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出版者:Cambridge University Press

作者:Roy Bennett

出品人:

页数:256

译者:

出版时间:1996-08-28

价格:USD 30.00

装帧:Paperback

isbn号码:9780521569231

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《交响乐的辉煌：管弦乐团的艺术与历史》 导言：声音的殿堂与人类情感的共鸣 音乐，作为人类文明最古老、最深刻的表达方式之一，其巅峰成就无疑是管弦乐队的宏大合奏。这部《交响乐的辉煌：管弦乐团的艺术与历史》，旨在带领读者深入探索这个由数百名演奏家、上百种乐器共同构建的声音殿堂。我们不仅会回顾管弦乐队从早期巴洛克时期的小型合奏团，如何一步步演变成贝多芬、马勒时代所展现出的磅礴力量与精妙结构，还将剖析其背后的科学原理、美学哲学以及在不同历史语境下的社会意义。 本书的核心目标，是揭示管弦乐队并非仅仅是乐器的简单堆砌，而是一个复杂、动态且不断演化的有机体。它承载着作曲家的天才构思，体现了乐器制造技术的革命，更反映了特定时代人们对“崇高”与“和谐”的追求。 --- 第一部分：乐器的起源与合奏的雏形 (1600–1750) 本部分聚焦于管弦乐队的“胚胎期”——巴洛克时代。 第一章：早期乐队的构成与功能 在十七世纪初，乐队的概念尚未完全固化。早期的“乐队”通常围绕着歌剧院或宫廷的特定需求而临时组合。我们首先考察数字低音（Basso Continuo）在奠定早期和声结构中的核心地位。大提琴、低音提琴与大键琴（或琉特琴）构成了这套不可或缺的“骨架”。 弦乐组的奠基： 维奥尔琴（Viols）如何逐渐被更具穿透力的现代小提琴、中提琴和大提琴取代。蒙特威尔第在《奥尔费奥》中的配器尝试，标志着对特定乐器音色组合的首次系统化探索。 管乐器的并入： 早期木管乐器——如竖笛（Recorder）、双簧管的前身肖姆管（Shawm）——是如何从独奏乐器转变为固定声部的。重点分析了路易十四宫廷乐团（Les Vingt-quatre Violons du Roi）的组织结构。 第二章：巴洛克配器法的严谨与平衡 本章深入探讨巴赫与亨德尔时代对乐队的贡献。此时的配器法强调的是声部均衡与织体清晰度。 协奏曲的结构革命： 维瓦尔第的《四季》等作品如何确立了主奏乐器与合奏团（Tutti）之间的对话模式。这种“协奏”精神，是后世交响乐发展的重要灵感源泉。 铜管与定音鼓的首次常规应用： 铜管乐器（主要是天然小号和圆号）的角色，在巴洛克晚期开始超越单纯的“庆典”用途，被用于增强特定的和声色彩。我们细致分析了巴赫《布兰登堡协奏曲》中，不同乐器组合所产生的独特音响效果。 --- 第二部分：古典主义的秩序与清晰 (1750–1820) 随着启蒙运动的兴起，音乐审美转向了清晰、平衡与形式的完美。管弦乐队在此阶段完成了标准化进程。 第三章：维也纳学派的确立与乐队的“标准化” 海顿和莫扎特被视为管弦乐队发展史上的关键人物。他们首次将乐队的编制固定下来，并确立了现代管弦乐队的基本格局。 弦乐组的统治地位： 强调第一小提琴、第二小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴的五部格局如何成为基础。分析了弦乐组内部对声部划分的精细化处理，例如对位法的应用。 木管组的双管编制： 双簧管、长笛、单簧管（此时开始被稳定纳入）和巴松管，通常以成对的形式出现。本章探讨了莫扎特如何在《朱庇特交响曲》中，通过精妙的木管对位，赋予乐队前所未有的灵活性。 乐队的规模与室内化： 古典乐队规模相对较小，强调音色的透明度，而非纯粹的音量。 第四章：贝多芬：从古典到浪漫的桥梁 路德维希·凡·贝多芬彻底改变了乐队的意义。乐队不再仅仅是伴奏工具，而是承载作曲家个人英雄主义和哲学思想的载体。 规模的扩张： 以《第五交响曲》和《第九交响曲》为例，分析了贝多芬如何引入更多低音铜管（长号）和更具戏剧性的定音鼓使用，以表达宏大的叙事。 乐器的“个性化”： 贝多芬开始赋予特定乐器以强烈的角色，例如《英雄交响曲》中对圆号的突破性运用。 --- 第三部分：浪漫主义的色彩与力量的爆发 (1820–1900) 浪漫主义时代，音乐进入了主观表达与情感的汪洋。乐队成为了作曲家挥洒想象力的广阔画布。 第五章：配器的革命：音色如同绘画的颜料 这一时期的作曲家，如柏辽兹、瓦格纳和李斯特，将配器法提升到了独立艺术的高度。 柏辽兹的配器学： 详细解析柏辽兹的《戏剧性幻想交响曲》，他如何系统性地探索每一种乐器的极限音域和独特音色，创造出前所未有的“音响景观”。他对于打击乐组的拓展，以及对中音提琴声部的重视。 乐器的改良与发展： 这一时期，管乐器技术取得飞跃。重点讨论柏姆系统对长笛、单簧管的改革，以及活塞式铜管乐器的发明如何彻底解放了圆号和小号，使其能够自如地演奏半音，为浪漫主义和声的复杂化奠定了技术基础。 第六章：瓦格纳的“乐团巨兽”与乐团内部的重构 理查德·瓦格纳的歌剧要求乐队具备前所未有的力量和复杂性，以支撑其“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的理念。 铜管组的强化： 瓦格纳定制了“瓦格纳低音大号”（Wagner Tuba），以弥补圆号与长号之间的音域空隙，创造出更加深沉、浑厚的铜管和声。 织体的密度： 分析瓦格纳晚期作品中，乐队声部数量的急剧增加（有时超过百人），以及他对“隐藏的”乐队（如在舞台后方设置的乐队）的运用。 第七章：晚期浪漫主义的极致——马勒与施特劳斯 进入十九世纪末，乐队规模达到顶峰，音乐家们在处理极度庞大和弦时，达到了新的技巧高度。 马勒的内心独白： 马勒的交响曲不仅规模庞大，更注重个体乐器在宏大背景下的“独白”。分析《第三交响曲》中对打击乐、人声以及罕见乐器（如牛铃、锤子）的运用，探讨其象征意义。 理查·施特劳斯的音画： 重点研究《查拉图斯特拉如是说》等作品中，如何通过复杂的分声部和精确的力度控制，描绘哲学概念。 --- 第四部分：二十世纪的解构与重塑 (1900至今) 进入新世纪，传统调性体系瓦解，管弦乐队面临着如何适应现代主义、无调性以及电子化时代的挑战。 第八章：印象派、原始主义与音色的解放 德彪西和斯特拉文斯基是重塑管弦乐队音响的先驱。 德彪西的“色彩配器”： 强调音色的瞬间感和氛围的营造。分析《牧神午后前奏曲》中如何利用木管乐器的柔和高音和弦乐的弱奏，创造出朦胧的听觉印象。 斯特拉文斯基的冲击： 《春之祭》的配器是现代乐队的里程碑。分析其对节奏的极端强调、对传统美感的颠覆，以及对铜管乐器尖锐、不和谐音色的毫不留情的使用。 第九章：新古典主义与序列主义对编制的影响 二战后，作曲家们开始反思浪漫主义的过度膨胀，并引入新的组织原则。 对古典编制的回归与颠覆： 一些作曲家（如新古典主义者）倾向于缩减乐队规模，重新审视莫扎特时代的清晰性，但运用现代和声语言。 序列音乐的逻辑： 勋伯格的十二音体系，以及后来的序列音乐，对乐器组的分配提出了数学般的精确要求。分析布列兹（Boulez）等人在处理“完全序列化”时，如何对乐队的每一个声部进行严苛的控制。 第十章：当代配器的边界探索 当代管弦乐团的编制更加多元化，模糊了纯音乐与电子媒介的界限。 电子乐器与扩音技术： 探讨传统乐器如何与合成器、预录音轨，以及拾音技术相结合，扩展了交响乐的听觉范围。 对特定音响的追求： 讨论当代作曲家对噪声、微音程（Microtones）以及演奏技法（如使用木弓、特殊的揉弦）的探索，这些都极大地拓展了传统乐器的表现力。 --- 结语：永恒的对话与未来的和声 管弦乐队是人类集体创造力的缩影。从巴洛克时期的严谨到浪漫时期的激情，再到二十世纪的解构与融合，它始终是时代精神最忠实的记录者。本书通过对历史演变、技术革新和美学理念的梳理，希望读者能够以更深刻的理解去聆听每一次交响乐的响起——那不仅是数百位音乐家的合作，更是数百年音乐智慧的共同结晶。

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这本书带来的综合学习体验是极其流畅和愉悦的。电子资源的整合方面做得非常出色，配套的音频和视频资料加载速度快，内容与印刷文本的同步性极高，不需要我频繁地在实体书和电子设备之间来回切换，极大地优化了学习流程。特别是那些高品质的录音素材，发音者的语速自然、语调富有表现力，完全不是那种机械的、缺乏感情的机器朗读，这对于培养听觉的敏感度和语感至关重要。更值得一提的是，这本书的“自检”系统设计得极为人性化，它提供的练习反馈不是简单的对错标注，而是会深入到错误类型分析，比如指出你的错误是由于词汇混淆还是时态误用，这种诊断性的反馈机制，为我自我纠错指明了清晰的方向，让我明白自己在哪方面需要投入更多精力。总而言之，这是一本集美学设计、前沿内容、高效练习和智能反馈于一体的综合学习工具，远超了我对传统学习材料的预期。

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这本书的装帧设计简直是教科书级别的典范，拿到手的第一感觉就非常棒。纸张的质地摸上去既有足够的厚重感，又不会因为太光滑而反光刺眼，长时间阅读下来眼睛的疲劳感明显减轻了不少。封面色彩的搭配非常大胆和现代，深邃的黑与跳跃的亮红形成强烈的视觉冲击，这很符合现代学习者对“酷”的定义，而不是那种传统教科书的呆板模样。内页的排版更是让人眼前一亮，大量的留白处理使得文字和图片之间有了呼吸感，信息密度控制得恰到好处。图文的对应关系处理得极其巧妙，比如在讲解某个复杂的语法结构时，设计者没有用密密麻麻的例句堆砌，而是用了一张极具表现力的插画来辅助理解，这种直观性是传统纯文字教材无法比拟的。特别是那些关键知识点，都被巧妙地用不同的颜色区块或者小图标标记出来，形成了自己独特的视觉识别系统，让你在快速翻阅时总能精准定位到重点。装订工艺也相当扎实，即使我经常需要将书页完全翻开平放在桌面上进行抄写和比对，书脊也丝毫没有松动的迹象，这种细节上的用心程度，绝对能看出出版方对品质的坚持。

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这本书在练习设计上的创新性，简直是为我这种“动手能力强”的学习者量身定做的。市面上很多教材的练习题总是逃不出“填空”、“选择”、“翻译”这老三样，枯燥乏味且实战性不足。然而，这本书的练习册部分（我指的是它配套的学习工具和资源）提供了大量需要创造性思维和实际操作的环节。我特别喜欢其中要求构建情景对话并进行角色扮演的部分，它不仅要求你准确运用语法，更考验你临场反应和语境适应能力。此外，它还巧妙地设置了一些开放式的问题，这些问题没有标准答案，迫使我必须深入思考，形成自己的观点，并用目标语言进行有力的阐述，这对于提升口语流利度和逻辑思维的训练价值无可估量。即便是那些基础的巩固练习，也被设计成了小型的解谜游戏或快速反应挑战，大大降低了重复练习带来的厌倦感，让每一次练习都像是一场小小的智力竞赛，让人欲罢不能。

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从教学法的角度来看，这本书所体现的理念无疑是站在行业前沿的。它非常强调“输出驱动学习”，即在学生尚未完全掌握所有知识点之前，就开始鼓励他们进行复杂的表达和交流尝试。这种略带“挑战性”的教学节奏，非常符合成人学习者快速获得成就感的心理需求。教师指导手册（虽然我不是老师，但我偶然看到了其中的部分设计理念）似乎也明确指示了如何引导学生在错误中学习，而不是单纯地惩罚错误，这为学习者营造了一个非常安全和包容的尝试环境。我感受到，编者深知语言学习的本质在于沟通，而非完美无缺。因此，无论是听力材料还是阅读文本，都充满了真实世界中口音的多样性和语篇的不规范性，这为我准备未来在真实世界中与不同母语者交流打下了坚实的心理基础和适应能力，避免了在面对真实语境时因为过于追求“课本标准”而产生的语言僵化。

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作为一名对语言学习有着近乎苛刻要求的学习者，我最看重的是教材内容的前沿性和实用性。这本书在选材上展现出了惊人的敏锐度，它没有拘泥于陈旧的、脱离实际生活的对话场景，而是大胆地引入了当下社交媒体、跨文化交流中经常出现的热点话题。例如，关于“数字游民”的讨论模块，里面的词汇和表达都非常地道和时髦，让我感觉自己不仅仅是在学习一门语言，更是在同步更新与世界接轨的思维方式。课程设置的逻辑递进更是教科书级别的示范，从基础的语音辨识到复杂的语用分析，每一步都铺垫得水到渠成，没有丝毫的生硬过渡。尤其欣赏的是它对于文化背景知识的融入，不是干巴巴的知识点罗列，而是通过短小的、引人入胜的故事或访谈片段呈现，让你在不知不觉中领悟到语言背后的深层文化逻辑。这种“润物细无声”的教学法，极大地激发了我的学习内驱力，让我对每一个新单元都充满了期待，而不是像面对其他教材那样感到负担。

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