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出版者:New York Graphic Society

作者:

出品人:

页数:96

译者:

出版时间:1988-10

价格:USD 50.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9780821217207

丛书系列:

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《寂静的构造：现代建筑中的光影与材质叙事》 本书深入探讨了二十世纪中叶至当代，建筑设计中对于光线、阴影、以及天然与人造材料的精妙运用。它并非追溯某位设计师的生平或某一特定风格的演变，而是聚焦于建筑本体——物质形态如何与环境进行无声的对话，从而构建出具有深刻精神内涵的空间体验。 全书结构围绕“光之雕塑”、“材质的触感学”、“结构与虚空”三个核心章节展开，辅以对全球六个关键案例的深度剖析。 第一部分：光之雕塑——空间中的非物质存在 光，是建筑师手中最为灵动且难以捉摸的媒介。本章摒弃了将光视为单纯照明工具的传统观念，转而将其置于与砖石、混凝土同等的构造地位进行研究。 1.1 漫射与聚焦：光的物理性表达 我们考察了不同采光策略如何影响人的感知。例如，在北欧的博物馆设计中，如何通过设置大型的、多角度的磨砂玻璃幕墙，实现全天候、无强烈阴影的“均匀光场”，使得艺术品得以在稳定且柔和的环境中被观赏。这不仅仅是技术问题，更是对观看主体情绪调控的艺术。 随后，我们对比了对强光和阴影的戏剧性运用。在某些地中海风格的宗教建筑中，狭窄的开口和深邃的墙体共同作用，创造出从黑暗向光明瞬间过渡的体验。这种对比被视为一种隐喻，象征着精神上的觉醒或冥想的深度。 1.2 光的流逝：时间维度的植入 建筑是静止的，但光是流动的。本章重点分析了如何设计开口的角度、方向和大小，以捕捉特定时间的“光之印记”。一个完美的日晷式设计，能让特定的光束在一天中精准地落在特定的墙面或地面图案上，使建筑成为记录时间流逝的活日历。我们详细分析了巴西利亚大教堂中那些精心计算的几何开口，它们如何随着太阳的轨迹，在内部投射出不断变幻的、如同彩绘玻璃般的色彩和形状，即便没有使用任何彩色玻璃。 1.3 阴影的几何学 阴影被视为光存在的反面，是构造的清晰界定者。本书讨论了如何通过悬挑、格栅和深凹的立面，使阴影本身成为一种有重量、有形状的“负形”元素。这些阴影的动态变化，不仅为平面的立面增添了深度和纹理，也暗示了建筑内部空间的功能区隔。阴影的锐利或模糊，直接影响了我们对建筑体量感的判断。 第二部分：材质的触感学——从粗粝到温润的身体经验 建筑材料的选取，远超乎其物理性能的范畴，它与居住者的皮肤、衣物乃至心理产生直接的互动。本章着重于材料的“可感知性”。 2.1 原始性与精炼：混凝土的两种面孔 混凝土作为现代主义的标志性材料，其表达是多样的。我们考察了清水混凝土（Béton Brut）的粗犷美学，它如何坦诚地暴露模板的木纹、浇筑的接缝和气泡的痕迹，使建筑仿佛从大地中直接生长出来。这种材质强调了建造过程的真实性。 与之相对，我们研究了被精细打磨、抛光或涂覆的混凝土，它如何通过极高的平滑度，实现接近石材的静谧与内敛，甚至在光线下展现出珍珠般的光泽。材质的差异在于其对光线的反射率和对触摸的温度传导。 2.2 木材的呼吸与陈化 木材的引入，为冰冷的现代结构带来了有机生命力。本章区分了结构用木材与饰面用木材的哲学差异。结构木材，如大型的胶合木拱梁，其自身的跨度定义了空间的气氛，散发着自然力量的原始气息。而饰面木材，则通过其肌理的自然老化过程（氧化、变灰），记录了建筑与气候的长期博弈，创造出一种宁静的、具有历史深度的美感。 2.3 玻璃的透明性与反射性：界限的消弭 当玻璃被用作主要的围护结构时，它挑战了传统意义上的“墙”。我们分析了超白玻璃、低反射玻璃和夹胶玻璃在视觉效果上的微妙差异。透明度的高低，直接决定了室内外环境的融合程度。尤其是在与自然景观结合的建筑中，玻璃更像是选择性的过滤器，而非绝对的阻隔。 第三部分：结构与虚空——空间秩序的内在逻辑 建筑的本质是填充物质来定义非物质的空间（即虚空）。本部分探讨了结构系统如何直接转化为空间体验的骨架。 3.1 承重逻辑的可见性 在许多纯粹的现代主义建筑中，结构元素（柱、梁、剪力墙）被剥离了多余的装饰，直接成为立面和内部节奏的决定者。我们研究了网格系统（Grid System）如何通过重复的柱距，为使用者建立起潜意识的空间秩序感。这种秩序感并非束缚，而是一种可预测的、提供安全感的背景。 3.2 悬浮与轻盈的追求 通过对悬臂结构、张拉整体结构的研究，我们探讨了建筑师如何通过技术手段，挑战重力，创造出“漂浮”或“轻盈”的感知。例如，通过设置细长、对比强烈的支撑点，使得巨大的屋顶体量看起来如同被轻轻放置而非牢固地锚定于地面，这极大地影响了使用者对建筑稳定性的心理预期。 3.3 内部庭院与“被围合的天空” 内部庭院（Courtyard）作为一种古典的设计手法，在现代建筑中被重新诠释。它并非是外部景观的简单缩小，而是被精心控制的、私密的外部空间。这些庭院提供了一个可控的、与外界环境隔离的自然焦点，确保了内部空间在获得自然光和绿意的同时，保持了极高的专注度和宁静感。它们是建筑内部的“心室”，是光影、材质与时间的交汇点。 --- 结语：未完成的对话 本书并非提供最终答案，而是提出了一系列关于材料、光线和结构之间复杂关系的问题。每一个成功的建筑空间，都是一次对这些基本元素的重新审视和精妙平衡的结果，它们邀请着每一位进入其中的个体，去完成那段未被文字记录的、完全属于个人的感官叙事。建筑的真正价值，在于它在被使用、被时间侵蚀后，所能持续激发出的，关于物质与存在本身的沉思。

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坦白讲，这本书的排版和字体选择初看之下，可能会让习惯了大众主流风格的读者感到一丝疏离，它选择了非常规的留白和布局，这无疑是一种大胆的姿态。但正是这种“不妥协”的态度，才真正体现了其主题所蕴含的精神内核。这本书的叙事视角非常独特，它似乎采用了多重视角交织的策略，有时是设计师本人的内心独白，有时是合作者的客观评价，甚至偶尔还会插入一些模糊不清的访谈片段，这种碎片化的呈现方式，恰恰模拟了灵感诞生时那种不确定性与偶然性。我发现自己被卷入了一场关于“创造力本质”的无声辩论中。它没有直接给出标准答案，而是提供了一系列高质量的线索和参照物，促使我们自己去构建认知体系。这本书更像是一面棱镜，它折射出的光芒，取决于读者自身已有的知识储备和对美的敏感度。

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这本书的书名听起来就带着一种独特的、充满设计感的韵味，让人不禁联想到那些极具前瞻性和艺术性的时尚作品。我拿到这本书的时候，首先被它的装帧设计所吸引，那种简洁却不失深度的排版，仿佛已经预示了内里内容的非凡品质。我期待它能带我进入一个全新的视觉和思维空间，去探索那些超越日常审美的设计哲学。我猜想，这本书一定不会止步于简单的作品陈列，它应该会深入挖掘创作背后的逻辑，那种如何将抽象概念转化为实体形态的魔力。读完后，我感觉我的“设计雷达”被重新校准了，开始用一种更具批判性和欣赏性的眼光去看待周围的一切，从建筑的线条到日常用品的材质选择，都似乎蒙上了一层更深刻的理解。它不是一本可以快速翻阅的书，更像是一份需要静心品味的宣言，每一次重读都能发现新的层次和细节，着实是一次精神上的富矿。

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我是在一个朋友的推荐下购入的，起初我只是想找一本能提供一些灵感来源的读物，毕竟我的日常工作节奏很快，需要快速汲取养分。但这本书的阅读体验却是一种奇妙的“慢下来”的过程。它的文字结构非常跳跃，时而像诗歌般抒情，时而又转为冷峻的分析报告，这种强烈的对比感极大地调动了我的阅读兴趣。我尤其关注了其中关于“流动性”概念在不同载体上的实现方式，书中对动态美学的解析极其精妙，它不仅仅停留在视觉层面，而是深入到了力学和人体工程学的交汇点。读完后，我发现自己对“形式追随功能”这句话有了全新的理解，它不再是一个陈旧的口号，而是一种需要不断被重新定义、挑战和超越的动态关系。这本书的价值在于，它成功地搭建了一座桥梁，连接了纯粹的艺术思考与实际的工程实现，让读者在欣赏美感的同时，也能感受到背后的硬核支撑。

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作为一个对当代艺术史有持续关注的人，我很少见到能如此有效地处理“时间性”这一复杂议题的书籍。这本书没有按照传统的编年史线性叙事，而是采用了一种螺旋上升的结构，反复回溯和重访某些关键的设计时刻，每一次回归都带着新的解读和更深入的见解。这种处理方式极大地增强了内容的张力，让人始终保持一种“正在发现”的状态。书中对于媒介转换的讨论尤其令人耳目一新，它探讨了如何让原本固态的材料，在穿着或被观察时，产生出一种仿佛仍在变化中的视觉错觉，这本身就是一种对观看惯性的挑战。这本书成功地将一本可能枯燥的理论著作，转化成了一场对感知极限的探索之旅。它需要的不仅是耐心，更需要读者愿意放下既有的判断标准，去迎接一种更为开放和包容的审美体验。

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老实说，我对这类专注于某个设计巨匠的传记或深度解析类书籍通常抱持着一种谨慎的期待，因为太多作品只是流于表面地赞美，缺乏真正的洞察力。然而，这本厚重的篇章彻底颠覆了我的固有印象。它以一种近乎学术研究的严谨态度，剖析了该领域内一系列革命性的概念。我特别欣赏它对“物质性”与“虚无感”之间那种微妙平衡的探讨，那种对于面料的极致探索，简直让人叹为观止。书中那些历史背景的穿插叙述得非常自然，并非生硬地堆砌时间线，而是精准地嵌入到设计演变的脉络之中，使得读者能够清晰地理解每一个突破是如何在特定的时代背景下诞生的。阅读过程就像是跟随一位技艺高超的导游，深入一座迷宫般的思维殿堂，每转一个弯都能看到令人屏息的奇观，同时又清晰地知道自己正处在哪个历史节点上。这本书的深度和广度，让我毫不犹豫地认为它是该领域内不可多得的里程碑式著作。

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I checked this book out and realized it was autographed by Issey Miyake himself in 1988.

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