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出版者:湖南美术

作者:田英章

出品人:

页数:24

译者:

出版时间:2009-9

价格:10.00元

装帧:

isbn号码:9787535633576

丛书系列:

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飞扬的笔墨：中国传统绘画入门与鉴赏 内容简介 本书旨在为广大中国传统绘画爱好者，特别是初学者，提供一套系统、全面且富有启发性的入门指南。我们深知，绘画不仅是技艺的习得，更是对东方哲学、审美情趣和历史文化的深入理解与表达。因此，《飞扬的笔墨》摒弃了枯燥的理论说教，力求通过清晰的图示、精选的范例和深入的解析，引导读者轻松步入中国画的宏大世界。 本书的结构设计遵循“认知—技法—创作—鉴赏”的渐进路径，确保读者能够扎实地建立起中国画的基础知识体系。 --- 第一部分：绪论与基础认知 (溯源与心法) 1. 中国画的独特魅力与精神内核： 本章首先探讨中国画区别于西方绘画的核心差异，重点阐述“写意”与“写形”的辩证关系。我们将深入解读中国画中“天人合一”、“气韵生动”、“墨分五色”等核心审美范畴，帮助读者建立起正确的认知起点——绘画是心性的流露，而非单纯的客观再现。 2. 翰墨丹青的物质基础： 详尽介绍中国画所需的工具材料，包括： 笔的选择与养护： 从狼毫、羊毫到兼毫，不同笔锋特性如何影响线条的粗细、干湿和弹性。如何正确地“润笔”、“蓄墨”。 墨的学问： 介绍松烟、油烟墨的差异，以及如何通过研磨控制墨的浓度与光泽，理解“焦、浓、重、淡、清”的层次变化。 纸的讲究： 宣纸（生宣、熟宣）和皮纸的吸水性与肌理特点，以及如何根据不同的题材选择合适的载体。 印泥与色彩： 介绍矿物颜料（朱砂、石青、石绿）和植物颜料的特点，以及传统印泥的配方基础。 3. 执笔与用墨的基础姿势： 强调“立腕、悬肘、虚掌”的传统执笔法，详细图解如何通过身体的协调带动手臂和手腕的运动，从而控制笔锋，实现线条的力度与节奏感。这是所有技法的基础，我们将通过大量的练习示范，确保读者姿势正确。 --- 第二部分：线条的艺术——“十八描”的精深探究 (骨法用笔) 线条是中国画的骨骼和血肉。本章将全面解析中国画中约定俗成的经典线条类型，即“十八描”及其衍生变化。 1. 刚健有力的线条： 深入剖析如“铁线描”（刚劲有力，均匀圆润）、“柳叶描”（起笔重，中间细，收笔尖）的特点及适用对象（如表现金属、树干）。 2. 流动与韵律的线条： 重点讲解“兰叶描”（变化丰富，富有弹性和生命力）和“曹衣水描”（表现衣褶的厚重和质感），通过对比练习，让读者体会不同线条所传达的情感倾向。 3. 细节与质感的刻画： 针对人物画、花鸟画中的特定需求，如“游丝描”（极细而飘逸）和“麻勒描”（表现山石的粗粝感），进行专项训练。 【实战环节】：提供大量单线组合练习，将不同的线条技法融入到简单的几何图形和自然形态的描摹中，实现从“描”到“画”的过渡。 --- 第三部分：墨法的变化与渲染技巧 (随类赋彩) 墨法是中国画的灵魂，它关乎层次、体积和气氛的营造。 1. 墨的层次与晕染： 系统介绍“墨分五色”的具体操作方法，通过“积墨法”（层层叠加）和“破墨法”（利用水分相互渗透）形成深邃的视觉效果。重点练习“淡墨晕染”对体积感的塑造。 2. 皴法：山石的“皮肤”与“筋骨”： 本章是山水画的重中之重。我们将详细讲解并示范中国画中最常用的“皴法”，包括： 披麻皴、斧劈皴： 表现不同岩石的质地与年代感。 元 ছত্র皴、荷叶皴： 侧重于表现山体的浑厚与圆润。 披麻皴（披麻皴）： 侧重于表现山体的浑厚与圆润。 短促的短皴、苔点皴： 辅以苔点，增强画面的生命力与湿度。 3. 设色技法（花鸟与人物辅助）： 介绍中国画的设色原则——“不以色代墨，以色助墨”。讲解“平涂法”、“罩染法”和“点厾法”在花鸟画和人物背景中的应用，如何用矿物色提亮画面，同时保持水墨的韵味。 --- 第四部分：题材专项入门 (格物致知) 基于前三部分的扎实基础，本章将分别引导读者进入中国画的三大主流题材的初级创作。 1. 翎毛走兽： 花鸟画的起步： 以梅、兰、竹、菊“四君子”为切入点，学习“写竹”的节气变化，“写梅”的虬枝和花瓣的结构。重点讲解如何用“点厾法”表现花卉的生动与水分。 动物形态的捕捉： 学习基础的禽鸟结构，如何通过简练的线条表现鸟类的动态与神态。 2. 山水初探： 经典构图法则： 学习“三远法”（高远、深远、平远）在构图中的实际运用，以及如何安排前景、中景、远景以营造空间层次。 元素组合： 练习绘制基础的云雾、流水、树木与亭台楼阁。强调人与自然的和谐关系。 3. 人物白描基础： 人体结构的简化： 借鉴传统壁画和仕女画的笔法，学习如何用线条概括人体结构，而非写实解剖。 动态与表情： 练习表现基础的站姿、坐姿，通过眼睛和口鼻的几笔，传达人物的精神面貌。 --- 第五部分：临摹与创作导引 (意在笔先) 1. 临摹的科学方法： 强调临摹不是简单地描摹，而是“由形入手，由意入神”的过程。指导读者如何对古画进行“拆解分析”，理解古人下笔的逻辑和用墨的用意。建议从“浅绛山水”或“文人花鸟”的简洁作品入手。 2. 创作的构思与布局： 探讨如何将所学的点、线、皴、染技法，有目的、有情感地组织起来，完成一幅完整的作品。包括画面的平衡、视觉的引导以及“留白”在东方美学中的重要作用。 3. 题款与钤印的收尾： 介绍中国画特有的落款文化，如何根据作品内容和个人风格选择合适的字体，以及印章的布局与色彩，完成作品的最后一步升华。 结语： 中国画的学习是一个漫长而充满惊喜的旅程。本书提供了坚实的脚手架，但真正的飞扬，需要您以赤诚之心，融入笔端。

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我接触书法已经有些年头了，市面上那些所谓的“速成宝典”我已经看过不少，但大多都流于表面，讲的都是一些不痛不痒的皮毛功夫。直到我偶然翻到这本，才发现原来真正深入骨髓的技法讲解是这个样子的。它最让我惊艳的地方在于对“笔法”的剖析达到了近乎解剖学的精细程度。例如，它用大量的图示来分解“藏锋”与“出锋”在具体运笔过程中的提按顿挫变化，甚至连毛笔的侧锋、中锋、尖锋在行笔过程中笔杆角度的微小调整都描绘得淋漓尽致。这可不是一般书籍敢于触及的深度，很多资深书法家恐怕也需要仔细揣摩才能领悟透彻。更难能可贵的是，它在讲解这些高阶技法时，语气是极其谦逊和开放的，它鼓励读者去质疑、去体会，而不是生硬地要求服从。这种对传统书法的敬畏与现代教育理念的完美结合，使得这本书既有古法的厚重，又不失当代人学习的便捷性。

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这本书的结构设计堪称艺术品。它没有采用传统的“按字体”或“按笔画”的单一逻辑来组织内容，而是巧妙地构建了一个“由微观到宏观”的学习路径。开头从最基础的“执笔与调锋”入手，但这个基础章节的内容却远超一般的入门指导，它将执笔与气息、与心境直接关联起来，为后续的深入学习打下了坚实的哲学基础。随后，它并没有急着进入复杂的结构讲解，而是用了大量的篇幅来解析“墨色”的层次变化。如何控制水量、如何通过速度影响墨的洇散，这些细节处理，极大地丰富了书法的表现力。当真正进入到结构和章法的学习时，读者已经具备了足够的“笔法内功”和“墨法修养”，此时再去看那些复杂的组合关系，便能豁然开朗，不再觉得眼花缭乱。这种层层递进、步步为营的编排思路，体现了作者对书法学习规律深刻的洞察。

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我必须得夸赞一下这本书在“审美提升”方面的独到见解。很多书法书只关注技法，却忽略了艺术的最高境界——神韵与意境。而这本则非常注重培养读者的“眼力”。它不仅展示了古人的范本，更重要的是，它教会我们如何去“看”一幅好作品。比如，在介绍章法布局时，它引用了多幅不同风格的对比如图，分析了“计白当黑”、“欹侧取妍”等概念如何被大师们巧妙地运用，使得整幅作品在动态平衡中产生视觉的张力。作者似乎在引导我们跳出“写字”的层面，进入到“创作”的领域。读完后，我感觉自己不仅是学会了怎么写字，更是学会了如何用毛笔和墨水来表达个人的情感与世界观。它让我开始明白，书法绝不仅仅是线条的堆砌，它是一种将生命力和哲学思想注入纸张的独特艺术形式，极大地拓宽了我对“书法”二字的理解边界。

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对于我们这些非科班出身，自学成才的爱好者来说，最大的困扰往往是“如何自我纠错”。市面上很多教程只会告诉你“应该怎么做”，却鲜少告诉你“你做错在哪里”以及“错在哪里该如何修正”。这本书在这方面做得非常出色。它专门开辟了一个章节，详细列举了初学者最容易犯的十大类错误，比如“点画肥肿”、“结构松散”、“提按不稳”等等，并且每一种错误都配上了正反对比图例。更绝妙的是，它没有简单地指出错误，而是深入探讨了导致这些错误背后的根本原因——比如是手腕僵硬、气息不畅还是心神不宁——然后针对性地给出了具体的练习方法来“对症下药”。这种由表及里、直击痛点的教学方式，真正解决了我们在孤独练习中无从下手、瓶颈难破的窘境。读完这一章，感觉就像请了一位顶级的私教在身边随时指导，效果立竿见影。

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这本书的排版和装帧真是没得说，拿到手里就感觉物超所值。从纸张的选择到印刷的精细程度，都能看出出版方的用心。尤其是那些字帖的摹写部分，字迹清晰锐利，对比度处理得非常到位，即便是初学者也能很清楚地分辨出笔画的起收和转折。我个人非常喜欢它对不同书体演变脉络的梳理，没有那种干巴巴的理论灌输，而是通过大量精选的古代碑帖范例，循序渐进地引导读者去体会每一种书体的神韵和特点。比如在讲行书的连带关系时，它引用了非常多王羲之和颜真卿的经典作品，并且用小字批注的方式，细致地分析了特定连笔处的运笔节奏，这比单纯地模仿字形要深入得多，真正做到了“授人以渔”。这种注重实践与理论结合的方式，让我在练习过程中不再是盲目地照猫画虎，而是开始思考“为什么”要这样写，极大地提升了我的学习效率和对书法的敬畏之心。总的来说，这是一本从外在到内在都值得收藏和反复研读的佳作。

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