钟摆敲击着无声的鸟鸣”，这并非为了寻找一个标准答案，而是在享受那种思维被不断拉扯、重塑的愉悦感。整体而言，它更像是一场精心策划的、持续数晚的头脑风暴，挑战着我们对于“真实”二字的既有认知，是一次对潜意识深渊的勇敢潜水。

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这本书的节奏处理堪称一绝，它像是一部交响乐，时而用极慢的、几乎停滞的慢板来描绘一个静止的瞬间，让观察者（即读者）沉浸于其中，感受每一粒尘埃在光束中的舞蹈；时而又突然加速进入狂暴的急板，将一系列概念和画面如机关枪般扫射过来，令人应接不暇。我欣赏作者对“非理性逻辑”的坚定拥护，书中展现的许多“解决方案”或“推论”，在现实世界中显然是荒谬的，但在作者设定的内部规则下，它们却拥有无可辩驳的自洽性。这是一种高超的“世界构建”技巧。我尤其关注书中对“工具的异化”这一主题的探讨，那些原本为人服务的物件，在被过度使用和凝视后，似乎获得了独立的意志，反过来审视和支配着人类。阅读过程更像是一场智力上的角力，你需要不断地调整你的心率和呼吸，去适应这种时松时紧的叙事脉搏。它不是用来消遣的，更像是用来校准思想频率的精密仪器。

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坦白说，拿到这本书的时候，我本以为会是一本晦涩难懂的纯理论著作，毕竟封面设计那种近乎粗暴的几何切割感，预示着某种学术上的严谨。然而，我的预期被彻底颠覆了。它实质上是一部关于“非欧几里得感知”的哲学随笔集，但语言却充满了诗意的张力和惊人的可读性。作者以极其犀利和精准的笔触，剖析了我们如何通过既定的感官框架来误读世界。书中探讨了“色彩的重量”和“声音的纹理”这些概念，用极其生动的例子将抽象的哲学命题转化为可供触摸的经验。例如，他描述一个失明画家如何通过感知空气的阻力来“看见”雕塑的细节，这不仅仅是比喻，更像是一种对感官替代机制的深入实验报告。文字的密度极高，初读时需要反复回味，但一旦进入作者构建的逻辑场域，便会发现每一个句子都像是精确安装的齿轮，驱动着整个思想机器向前运转。它要求读者放弃快速浏览的习惯，转而采取一种近乎冥想式的专注，去品味那些被我们日常忽略的、隐藏在日常现象背后的底层代码。

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这部作品的独特之处在于其对“记忆的侵蚀性”的描绘，其笔触之细腻，足以让人感到脊背发凉。它没有跌宕起伏的情节，有的只是对日常细节的反复打磨，这些细节像细小的沙砾，日复一日地磨损着主角的心灵堤坝。作者似乎对“遗忘”怀有一种近乎宗教般的敬畏，他将遗忘视为一种主动的、有目的的行为，而非被动的损失。书中有一段描写一个老人试图回忆他妻子最喜欢的花朵，却只能捕捉到花瓣边缘的微弱色泽，这种“抓不住”的痛苦被刻画得入木三分。我发现自己开始审视自己的记忆库，那些我自以为牢固的事实，是否也同样脆弱易碎？这本书迫使你面对自己作为时间容器的局限性。它在结构上也颇具匠心，如同一个被水浸泡过的古老地图，边缘模糊，信息重叠，每一次重读都会发现新的地貌浮现，而旧的道路则彻底溶解。读完后，我感受到的不是故事的终结，而是一种对自身存在基础的轻微动摇，非常震撼。

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这本书，如果用一个词来形容，那就是“错位的美学”。它并非一本让人感到舒适的读物，它像是一件由不匹配的材料精心缝制的服装，乍看之下略显怪诞，但穿上后却意外地贴合身体的某种隐秘曲线。我尤其喜欢作者在描述城市景观时所采用的视角——他仿佛站在一个时间错位的观察点，将现代主义的摩天大楼与前工业时代的烟囱并置在同一个画面中，然后用一种近乎冷漠的、外科手术般的精确度来解剖这种并置所产生的张力。人物的对话设计堪称一绝，他们总是避开核心问题，用冗长、华丽甚至略带愚蠢的修辞来包装最简单的意图，这精准地模仿了社交互动中的那种令人窒息的虚伪感。我感觉自己像是在观看一场慢镜头回放的破碎玻璃的坠落，每一个细节都被放大，每一个裂纹都闪烁着某种令人不安的美丽。它成功地将“疏离感”从一种情绪状态提升为一种可操作的叙事工具，引导读者主动去填补那些刻意留下的空白，完成最后的意义构建。

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