Aki Kuroda = pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Cadran solaire

作者:Pascal Bonafoux

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1989

价格:0

装帧:Paperback

isbn号码:9782908116007

丛书系列:

图书标签:

• 黑田亚希
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• 当代艺术

漆器之光：浮世绘大师的时代侧影 作者： 宫崎 健一 出版社： 东京美术出版社 页数： 420 页 装帧： 精装，附插图 150 幅（含高清彩版） 定价： 7,800 日元 --- 导言：江户的匠心与时代的脉搏 本书深入考察了江户时代中后期，日本漆艺领域中一股不容忽视的力量——那些致力于将传统莳绘（Maki-e）技艺推向极致的工匠群体。我们聚焦于一个被现代艺术史相对忽略的层面：那些在幕府体制下，既要遵循等级森严的规制，又要寻求个人风格突破的“大漆”艺术家们。 不同于将目光集中在浮世绘版画那喧嚣的町人文化或宏大的武家艺术，本书将镜头对准了更微观、更精密的领域——那些服务于茶道、香道，以及富裕町人阶层的日常器物与礼仪用具的制作。漆器，作为东亚文化圈中最为复杂和持久的装饰艺术形式之一，在江户时代达到了工艺的顶峰。它不仅仅是实用器皿，更是身份、品味乃至哲学思想的载体。 本书的核心论点在于，江户后期的漆艺发展，并非是孤立的技术演进，而是与当时的社会结构、经济流通以及审美观念——特别是对“侘寂”（Wabi-Sabi）美学的重新诠释——紧密交织的产物。 第一章：大漆的物质基础与工艺哲学 本章首先梳理了日本漆器从奈良时代传入以来，其独特的原材料——生漆（Urushi）的采集、提炼和性质。我们详细分析了江户时期，特别是关东地区和近畿地区，在漆源管理上的差异，这直接影响了不同流派漆器的质感和耐久性。 随后，重点探讨了“莳绘”技艺的细微差别。我们区分了金银粉末的撒播技术（平莳绘、高莳绘、研出莳绘），并引用了多件现存的茶入、印笼及食盒的微观研究报告，解释了如何通过控制金粉的粒径和涂层的厚度，来实现对光线的不同吸收与反射效果。 更关键的是，本章揭示了江户时代工匠们对于“时间”的理解。漆的干燥与硬化是一个缓慢、依赖环境的过程，这迫使工匠必须具备极强的耐心和对自然的敏感性。这种对时间性的尊重，构成了他们创作哲学的基础，与当时追求效率的商业文化形成了有趣的张力。 第二章：流派的兴衰与地域特色 江户时代的漆器艺术，呈现出明显的地域性竞争。本章对比了京都、金泽、江户（东京）以及萨摩等地在漆艺风格上的差异。 京都流派，长期受宫廷和公家文化影响，注重典雅和古典图案的复兴，其高莳绘作品往往追求极度的华丽与精细，反映了其作为文化中心的地位。 金泽前田家的庇护，则催生了以“螺钿”（Raden，镶嵌贝壳）技术闻名于世的流派。本章分析了如何利用鲍鱼壳和夜光螺的不同虹彩特性，创造出超越平面描绘的立体光影效果。 江户的町人文化对漆器的需求更为多样化。这里诞生了大量面向中产阶级的小型工艺品，如烟草盒（Kiseruzutsu）和发簪。这些作品往往更具趣味性、讽刺性或写实性，体现了浮世绘精神在三维空间中的折射。我们考察了如何通过“莳漆”（Urushi-e）等相对简化但效果显著的技术，实现工业化生产的初步尝试。 第三章：器物背后的社会密码：从茶室到歌舞伎座 漆器并非仅是艺术品，它们是社会交往和权力展示的工具。第三章聚焦于特定器物的社会功能： 1. 茶道与“侘寂”的再定义： 在18世纪末期，随着茶道理论的普及，对“古朴自然”的追求达到了顶峰。本章分析了“布目涂”（funaboke-nuri）和“芜漆”（kasure-nuri）等技法如何故意制造出残破、不完美的外观，以符合对简朴之美的追求。这些“不完美”正是高超技艺的体现，是身份的隐秘宣言。 2. 武士与日常用品的规范： 幕府对武士服饰和随身物品有着严格的规定。然而，在印笼、腰物（Kozuka）等私人佩饰上，工匠们巧妙地利用复杂的雕刻和微缩莳绘，在有限的空间内展现出极高的艺术水平，满足了武士阶层对精致私人空间的渴望。 3. 町人阶层的消费与趣味： 随着商业发展，富裕商人对华丽且实用的器皿需求旺盛。本章展示了用于宴饮和观剧的漆器，其主题往往取材于当下的流行故事或戏曲场景，反映了江户市民的世俗娱乐生活。 第四章：技术革新与流派冲突 江户后期，随着知识的传播（部分得益于西方的科学书籍翻译），工匠们开始对传统技法进行理论层面的反思和改进。本章探讨了与化学、光学相关的知识如何渗透到漆艺的实践中，例如对颜料混合比例的精确控制。 我们还深入考察了在特定时期内，一些激进的漆艺家如何挑战传统流派的保守态度。这些“叛逆者”往往试图将西方绘画中的透视法或异域（如中国和荷兰）的装饰元素融入到传统的莳绘框架中，尽管他们的作品在当时可能饱受争议，但却为明治维新后的新艺术运动埋下了伏笔。 结语：永恒的表象与流动的工艺 本书最后总结道，江户时代的漆艺达到了古典工艺的辉煌顶点。它在极端的限制下，通过对“光”、“时间”和“材质”的精妙控制，创造了既反映时代精神，又超越时代审美的艺术品。对这些匠人作品的细致研究，不仅能让我们理解江户社会的物质文化，更能体会到一种深植于东亚文化中的，对细致、耐力和自然之美的持久崇敬。 --- 本书特色： 罕见的历史档案： 首次整理了数份江户时代地方藩属国对漆器制作工匠的年度考核记录。 高清细节图解： 选取了多件藏于私人或地方博物馆的珍贵漆器进行超高倍率扫描，展示了肉眼难以察觉的莳绘笔触和工具痕迹。 跨学科视角： 将工艺史与社会经济史、茶道美学理论相结合，构建全面的历史图景。

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从收藏的角度来看，这本书的印刷质量绝对是顶级的。很多时候，我们在线上看到的艺术品图片，与实物之间的差距是巨大的，色彩失真、细节模糊是常态。但对于这本画册而言，那种对原作色彩的还原度，简直令人惊叹。特别是那些使用了特殊矿物颜料的作品，即便是通过纸张复制，依然能感受到颜料颗粒的厚重感和层次感。我甚至能够想象出原作表面上那些微微凸起的纹理。装帧上，书脊的装订方式非常坚固，即便是频繁翻阅，也不会有松动的感觉，这对于需要反复研究和欣赏的艺术书籍来说至关重要。随便翻到某一页，比如那组关于城市废墟和自然重生的系列作品，其构图的复杂性和细节的丰富性，都得到了极佳的展现。它不只是一本记录作品的工具书，更像是一件值得永久珍藏的艺术品本身。

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这本关于日本现代艺术家的画册，简直是一场视觉的盛宴。从那些充满力量感的笔触中，我仿佛能感受到艺术家在创作时的那种近乎原始的冲动与克制。色彩的运用极其大胆，有时候是近乎刺目的明亮，转瞬间又沉入幽深的墨色之中，形成了极强的张力。尤其值得称道的是，编排者在选择作品时，似乎精心设计了一条时间线，让我们能清晰地看到这位艺术家的风格是如何一步步演变、成熟的。早期的一些作品，带着明显的某种地域性或时代思潮的影子，显得略微青涩，但那股子不服输的劲头已经初露端倪。而进入中后期，作品的符号系统变得更加个人化和抽象化，那种对“空”与“满”的理解，达到了一个令人屏息的高度。尤其是那些大幅的抽象构图，每一块色块的边缘、每一次笔触的叠加，都蕴含着一种禅宗般的静谧与哲思。翻阅这本书，与其说是在看画册，不如说是在进行一场深度的冥想，让人忍不住停下来，盯着某一幅作品看上好几久，试图从中捕捉到艺术家隐藏的那个“秘密”。

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我必须承认，一开始我是抱着一种怀疑的态度打开这本精装书的，毕竟“当代日本艺术”这个标签有时候意味着过于晦涩难懂。然而，事实证明，我的担忧完全是多余的。这本书的装帧设计本身就极具匠心。纸张的质感，那种略微粗糙却吸光的触感，完美地衬托了原作的肌理。更令人惊喜的是，文字部分的处理。它没有采用那种高高在上的学术腔调，而是以一种近乎散文诗的方式，娓娓道来艺术家的创作心路。每一篇导读都像是一把钥匙，轻轻地为你打开了一扇理解作品的侧门，让你在不被强行灌输概念的前提下，自然而然地被引导进入那个艺术的世界观。比如，关于他如何看待“物哀”与现代性的冲突那一段论述，写得鞭辟入里，让我重新审视了日本美学中那些看似矛盾的元素是如何在他的作品中达成了和谐统一。这本书的价值，在于它成功地架设了一座沟通艺术与普通观众的桥梁，而不是建起一道高墙。

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这本书带给我的震撼，更多来自于一种情绪上的共鸣，而非纯粹的技法分析。它成功地捕捉到了一种属于东亚文化圈特有的、那种在极简主义外表下涌动的巨大情感张力。我读到关于艺术家童年经历的那一小段访谈记录，虽然篇幅很短，但那份对“消失”和“留存”的执着，几乎贯穿了之后所有作品的主题。那些看似留白的区域，其实才是承载最多重量的地方。它不是在描绘一个具体的场景，而是在捕捉一种存在状态，一种游走在清晰与模糊、有形与无形之间的微妙界限。我特别喜欢其中穿插的一些手稿和工作室的照片，它们提供了难得的“幕后”视角，让我们看到艺术家在追求极致表达时，那种近乎偏执的打磨过程。这种真实感，让冰冷的图像瞬间获得了温度。

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坦白说，这本书的阅读体验是一种层层递进的惊喜。最初被吸引的是其大胆的视觉冲击力，那些大胆的留白和几何切割，很有现代感。但随着阅读的深入，尤其是看到不同时期作品的并置对比时，我开始意识到，这位艺术家其实非常“古典”。他的作品里充满了对传统卷轴画空间处理的继承，只是他用现代的语言和材料进行了彻底的解构和重塑。这本书的编辑团队显然非常了解艺术史脉络，他们巧妙地将艺术家的创作放在了更宏大的文化背景下去审视，而不是将其孤立地看待。这种系统性的梳理，让原本可能显得零散的作品线索变得清晰起来。对于任何希望深入了解战后日本艺术如何实现自身“现代化转型”的爱好者来说，这本书绝对是不可或缺的参考书目，它提供了一个极具说服力的案例研究。

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