60年中国歌剧经典唱段 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:刘乐

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页数:131

译者:

出版时间:2009-9

价格:20.00元

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isbn号码:9787203063179

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• 中国歌剧
• 经典唱段
• 艺术歌曲
• 声乐
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• 戏曲
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• 中国音乐
• 60年

乐府新声：二十世纪中国歌剧声乐艺术的流变与探索 一、引言：时代的和声与艺术的熔炉 本书旨在梳理二十世纪以来，中国歌剧声乐艺术在特定历史语境下的发展脉络、风格演变及其对民族美学精神的独特诠释。它并非一部简单的作品选集或人物传记，而是一部深入剖析中国本土歌剧创作如何吸收西方美声传统、融合民间戏曲神韵，最终熔铸出具有强烈时代烙印和民族特色的“中国声乐风格”的学术专著。我们关注的焦点在于，在国家叙事、社会变革与艺术革新相互激荡的百年历程中，歌剧声乐这一体裁如何成为反映时代精神、塑造民族集体记忆的重要载体。 二、源起与奠基：从启蒙到探索（1900-1949） 本卷聚焦于中国现代歌剧的蹒跚起步阶段。在西方文化大规模涌入的背景下，音乐家们开始尝试将“歌剧”这一舶来品引入本土舞台。这一时期的探索充满了实验性与不确定性。 2.1 早期尝试与“新剧”的影响 梳理早期以林式可、赵元任等为代表的学者对歌剧形式的初步引入，以及他们如何借鉴京剧、昆曲的板式结构与表演程式，试图构建一种“中西合璧”的初期范式。重点分析早期作品（如《苏三》、《王昭君》的音乐剧化尝试）中，声乐技巧的西化倾向与本土语言的张力。 2.2 革命现实主义的萌芽 抗日战争及解放战争时期，歌剧开始承担起更明确的宣传与教育功能。声乐写作开始向通俗化、群体化倾斜。本部分着重分析在延安文艺路线指导下，如何简化美声的复杂技巧，强调歌词的清晰度和旋律的口语化，为后来的“民族歌剧”奠定群众基础。这一时期的唱段，虽然在技巧上可能尚不成熟，但其情感的纯粹性和叙事的力量，是后世难以复制的。 三、鼎盛与规范：民族歌剧的建立与发展（1949-1978） 中华人民共和国成立后，歌剧艺术被赋予了塑造“新人形象”和弘扬主流价值观的重任。声乐的创作和教学体系开始被系统化地建立起来，形成了具有高度辨识度的“民族歌剧唱法”。 3.1 样板戏的声乐贡献与“高亢”美学 虽然严格意义上样板戏并非传统意义上的“歌剧”，但其对声乐艺术的影响是革命性的。本部分将深入剖析样板戏唱段中对民族戏曲中“颤音”、“滑音”等技巧的借鉴与简化，如何与俄式美声的“支撑”技巧结合，形成一种强调“高、亮、强”的舞台声音风格。分析如《红灯记》、《智取威虎山》中经典唱段的结构特点，探讨其如何服务于英雄主义叙事。 3.2 抒情性与叙事性的平衡 在这一时期，一些旨在反映社会主义建设与农村生活的抒情性歌剧也相继涌现。分析这些作品如何试图在宏大的叙事中，开辟出个人情感表达的空间。声乐线条在此类作品中往往更具歌唱性和连贯性，避免了早期革命题材中过于口号式的处理。 四、转折与多元：风格的再审视与解放（1978至今） 改革开放为中国歌剧艺术带来了新的机遇与挑战。西方当代歌剧思潮的涌入，以及对本土传统文化更深入的挖掘，使得歌剧声乐的审美标准开始走向多元化。 4.1 对“正统”唱法的反思与解构 随着西方当代作曲技法的引入，一些作曲家开始质疑过去几十年中形成的“标准民族歌剧唱法”的单一性。本部分将探讨声乐写作如何开始注重音色变化、音域的拓展以及对不和谐音程的运用。歌唱者开始在保持气息支撑的基础上，尝试更贴合角色心理状态的、更具戏剧张力的声音处理。 4.2 戏曲元素的回溯与精致化 与五十年代的粗犷移植不同，新时期的歌剧创作更加有意识地、学术性地回归传统戏曲的声乐精髓。例如，在处理某些历史或民间题材时，作曲家不再简单地模仿，而是将戏曲的“韵味”提炼后，融入到规范化的美声框架中。分析此类作品中，声乐线条如何实现与民族乐器的对话，而非仅仅是伴奏。 4.3 当代都市题材中的声音肖像 当代歌剧开始关注都市个体命运和现代人的精神困境。这要求歌剧声乐必须摆脱过去“完美英雄”的塑造模式，转而追求人物内心的复杂性和声音的“个性化”。分析在这些作品中，如何通过声乐色彩的变化（例如使用更贴近说话的音色、更具呼吸感的处理），来刻画现代人在社会结构中的疏离感和挣扎。 五、技术性探析：中国歌剧声乐的独特技法 本章从纯粹的音乐学和声乐教学角度，提炼出中国歌剧声乐在发声、气息运用和语言处理上的共性与差异。 5.1 气韵的承载：气息与“内劲”的结合 分析中国歌剧声乐如何处理汉语的声调特点（尤其是四声的起伏），如何在保持美声“气息支撑”的同时，又不牺牲汉语韵文的自然流畅性。探讨“丹田运力”等传统概念在现代歌剧声乐训练中的转化与体现。 5.2 腔体共鸣与音色的民族化 不同于欧洲歌剧对“明亮、集中”的极致追求，中国歌剧声乐在追求穿透力的同时，往往需要更宽广的共鸣腔体来承载汉语的中性元音和丰富的辅音组合。探讨如何通过调整口腔形状和喉部位置，在不损害健康发声的前提下，赋予声音更贴近民族审美的“润泽感”或“醇厚感”。 六、结语：在继承与超越中前行 中国歌剧声乐艺术是一部持续进行中的宏大创作。它既要面对如何在全球化背景下保持文化主体性的挑战，也要解决如何将技术上的创新与深厚的情感表达有效融合的问题。本书的梳理旨在为研究者和实践者提供一个清晰的坐标系，理解过去百年间，中国音乐家们是如何用声音为时代立传，为民族抒怀的。未来的发展，必将是在更深层次理解自身文化基因的基础上，实现更具世界视野的艺术突破。

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这本书的阅读体验，很大程度上取决于它对细节的把控。我是一个注重实际操作的音乐工作者，所以最关注的是技术层面的呈现。这本书在关键曲目的乐谱摘录和演唱示范的描述上，做得非常到位。它没有简单地提供标准五线谱，而是加入了许多针对舞台演绎的特别标注，比如气息的控制点、舞台调度对演唱情绪的影响，甚至是对早期演唱家们特有的处理方式的旁注。这种“舞台语汇”的记录，是其他纯理论书籍难以提供的。我拿来对照练习时，能明显感受到这些细微提示带来的巨大差异。更难得的是，编者似乎非常理解不同时期美声发声法的细微流变，这一点在处理早期作品时尤其重要，既尊重了历史的原始风貌，又没有让现代的演唱者感到格格不入。对于希望精准复原或创新演绎这些经典片段的演唱者和指导老师来说，这本书无疑是案头必备的“工具书”，实用性极强。

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这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，那种带着岁月沉淀感的封面材质，一下子就把人拉回到了那个激情燃烧的年代。我记得我翻开第一页的时候，指尖触碰到纸张的纹理，仿佛还能感受到当年排练厅里热烈的空气。装帧上的金色烫边，不是那种浮夸的闪亮，而是低调而有质感的哑光金，恰到好处地烘托出“经典”二字的厚重。内页的排版布局也十分考究，字体的选择既保证了清晰易读，又带有一丝复古的味道，与主题高度契合。特别是那些早期剧照的印刷质量，色彩的还原度非常高，黑白照片的层次感也处理得极为细腻，让人仿佛能透过泛黄的纸张，直视舞台上演员们坚毅而充满激情的眼神。整体来看，这本书不仅仅是一本内容的汇编，更像是一件精心打磨的艺术品，收藏价值极高。每次把它摆在书架上，都能感受到一种无声的力量，那是几代艺术家心血的结晶所散发出的光芒。对于真正热爱舞台艺术的人来说，光是捧着它，就已经是一种享受了。

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从一个普通爱好者的角度来看，这本书最吸引我的地方在于它讲述的“人”的故事。那些光环背后的汗水与挣扎，那些幕后不为人知的坚持与牺牲，才是真正打动人心的。书中穿插的那些老艺术家的口述回忆片段，语言朴实，却充满了力量。我仿佛能看到，在物资匮乏的年代，他们是如何用近乎虔诚的态度去对待每一次登台的机会，是如何为了一个高音而反复推敲，是如何将个人的命运与国家和民族的叙事紧密地联系在一起。这种精神层面的传承，比任何炫目的技巧展示都要深刻。这本书成功地将“艺术品”还原成了“人创造的劳动成果”，让人在欣赏旋律的同时，也对那一代人的风骨充满了敬意。它让我意识到，真正的经典，从来都不是孤芳自赏，而是与时代脉搏同频共振的结果。

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我是在一次偶然的机会中接触到这本书的，当时我正在系统研究中国近现代舞台艺术的演变轨迹，急需一些一手或高度可靠的参考资料来支撑我的研究框架。这本书的内容深度和广度，超出了我最初的预期。它不仅仅罗列了作品名称和曲目，更深入地挖掘了每一段唱腔背后的时代背景、创作动机以及首演时的社会反响。我特别欣赏它在分析艺术手法时所展现出的专业性和客观性，没有用过分煽情或空泛的辞藻去堆砌赞美，而是用扎实的音乐理论和历史文献来支撑观点。比如，对某一特定声部在特定时期的处理技巧的解析，那种细致入微的剖析，对于我理解美声唱法在中国化过程中的技术革新，提供了极其宝贵的视角。可以说，它为我构建起一个清晰的脉络，让我得以追踪不同历史阶段艺术思潮的交锋与融合。这本书的学术价值，远超其作为一本“回顾录”的定位。

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我常常会带着这本书去听音乐会，特别是当有人重新演绎这些久经考验的曲目时。这本书提供了一个绝佳的参照系。当我听到一个现代的演绎时，我不再仅仅是凭感觉去判断好坏，而是可以迅速地在脑海中调出书中所描述的“那个时代的原貌”与“权威性的解析”，进行对比和思考。这种参照能力，极大地提升了我欣赏音乐的层次感。此外，书中对不同版本和不同演唱者风格的对比分析，也培养了我一种更宽容和多元的审美观。它告诉我，艺术是流动的，经典也会在不同的历史时期被注入新的生命和理解，而不是被僵硬地供奉起来。这本书不仅是过去的回顾，更像是为未来艺术探索提供了一个坚实的“文化锚点”，让人在向前奔跑时，知道自己脚下的土地有多么深厚。

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