具体描述
本书作者William Moylan博士曾经与包括爵士乐、流行音乐及古典音乐等多个领域的顶尖艺术家合作过。他的录音作品被许多大唱片公司和独立唱片公司发行，获得广泛认可，并获得多个格莱美提名。20年来，他一直是一名出色的教育家，一名积极的录音工程师和制作人，现在还是马萨诸塞大学洛维尔分校录音技术专业的教务主任和音乐教授。
本书向你介绍录音和缩混的美学，帮助你提高思考声音及其特性的技巧。本书还对混音的理解和加工提供了一些清晰而系统化的方法，帮助你识别、评价和塑造你在录音中所需的艺术要素。
William Moylan在本书中介绍了声音和音乐中的各个方面在录音过程中是如何被加工和塑造的，并通过甲壳虫乐队的录音对此进行分析。
书中每一章都包含了一些小练习，鼓励读者深入思考在录音的计划、实施和评价过程中的创意、艺术和技术过程。
本书为“传媒典藏”音频系列图书中的一本，全套书引进自全球著名传媒出版社Focal Press，该出版社已有70年的传媒图书出版历史，拥有众多国际专业领域内的大师级作者。此套图书含音频技术和录音技术方面的图书20余本，已经出版的有《音响系统设计与优化》、《录音师实战技巧》、《MIDI手册》、《数字影像声音制作》、《电视音频工程师实用手册》、《音频制作软件应用手册》，除此次隆重首发的《混音艺术与创作》外，其他该系列图书也将在近期陆续出版。
作者简介
目录信息
1 声音的元素和录音 3
1.1 声音的状态 3
1.2 声音的物理维度 5
1.2.1 音色 6
1.2.2 空间 9
1.3 声音的感知参数 14
1.3.1 音高 14
1.3.2 响度 16
1.3.3 持续时间 17
1.3.4 感知中的音色 19
1.3.5 空间特性 21
1.3.6 感知参数间的相互作用 28
1.4 小结 31
练习 32
2 录音中声音的美学和艺术要素 33
2.1 声音的状态和美学/艺术要素 34
2.2 音高等级和音高关系 35
2.2.1 音高的传统使用方法 35
2.2.2 录音制作中音高的新观念 37
2.3 动态水平和关系 39
2.3.1 动态的传统使用方法 39
2.3.2 动态水平和关系的新观念 40
2.4 节奏模式和有效速率 41
2.5 声源与声音品质 42
2.6 空间特性：立体声和环绕声 44
2.6.1 双声道立体声 45
2.6.2 环绕声 51
2.7 小结 54
练习 55
3 音乐信息和听音者 56
3.1 音乐信息 56
3.2 音乐的形式与结构 58
3.3 音乐素材 60
3.4 艺术要素与音乐素材的关系 61
3.5 乐思的表达与等同性 63
3.6 文字和歌词 64
3.6.1 字面含义 64
3.6.2 歌词的结构与形式 65
3.6.3 文字和音乐的结合 66
3.7 听音者 67
3.7.1 知识 69
3.7.2 体验 69
3.7.3 期望 71
3.7.4 分析推理 72
3.7.5 主动聆听和被动聆听 72
3.7.6 聆听机能的状况 73
3.7.7 目标听众 73
3.8 小结 74
练习 75
第2部分 理解混音：提高聆听和声音评价技巧
4 音频工作者所需的聆听和声音评价技巧 79
4.1 为什么音频工作者需要对声音进行评价 80
4.2 谈论声音 81
4.3 聆听过程 83
4.3.1 鉴定性聆听和分析性聆听 83
4.3.2 声音事件和声音对象 84
4.3.3 角度和聚焦 85
4.3.4 多层面的聆听技巧 87
4.3.5 分心 87
4.4 个人聆听和声音评价能力的提高 88
4.4.1 提升记忆力 88
4.4.2 成功与提高 89
4.4.3 发现声音 90
4.5 小结 91
练习 91
5 声音评价体系 93
5.1 体系概览 93
5.2 声音评价的顺序 96
5.3 绘制声音成分的状态和运动 99
5.3.1 时间线 99
5.3.2 纵轴(y) 100
5.3.3 多层图 101
5.3.4 绘制多个声源 102
5.4 根据时间线画图 104
在时间快照中标注声音 105
5.5 小结 106
练习 106
6 评价音频信号和音乐录音中的音高信息 109
6.1 分析系统 110
6.2 实现音高感应 110
6.3 识别音高 112
6.4 音高区间和频段识别 115
音高区间和音高密度 119
6.5 旋律轮廓 121
6.5.1 依照时间线绘制素材 121
6.5.2 聆听和记录 122
6.5.3 旋律包络图 123
练习 124
7 评价音频信号和音乐录音中的响度信息 128
7.1 基准动态水平和结构层级 129
7.1.1 基准动态水平 129
7.1.2 演奏强度和动态标记 131
7.1.3 动态水平与范围 132
7.1.4 确定基准动态水平 133
7.2 节目动态轮廓 135
7.3 音乐平衡 138
7.4 演奏强度与音乐平衡 139
练习 141
8 评价声音品质 145
8.1 鉴定性聆听背景下的声音品质 146
8.2 分析性聆听背景下的声音品质 147
8.3 声音品质和角度 148
8.4 评价声音品质和音色特性 148
8.4.1 确定时间线 149
8.4.2 确定声音评价的4个组成部分 150
8.4.3 声音品质评价的步骤 154
8.4.4 评价实例 156
8.5 小结 159
练习 160
9 评价重放声音的空间要素 162
9.1 将空间理解成一种艺术要素 163
9.1.1 感知演奏环境 163
9.1.2 音场和声成像 164
9.1.3 单个声源的环境 165
9.1.4 录音的纵深 167
9.1.5 方向定位 168
9.2 立体声定位 169
9.3 纵深定位 172
9.3.1 理解纵深定位 173
9.3.2 对纵深定位的评价 176
9.4 环境特征 179
9.4.1 评价环境特征 180
9.4.2 环境特征图 184
9.5 空间内的空间 186
9.6 环绕声 189
9.6.1 格式的考虑 189
9.6.2 评价环绕声定位 191
练习 197
10 完整评价以及对观察结论的理解 206
10.1 音高密度与音色平衡 207
10.1.1 音高密度 207
10.1.2 音色平衡 209
10.2 整体结构 211
10.3 单独声源与整体结构的关系 214
10.4 完整评价 220
10.4.1 需要评价的要素 221
10.4.2 观察各要素的角色和相互作用 222
10.4.3 连续切换聆听重点和角度 224
10.5 在评价和实际制作中使用评价图 227
10.6 小结 228
练习 229
第3部分 混音的工艺：塑造音乐和声音，控制录音过程
13 初期阶段：定义录音项目的素材 254
14 对声源的拾取、塑造及创作 287
15 最终的艺术处理和音乐制作流程综述 314
CD内容及声轨说明 332
词汇表 341
参考文献 351
唱片目录 359
· · · · · · (收起)
读后感
我不知道读者们是怎么看，但是我觉得非常到位。我概念性的东西了解不多，但是阅读起来不吃力，并且我从事英语工作，觉得可以。没看过原版，但我想这个翻译力度是可以的。
评分我不知道读者们是怎么看，但是我觉得非常到位。我概念性的东西了解不多，但是阅读起来不吃力，并且我从事英语工作，觉得可以。没看过原版，但我想这个翻译力度是可以的。
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用户评价
这本书绝对是改变了我对音乐制作看法的灯塔。在我拿到《混音艺术与创作》之前，我一直以为混音只是简单地把音轨的声音调大调小，或者加点效果器。但这本书，简直是打开了一个全新的次元。作者的讲解方式非常深入浅出，即使是我这种之前对混音概念一知半解的菜鸟，也能很快抓住核心要点。书中不仅仅是罗列各种技术名词，而是通过大量的实例和比喻，让我真正理解为什么某个操作会对声音产生如此巨大的影响。 最让我印象深刻的是关于频率的处理。我以前总觉得低频就是“咚咚咚”，高频就是“呲呲呲”，但这本书让我明白，每个频段都有其独特的“性格”和“作用”。作者详细讲解了如何使用均衡器（EQ）来塑造声音的清晰度、厚度、空间感，甚至是如何让不同的乐器在混音中“站稳脚跟”，不互相干扰。我曾经花了几个小时去调试一首自己的歌，感觉总是不对劲，直到读到书中关于“掩蔽效应”的那一章，我才恍然大悟。原来是我的贝斯和底鼓在低频段“打架”了！通过书中介绍的削减和提升技巧，我学会了如何巧妙地为它们划分“领地”，让整个混音的低频部分变得既有力又干净。 此外，书中对于动态处理的讲解也让我受益匪浅。压缩器（Compressor）这个曾经让我望而生畏的工具，现在在我手里变得顺手多了。作者没有直接丢给我一堆参数，而是循序渐进地解释了阈值、比率、启动时间、释放时间这些概念的实际意义，并且用形象的比喻说明了它们是如何影响声音的动态范围。我学会了如何使用压缩器来控制鼓组的冲击力，让录音中的人声更加稳定，甚至是通过巧妙的并行压缩，为乐器增加“生命力”。这本书让我不再害怕复杂的插件，而是把它们看作是创作的有力助手。 书中关于立体声像（Panning）和空间感的处理，更是让我眼前一亮。我以前总觉得把乐器随意地放在左右声道就行了，但这本书让我明白，立体声像的摆位是一门艺术。作者详细讲解了如何利用立体声像来营造声音的宽度、深度和层次感，让听众在聆听时有置身其中的感觉。通过对不同乐器声像的精妙布局，我能够让我的混音听起来更加“大”，更加“开阔”，而不是挤在一起的“一团糟”。书中还提到了如何利用混响（Reverb）和延迟（Delay）来模拟不同的空间环境，让乐器听起来仿佛置身于巨大的音乐厅、狭窄的房间，甚至是在户外。这让我的作品立刻增添了许多艺术气息。 这本书对于“混音”这个概念的理解，也远超我之前的认知。我一直以为混音只是技术层面上的操作，但《混音艺术与创作》让我明白，它更是艺术创作的一部分。作者在书中强调了“情感表达”在混音中的重要性。如何通过对声音的塑造，来传递歌曲的情绪，表达音乐家的思想。这让我开始重新审视我的作品，思考我希望通过声音传达什么样的情感，是激昂的、悲伤的、还是宁静的？这本书让我从一个“技术工匠”转变为一个“声音雕塑家”，更加注重作品整体的感染力和艺术性。 让我感到惊喜的是，书中不仅讲解了技术，还花了相当大的篇幅来探讨“创作”的理念。它将混音从一个纯粹的技术层面提升到了一个更广阔的艺术创作领域。作者通过引导读者思考“什么是音乐的灵魂？”、“如何让声音讲述故事？”等问题，激发了我的创作灵感。我开始意识到，好的混音不仅仅是把声音弄得“好听”，更是要让每一个音符都承载着创作的意图，都服务于歌曲整体的情感表达。这本书让我不再拘泥于某个插件的使用技巧，而是更关注如何通过声音的组合和处理，来构建一个引人入胜的音乐世界。 书中关于“听力训练”和“参考音轨”的部分，是我一直以来都非常欠缺的。作者用非常系统的方法，指导我如何去辨别声音的细微差别，如何去捕捉优秀作品的混音特点。我曾经尝试过模仿自己喜欢的歌曲，但总是不得要领。读了这本书，我才明白，这不仅仅是复制，而是要去分析，要去理解，要去内化。通过书中提供的听力练习，我能够更清晰地分辨出乐器之间的关系，更准确地判断声音的平衡度，更有效地评估混音的整体质量。这让我不再是盲目地进行调整，而是有了更明确的目标和方向。 还有一个让我深感佩服的地方是，这本书对于“声音的质感”的追求。作者在书中详细地讲解了如何通过各种技术手段，来提升声音的“光泽度”、“厚度”、“温暖度”等质感要素。我曾经觉得自己的作品听起来总是“干巴巴”的，缺乏生命力。但通过书中对于不同处理方式的深入分析，我学会了如何让乐器听起来更加“饱满”，更加“有肉”，甚至是如何为声音注入“空气感”和“颗粒感”。这让我的混音作品在细节上有了质的飞跃，听起来更加专业和富有吸引力。 书中还涉及到了对不同音乐风格的混音特点的探讨，这对于我拓宽音乐视野起到了重要的作用。无论是摇滚乐的冲击力，爵士乐的细腻，还是电子音乐的层次感，作者都进行了深入的剖析，并给出了相应的混音建议。这让我明白，混音并非一套通用的公式，而是需要根据不同的音乐风格，采用不同的策略和方法。我开始尝试将不同风格的混音理念融入到自己的创作中，让我的作品更加多元化和富有创意。 总而言之，《混音艺术与创作》这本书，与其说是一本技术手册，不如说是一本音乐创作的哲学指南。它不仅教授了我混音的技法，更重要的是，它点燃了我对于音乐创作的热情，让我看到了声音的无限可能。我从这本书中获得的，远不止是技术的提升，更是对于音乐本身理解的升华。这本书绝对是我音乐道路上的一笔宝贵财富，我将反复研读，并将其中的精髓融入到我未来的每一次创作之中。
评分在我拿起《混音艺术与创作》这本书之前，我对混音的认识，就像一个只能听到“好听”或“不好听”的模糊判断。《混音艺术与创作》这本书，却像一位细致入微的医生，为我分析了声音的每一个“器官”的功能，让我理解了“好听”背后的科学与艺术。 书中关于“频率的辨识与塑形”，让我对EQ的运用有了精准的把握。我以前只是随意地拨动旋钮，但作者让我明白，每个频率段都有其独特的“角色”和“声音特质”。我学会了如何通过精妙的EQ调整，为乐器“赋予”新的“生命力”，让它们在混音中“脱颖而出”。书中关于“共振”和“滤波”的原理，让我能够更自信地去“塑造”声音的“个性”。 其次，书中关于“动态的表情描绘”，让我对压缩器和限制器有了全新的认识。我曾经将它们视为“平庸化”声音的工具，但这本书让我看到，它们更是“放大情感”的放大器。作者通过形象的比喻，解释了“阈值”、“比率”和“时间常数”这些参数，是如何影响声音的“冲击力”和“延展性”。我学会了如何巧妙地运用压缩，来让鼓组的“力量”瞬间爆发，又如何让人声的“情感”得到更细腻的表达。这让我对音乐的“情感张力”有了全新的理解。 更让我惊艳的是，书中关于“空间感的氛围营造”，让我仿佛置身于一个由声音构成的3D世界。作者不仅仅是介绍混响和延迟，而是深入分析了它们如何影响我们对“距离”和“环境”的感知。我学会了如何通过调整“预延迟”和“衰减时间”，来模拟一个狭窄的舞台，又或者是一个宽广的音乐厅。这种对空间感的精妙运用，让我的作品瞬间拥有了“深度”和“宽度”，不再是平面化的声音堆积。 而且，书中对于“声音的质感”的追求，更是让我领略到细节的魅力。作者不仅仅是教我如何让声音“响亮”，更是让我如何让声音“有味道”。我学会了如何通过对“谐波”和“饱和度”的控制，来为乐器增加“温暖”和“颗粒感”，让声音听起来更加“饱满”和“醇厚”。这种对声音质感的精益求精，让我开始理解，为什么有些音乐听起来那么“舒服”和“耐听”。 让我感到特别的是，《混音艺术与创作》这本书，不仅仅是一本技术手册，更是一本关于“音乐表达”的哲学。作者在书中反复强调，混音是为了更好地表达音乐的“情感”。我曾经以为混音就是把所有声音都做到“完美”，但这本书让我明白，有时候，一点点的“不完美”，反而能增添歌曲的“真实感”和“力量感”。如何通过对声音的“染色”和“塑造”，来传递出创作者想要表达的情感，这是我从这本书中获得的宝贵启示。 书中关于“听力训练”的部分，也为我提供了一个非常实用的方法。作者指导我如何去“倾听”，如何去“辨别”，如何去“分析”。我学会了如何用“参考音轨”来对比自己的作品，如何去捕捉优秀混音的“精髓”。这种科学的训练方法，让我不再是凭感觉去做混音，而是有了更明确的目标和方向。 让我感到欣慰的是，书中对于“创作理念”的探讨，也让我从一个单纯的技术使用者，转变为一个有思考的创作者。作者鼓励我去“想象”，去“尝试”，去“突破”。他让我们明白，技术只是工具，最终的目的是为了创造出具有艺术价值的作品。这种创作自由的理念，让我更加自信和大胆。 让我感到惊叹的是，这本书并没有停留在单一的音乐风格，而是涵盖了各种音乐类型的混音特点。从摇滚的“力量”到电子的“节奏”，再到爵士的“细腻”，作者都进行了深入的分析，并给出了相应的指导。这让我看到了混音的无限可能性，也拓宽了我的音乐视野。 总而言之，《混音艺术与创作》这本书，对我来说，不仅仅是一本学习混音的指南，更是一本启迪我音乐创作之路的明灯。它让我从一个懵懂的初学者，成长为一个对声音充满热情和创造力的探索者。我在这本书中获得的，远不止是技术的提升，更是对声音艺术的深刻理解和对音乐创作的热爱。这是一本我愿意反复阅读，并从中汲取灵感的宝贵财富。
评分在我翻开《混音艺术与创作》这本书之前，我以为混音就是给歌曲加点“调味剂”，让它听起来更“顺滑”一些。《混音艺术与创作》这本书，简直就像一位艺术家，用最精妙的笔触，为我描绘出声音的万千变化，让我看到了声音背后隐藏的无限可能性。 书中关于“频率的雕刻”的描述，让我彻底颠覆了对EQ的认知。我以前只是随便拨弄几个旋钮，但这本书让我明白，频率是有“颜色”和“质感”的。作者将高频、中频、低频分别赋予了不同的“性格”，例如，高频的“锐利”和“空气感”，中频的“清晰”和“存在感”，低频的“厚重”和“驱动力”。我学会了如何通过精准的EQ调整，为乐器“提亮”它的“光泽”，或者“削减”它的“毛刺感”。书中对“共振”和“滤波”的深入讲解，让我能够更自信地去“塑造”声音的“形态”。 其次，书中关于“动态的掌控”，让我对压缩器和限制器有了全新的认识。我曾经以为它们只是为了让声音“变小”的工具，但这本书让我看到，它们更是“赋予生命力”的关键。作者通过形象的比喻，解释了“阈值”、“比率”和“时间常数”这些参数，是如何影响声音的“冲击力”和“延展性”。我学会了如何巧妙地运用压缩，来让鼓组的“力量”喷薄而出，又如何让人声的“情感”得到更细腻的表达。这让我对音乐的“节奏感”有了全新的理解。 更让我惊艳的是，书中关于“空间感”的营造，让我仿佛置身于一个由声音构成的3D世界。作者不仅仅是介绍混响和延迟，而是深入分析了它们如何影响我们对“距离”和“环境”的感知。我学会了如何通过调整“预延迟”和“衰减时间”，来模拟一个狭窄的舞台，又或者是一个宽广的音乐厅。这种对空间感的精妙运用，让我的作品瞬间拥有了“深度”和“宽度”，不再是平面化的声音堆积。 而且，书中对于“声音的质感”的追求，更是让我领略到细节的魅力。作者不仅仅是教我如何让声音“响亮”，更是让我如何让声音“有味道”。我学会了如何通过对“谐波”和“饱和度”的控制，来为乐器增加“温暖”和“颗粒感”，让声音听起来更加“饱满”和“醇厚”。这种对声音质感的精益求精，让我开始理解，为什么有些音乐听起来那么“舒服”和“耐听”。 让我感到特别的是，《混音艺术与创作》这本书，不仅仅是一本技术手册，更是一本关于“音乐表达”的哲学。作者在书中反复强调，混音是为了更好地表达音乐的“情感”。我曾经以为混音就是把所有声音都做到“完美”，但这本书让我明白，有时候，一点点的“不完美”，反而能增添歌曲的“真实感”和“力量感”。如何通过对声音的“染色”和“塑造”，来传递出创作者想要表达的情感，这是我从这本书中获得的宝贵启示。 书中关于“听力训练”的部分，也为我提供了一个非常实用的方法。作者指导我如何去“倾听”，如何去“辨别”，如何去“分析”。我学会了如何用“参考音轨”来对比自己的作品，如何去捕捉优秀混音的“精髓”。这种科学的训练方法，让我不再是凭感觉去做混音，而是有了更明确的目标和方向。 让我感到欣慰的是，书中对于“创作理念”的探讨，也让我从一个单纯的技术使用者，转变为一个有思考的创作者。作者鼓励我去“想象”，去“尝试”，去“突破”。他让我们明白，技术只是工具，最终的目的是为了创造出具有艺术价值的作品。这种创作自由的理念，让我更加自信和大胆。 让我感到惊叹的是，这本书并没有停留在单一的音乐风格，而是涵盖了各种音乐类型的混音特点。从摇滚的“力量”到电子的“节奏”，再到爵士的“细腻”，作者都进行了深入的分析，并给出了相应的指导。这让我看到了混音的无限可能性，也拓宽了我的音乐视野。 总而言之，《混音艺术与创作》这本书，对我来说，不仅仅是一本学习混音的指南，更是一本启迪我音乐创作之路的明灯。它让我从一个懵懂的初学者，成长为一个对声音充满热情和创造力的探索者。我在这本书中获得的，远不止是技术的提升，更是对声音艺术的深刻理解和对音乐创作的热爱。这是一本我愿意反复阅读，并从中汲取灵感的宝贵财富。
评分这本书，在我拿到之前，我对“混音”这个词的理解，大概就停留在“把音量调高调低”的层面。《混音艺术与创作》这本书，就像一位经验丰富的向导，把我带进了一个五彩斑斓的声音世界，让我开始领略到声音的“形状”、“质感”和“情感”的复杂与美妙。 首先，书中对于“频率的运用”，简直是打开了我对声音的一个全新维度。我以前总觉得低频就是“轰轰”，高频就是“沙沙”，但作者将频率的划分比喻成调色板，让我明白了如何通过EQ来“渲染”乐器的“色彩”。例如，如何巧妙地提升某个乐器的“亮度”，让它在混音中“闪耀”；又如何精准地削减某个频率段的“浑浊”，让声音变得更加“干净”和“通透”。书中关于“共振”和“滤波”的原理，让我对声音的“身体”有了更深的理解，不再是模糊的感知，而是能够精准地去“雕刻”。 其次，书中对于“动态的艺术”，可以说彻底改变了我对压缩器的认知。过去，压缩器在我看来就是一个“粗暴”的工具，用来“压制”不听话的声音。但作者将其阐述为“赋予生命力”的关键。我明白了“阈值”、“比率”和“时间常数”这些参数，不仅仅是数字，更是控制声音“冲击力”和“延展性”的艺术。学会了如何让鼓组的“力量”瞬间爆发，又如何让人声的“情感”得到更细腻的表达，这让我对音乐的“律动感”有了全新的认识。 更让我惊艳的是，书中关于“空间感”的营造，让我仿佛置身于一个由声音构成的3D世界。作者不仅仅是介绍混响和延迟，而是深入分析了它们如何影响我们对“距离”和“环境”的感知。我学会了如何通过调整“预延迟”和“衰减时间”，来模拟一个狭窄的舞台，又或者是一个宽广的音乐厅。这种对空间感的精妙运用，让我的作品瞬间拥有了“深度”和“宽度”，不再是平面化的声音堆积。 而且，书中对于“声音的质感”的追求，更是让我领略到细节的魅力。作者不仅仅是教我如何让声音“响亮”，更是让我如何让声音“有味道”。我学会了如何通过对“谐波”和“饱和度”的控制，来为乐器增加“温暖”和“颗粒感”，让声音听起来更加“饱满”和“醇厚”。这种对声音质感的精益求精，让我开始理解，为什么有些音乐听起来那么“舒服”和“耐听”。 让我特别感动的是，《混音艺术与创作》这本书，不仅仅是一本技术手册，更是一本关于“音乐表达”的哲学。作者在书中反复强调，混音是为了更好地表达音乐的“情感”。我曾经以为混音就是把所有声音都做到“完美”，但这本书让我明白，有时候，一点点的“不完美”，反而能增添歌曲的“真实感”和“力量感”。如何通过对声音的“染色”和“塑造”，来传递出创作者想要表达的情感，这是我从这本书中获得的宝贵启示。 书中关于“听力训练”的部分，也为我提供了一个非常实用的方法。作者指导我如何去“倾听”，如何去“辨别”，如何去“分析”。我学会了如何用“参考音轨”来对比自己的作品，如何去捕捉优秀混音的“精髓”。这种科学的训练方法，让我不再是凭感觉去做混音，而是有了更明确的目标和方向。 让我感到欣慰的是，书中对于“创作理念”的探讨，也让我从一个单纯的技术使用者，转变为一个有思考的创作者。作者鼓励我去“想象”，去“尝试”，去“突破”。他让我们明白，技术只是工具，最终的目的是为了创造出具有艺术价值的作品。这种创作自由的理念，让我更加自信和大胆。 让我感到惊叹的是，这本书并没有停留在单一的音乐风格，而是涵盖了各种音乐类型的混音特点。从摇滚的“力量”到电子的“节奏”，再到爵士的“细腻”，作者都进行了深入的分析，并给出了相应的指导。这让我看到了混音的无限可能性，也拓宽了我的音乐视野。 总而言之，《混音艺术与创作》这本书，对我来说，不仅仅是一本学习混音的指南，更是一本启迪我音乐创作之路的明灯。它让我从一个懵懂的初学者，成长为一个对声音充满热情和创造力的探索者。我在这本书中获得的，远不止是技术的提升，更是对声音艺术的深刻理解和对音乐创作的热爱。这是一本我愿意反复阅读，并从中汲取灵感的宝贵财富。
评分在我拿到《混音艺术与创作》这本书之前，我对混音的理解，就像一个厨师只会加盐和胡椒，以为味道就够了。《混音艺术与创作》这本书，却为我揭示了声音的“烹饪秘籍”，让我明白如何运用各种“香料”和“火候”，来调制出层次丰富、风味独特的听觉盛宴。 书中关于“频率的色彩斑斓”，让我彻底改变了对EQ的看法。我以前只是简单地提升或衰减某个频段，但作者让我明白，频率才是声音的“骨骼”和“血肉”。我学会了如何通过精妙的EQ调整，为乐器“增添”色彩，让它们听起来更加“生动”和“立体”。书中关于“共振”和“滤波”的原理，让我能够更自信地去“塑造”声音的“棱角”。 其次，书中关于“动态的韵律之美”，让我对压缩器和限制器有了全新的理解。我曾经将它们视为“扼杀”声音活力的工具，但这本书让我看到，它们更是“赋予生命力”的魔法。作者通过形象的比喻，解释了“阈值”、“比率”和“时间常数”这些参数，是如何影响声音的“冲击力”和“延展性”。我学会了如何巧妙地运用压缩，来让鼓组的“力量”瞬间爆发，又如何让人声的“情感”得到更细腻的表达。这让我对音乐的“律动感”有了全新的认识。 更让我惊艳的是，书中关于“空间感的深度感知”，让我仿佛置身于一个由声音构成的3D世界。作者不仅仅是介绍混响和延迟，而是深入分析了它们如何影响我们对“距离”和“环境”的感知。我学会了如何通过调整“预延迟”和“衰减时间”，来模拟一个狭窄的舞台，又或者是一个宽广的音乐厅。这种对空间感的精妙运用，让我的作品瞬间拥有了“深度”和“宽度”，不再是平面化的声音堆积。 而且，书中对于“声音的质感”的追求，更是让我领略到细节的魅力。作者不仅仅是教我如何让声音“响亮”，更是让我如何让声音“有味道”。我学会了如何通过对“谐波”和“饱和度”的控制，来为乐器增加“温暖”和“颗粒感”，让声音听起来更加“饱满”和“醇厚”。这种对声音质感的精益求精，让我开始理解，为什么有些音乐听起来那么“舒服”和“耐听”。 让我感到特别的是，《混音艺术与创作》这本书，不仅仅是一本技术手册，更是一本关于“音乐表达”的哲学。作者在书中反复强调，混音是为了更好地表达音乐的“情感”。我曾经以为混音就是把所有声音都做到“完美”，但这本书让我明白，有时候，一点点的“不完美”，反而能增添歌曲的“真实感”和“力量感”。如何通过对声音的“染色”和“塑造”，来传递出创作者想要表达的情感，这是我从这本书中获得的宝贵启示。 书中关于“听力训练”的部分，也为我提供了一个非常实用的方法。作者指导我如何去“倾听”，如何去“辨别”，如何去“分析”。我学会了如何用“参考音轨”来对比自己的作品，如何去捕捉优秀混音的“精髓”。这种科学的训练方法，让我不再是凭感觉去做混音，而是有了更明确的目标和方向。 让我感到欣慰的是，书中对于“创作理念”的探讨，也让我从一个单纯的技术使用者，转变为一个有思考的创作者。作者鼓励我去“想象”，去“尝试”，去“突破”。他让我们明白，技术只是工具，最终的目的是为了创造出具有艺术价值的作品。这种创作自由的理念，让我更加自信和大胆。 让我感到惊叹的是，这本书并没有停留在单一的音乐风格，而是涵盖了各种音乐类型的混音特点。从摇滚的“力量”到电子的“节奏”，再到爵士的“细腻”，作者都进行了深入的分析，并给出了相应的指导。这让我看到了混音的无限可能性，也拓宽了我的音乐视野。 总而言之，《混音艺术与创作》这本书，对我来说，不仅仅是一本学习混音的指南，更是一本启迪我音乐创作之路的明灯。它让我从一个懵懂的初学者，成长为一个对声音充满热情和创造力的探索者。我在这本书中获得的，远不止是技术的提升，更是对声音艺术的深刻理解和对音乐创作的热爱。这是一本我愿意反复阅读，并从中汲取灵感的宝贵财富。
评分这本书绝对是我近年来读过的最令人兴奋的关于声音的著作之一，它不仅仅是简单地告诉你如何操作软件，而是真正地在探讨“声音”本身的可能性。《混音艺术与创作》这本书，在我看来，更像是一次深入的音乐探险，而作者则是那位经验丰富的向导，带领我们一步步揭开声音世界的神秘面纱。我曾经对于混音的理解，停留在“把声音变得大声”和“加上一些回响”的浅层面上，这本书完全颠覆了我的认知，让我看到了声音作为一种艺术媒介的无穷潜力。 书中关于“声音的空间感”的描述，让我印象深刻。作者不仅仅是简单地介绍混响和延迟，而是深入分析了它们如何影响我们对距离、大小和环境的感知。我学会了如何通过精妙的空间效果，让一段简单的吉他独奏听起来仿佛置身于空旷的舞台，又或者是一段人声，能够传递出亲密的对话感。书中关于“虚拟房间”的构建，以及如何通过调整反射和扩散来模拟不同场馆的声学特性，这简直是颠覆性的。我曾经尝试过为我的歌曲增加混响，但听起来总是“不自然”，读了这本书我才明白，我需要理解的是“声学”的原理，而不是仅仅去堆砌效果。 此外，书中对于“声音的色彩”的探索，也让我大开眼界。作者不仅仅是介绍EQ的增益和衰减，而是将频率的运用提升到了“调色板”的高度。我学会了如何用EQ来为声音“着色”，让吉他听起来更加“明亮”而富有“金属感”，让贝斯听起来更加“温暖”而富有“质感”，甚至是如何通过对高频的微妙处理，为鼓组增添“空气感”和“璀璨度”。书中关于“共振峰”和“滤波器的配合使用”，以及如何巧妙地利用EQ来“雕刻”乐器的音色，让我对声音的细节有了前所未有的关注。 关于“动态的艺术”这一部分，我可以说彻底改变了我对压缩器和限制器的看法。过去，我总是将它们视为“驯服”不听话声音的工具，但这本书让我看到，动态处理更是“赋予生命力”的关键。作者详细讲解了如何通过巧妙的压缩，来增强鼓组的“冲击力”，让人声的“情感”得到更强的表达，甚至是如何通过“慢启动时间”的压缩，来创造一种特殊的“膨胀感”。书中关于“增益衰减”的理解，以及如何通过“旁链压缩”来让某个乐器“挤压”另一个乐器的空间，这简直是让我的混音作品立刻“活”了起来。 这本书最让我着迷的地方在于，它将混音技术与“情感表达”紧密地结合在一起。作者在书中反复强调，每一个声音的处理，都应该服务于歌曲想要传达的情感。我曾经以为混音就是把所有声音都弄得清晰、响亮、有层次，但这本书让我明白，有时候，一点点“粗糙”反而能增添歌曲的“真实感”和“力量感”。如何通过对失真（Distortion）和饱和（Saturation）的运用，来为声音注入“能量”和“温暖”，如何通过对人声的微妙处理，来放大歌者的“情绪”，这让我开始从一个技术人员，变成了一个能够用声音“说故事”的创作者。 书中关于“听觉错觉”的讲解，也让我大开眼界。作者探讨了我们的大脑是如何感知声音的，以及混音师如何利用这些原理来欺骗和引导听者的耳朵。例如，通过对左右声道的细微差异，来营造声音的“宽度”和“深度”；通过对乐器出现的时机和顺序的控制，来影响听者的“期待感”。这些巧妙的技巧，让我在聆听音乐时，不再仅仅是被动地接受，而是开始主动地去分析和品味其中隐藏的“魔术”。 而且，这本书并非一本枯燥的技术指南，它充满了作者对于音乐的热情和对声音的深刻理解。通过书中丰富的案例分析和作者的个人经验分享，我能够感受到作者在创作过程中的思考和探索。他不仅仅是在传授知识，更是在分享他对于声音艺术的热爱，这让我深受感染，也更加激发了我学习和探索的热情。我发现，混音不再是一项艰巨的任务，而是一场充满乐趣的创造过程。 书中对于“参考音轨”的运用，也提供了一个非常实用的方法论。作者不仅仅是让你去模仿，而是指导你去“分析”和“拆解”优秀作品的混音结构。我学会了如何使用频谱分析仪去观察不同乐器在频率上的分布，如何去听辨不同乐器在动态上的处理，以及如何去感受整体声音的平衡感。通过这种方式，我能够更清晰地看到自己作品的不足之处，并找到改进的方向。 我尤其赞赏书中对于“创作自由”的强调。虽然提供了大量的技术指导，但作者始终鼓励读者去发挥自己的想象力，去尝试不同的声音组合和处理方式。他让我们明白，技术是为了更好地服务于艺术，而不是反过来。这种开放的态度，让我不再害怕犯错，而是更加大胆地去探索声音的边界。 总而言之，《混音艺术与创作》这本书，为我打开了一扇通往声音艺术殿堂的大门。它让我从一个对声音充满好奇的初学者，成长为一个能够运用声音进行创作的探索者。我在这本书中获得的，不仅仅是知识和技巧，更是对音乐本质的理解和对声音艺术的热爱。这是一本值得反复阅读、细细品味的宝藏，它将伴随我走过未来的音乐创作之路。
评分在读《混音艺术与创作》这本书之前，我总是觉得混音是一件非常“技术化”的事情，就像修理机器一样，只要参数对了，声音自然就好了。《混音艺术与创作》这本书，却让我看到了混音的“艺术性”，它不仅仅是关于技术，更是关于如何用声音去“绘画”，去“讲故事”。 书中关于“频率的感性运用”，让我对EQ的认识上升到了一个全新的高度。我以前只是把它当做一个“减法”工具，但作者让我明白，频率才是声音的“骨骼”和“血肉”。我学会了如何通过精妙的EQ调整，为乐器“增添”色彩，让它们听起来更加“生动”和“立体”。书中关于“共振”和“滤波”的原理，让我能够更自信地去“塑造”声音的“棱角”。 其次，书中关于“动态的诗意表达”，让我对压缩器和限制器有了全新的理解。我曾经将它们视为“驯服”声音的工具，但这本书让我看到，它们更是“赋予生命力”的魔法。作者通过形象的比喻，解释了“阈值”、“比率”和“时间常数”这些参数，是如何影响声音的“冲击力”和“延展性”。我学会了如何巧妙地运用压缩，来让鼓组的“力量”瞬间爆发，又如何让人声的“情感”得到更细腻的表达。这让我对音乐的“张力”有了全新的认识。 更让我惊艳的是，书中关于“空间感的氛围营造”，让我仿佛置身于一个由声音构成的3D世界。作者不仅仅是介绍混响和延迟，而是深入分析了它们如何影响我们对“距离”和“环境”的感知。我学会了如何通过调整“预延迟”和“衰减时间”，来模拟一个狭窄的舞台，又或者是一个宽广的音乐厅。这种对空间感的精妙运用，让我的作品瞬间拥有了“深度”和“宽度”，不再是平面化的声音堆积。 而且，书中对于“声音的质感”的追求，更是让我领略到细节的魅力。作者不仅仅是教我如何让声音“响亮”，更是让我如何让声音“有味道”。我学会了如何通过对“谐波”和“饱和度”的控制，来为乐器增加“温暖”和“颗粒感”，让声音听起来更加“饱满”和“醇厚”。这种对声音质感的精益求精，让我开始理解，为什么有些音乐听起来那么“舒服”和“耐听”。 让我感到特别的是，《混音艺术与创作》这本书，不仅仅是一本技术手册，更是一本关于“音乐表达”的哲学。作者在书中反复强调，混音是为了更好地表达音乐的“情感”。我曾经以为混音就是把所有声音都做到“完美”，但这本书让我明白，有时候，一点点的“不完美”，反而能增添歌曲的“真实感”和“力量感”。如何通过对声音的“染色”和“塑造”，来传递出创作者想要表达的情感，这是我从这本书中获得的宝贵启示。 书中关于“听力训练”的部分，也为我提供了一个非常实用的方法。作者指导我如何去“倾听”，如何去“辨别”，如何去“分析”。我学会了如何用“参考音轨”来对比自己的作品，如何去捕捉优秀混音的“精髓”。这种科学的训练方法，让我不再是凭感觉去做混音，而是有了更明确的目标和方向。 让我感到欣慰的是，书中对于“创作理念”的探讨，也让我从一个单纯的技术使用者，转变为一个有思考的创作者。作者鼓励我去“想象”，去“尝试”，去“突破”。他让我们明白，技术只是工具，最终的目的是为了创造出具有艺术价值的作品。这种创作自由的理念，让我更加自信和大胆。 让我感到惊叹的是，这本书并没有停留在单一的音乐风格，而是涵盖了各种音乐类型的混音特点。从摇滚的“力量”到电子的“节奏”，再到爵士的“细腻”，作者都进行了深入的分析，并给出了相应的指导。这让我看到了混音的无限可能性，也拓宽了我的音乐视野。 总而言之，《混音艺术与创作》这本书，对我来说，不仅仅是一本学习混音的指南，更是一本启迪我音乐创作之路的明灯。它让我从一个懵懂的初学者，成长为一个对声音充满热情和创造力的探索者。我在这本书中获得的，远不止是技术的提升，更是对声音艺术的深刻理解和对音乐创作的热爱。这是一本我愿意反复阅读，并从中汲取灵感的宝贵财富。
评分在我开始接触《混音艺术与创作》这本书之前，我对于“混音”的理解，就像一个只知道“大声”和“小声”的孩子。《混音艺术与创作》这本书，却像一位充满智慧的导师，把我从声音的“洪荒时代”，带入了“理性分析”和“艺术创作”的崭新纪元。 书中关于“频率的层次感建构”，让我对EQ的应用有了质的飞跃。我以前只是随便地提升或衰减某个频段，但作者让我明白，频率才是声音的“骨骼”和“血肉”。我学会了如何通过精妙的EQ调整，为乐器“赋予”新的“生命力”，让它们在混音中“脱颖而出”。书中关于“共振”和“滤波”的原理，让我能够更自信地去“塑造”声音的“个性”。 其次，书中关于“动态的能量释放”，让我对压缩器和限制器有了全新的认识。我曾经将它们视为“扼杀”声音活力的工具，但这本书让我看到，它们更是“放大情感”的放大器。作者通过形象的比喻，解释了“阈值”、“比率”和“时间常数”这些参数，是如何影响声音的“冲击力”和“延展性”。我学会了如何巧妙地运用压缩，来让鼓组的“力量”瞬间爆发，又如何让人声的“情感”得到更细腻的表达。这让我对音乐的“情感张力”有了全新的理解。 更让我惊艳的是，书中关于“空间感的深度感知”，让我仿佛置身于一个由声音构成的3D世界。作者不仅仅是介绍混响和延迟，而是深入分析了它们如何影响我们对“距离”和“环境”的感知。我学会了如何通过调整“预延迟”和“衰减时间”，来模拟一个狭窄的舞台，又或者是一个宽广的音乐厅。这种对空间感的精妙运用，让我的作品瞬间拥有了“深度”和“宽度”，不再是平面化的声音堆积。 而且，书中对于“声音的质感”的追求，更是让我领略到细节的魅力。作者不仅仅是教我如何让声音“响亮”，更是让我如何让声音“有味道”。我学会了如何通过对“谐波”和“饱和度”的控制，来为乐器增加“温暖”和“颗粒感”，让声音听起来更加“饱满”和“醇厚”。这种对声音质感的精益求精，让我开始理解，为什么有些音乐听起来那么“舒服”和“耐听”。 让我感到特别的是，《混音艺术与创作》这本书，不仅仅是一本技术手册，更是一本关于“音乐表达”的哲学。作者在书中反复强调，混音是为了更好地表达音乐的“情感”。我曾经以为混音就是把所有声音都做到“完美”，但这本书让我明白，有时候，一点点的“不完美”，反而能增添歌曲的“真实感”和“力量感”。如何通过对声音的“染色”和“塑造”，来传递出创作者想要表达的情感，这是我从这本书中获得的宝贵启示。 书中关于“听力训练”的部分，也为我提供了一个非常实用的方法。作者指导我如何去“倾听”，如何去“辨别”，如何去“分析”。我学会了如何用“参考音轨”来对比自己的作品，如何去捕捉优秀混音的“精髓”。这种科学的训练方法，让我不再是凭感觉去做混音，而是有了更明确的目标和方向。 让我感到欣慰的是，书中对于“创作理念”的探讨，也让我从一个单纯的技术使用者，转变为一个有思考的创作者。作者鼓励我去“想象”，去“尝试”，去“突破”。他让我们明白，技术只是工具，最终的目的是为了创造出具有艺术价值的作品。这种创作自由的理念，让我更加自信和大胆。 让我感到惊叹的是，这本书并没有停留在单一的音乐风格，而是涵盖了各种音乐类型的混音特点。从摇滚的“力量”到电子的“节奏”，再到爵士的“细腻”，作者都进行了深入的分析，并给出了相应的指导。这让我看到了混音的无限可能性，也拓宽了我的音乐视野。 总而言之，《混音艺术与创作》这本书，对我来说，不仅仅是一本学习混音的指南，更是一本启迪我音乐创作之路的明灯。它让我从一个懵懂的初学者，成长为一个对声音充满热情和创造力的探索者。我在这本书中获得的，远不止是技术的提升，更是对声音艺术的深刻理解和对音乐创作的热爱。这是一本我愿意反复阅读，并从中汲取灵感的宝贵财富。
评分这本书，与其说是一本操作手册，不如说是一次对“声音”这种抽象概念的深度剖析。《混音艺术与创作》这本书，在我拿到它之前，我对混音的理解，就如同雾里看花，似懂非懂，总觉得隔着一层纱。《混音艺术与创作》这本书，就像一把钥匙，咔哒一声，将我带入了声音的真实世界，让我开始理解声音的“形状”、“质感”和“情感”。 让我印象最深刻的是，书中关于“频率的语言”的讲解。作者将不同频率的区域比喻成一个巨大的乐团，每个乐器都有自己的“音域”和“表现力”。我以前总觉得低音就是“隆隆声”，高音就是“嘶嘶声”，但这本书让我明白，每个频率段都有其独特的“性格”和“作用”。我学会了如何通过精确的EQ调整，来“突出”乐器的“亮度”，或者“削减”乐器的“浑浊感”。书中关于“共振”和“滤波”的原理，以及它们如何影响声音的“清晰度”和“厚度”，让我对声音的细节有了前所未有的关注。 而且，书中对于“动态的哲学”的探讨，更是让我醍醐灌顶。我曾经以为压缩器只是一个让声音“变小”的工具，但这本书让我看到，它更是“塑造”声音“力量感”和“生命力”的关键。作者通过形象的比喻，解释了“阈值”、“比率”和“时间常数”这些参数的实际意义，以及它们如何影响声音的“冲击力”和“延展性”。我学会了如何巧妙地运用压缩，来让鼓组的“力量”喷薄而出，又或者让一个人声的“情感”更加饱满地传递。 让我感到惊喜的是，书中对于“空间感”的营造，简直是如同在脑海中构建了一幅立体的声音画面。作者不仅仅是介绍混响和延迟，而是深入分析了它们如何影响我们对“距离”和“环境”的感知。我学会了如何通过调整“预延迟”和“衰减时间”，来模拟一个狭窄的房间，又或者是一个广阔的音乐厅。这种对空间感的精妙运用，让我的作品立刻拥有了“深度”和“宽度”，不再是扁平的“一维空间”。 书中关于“声音的质感”的追求，也让我受益匪浅。作者不仅仅是教我如何让声音“响亮”，更是让我如何让声音“有味道”。我学会了如何通过对“谐波”和“饱和度”的控制，来为乐器增加“温暖”和“颗粒感”，让声音听起来更加“有肉”和“醇厚”。这种对声音质感的精益求精，让我开始真正理解“好听”的音乐，不仅仅是清晰，更是充满“魅力”。 让我感到特别的是，《混音艺术与创作》这本书，不仅仅是关于技术，更是关于“艺术”。作者在书中反复强调，混音是为了更好地表达音乐的“情感”。我曾经以为混音就是把所有声音都做到“完美”，但这本书让我明白，有时候，一点点的“不完美”，反而能增添歌曲的“真实感”和“力量感”。如何通过对声音的“染色”和“塑造”，来传递出创作者想要表达的情感，这是我从这本书中获得的宝贵启示。 而且，书中关于“听力训练”的部分，也为我提供了一个非常实用的方法。作者指导我如何去“倾听”，如何去“辨别”，如何去“分析”。我学会了如何用“参考音轨”来对比自己的作品，如何去捕捉优秀混音的“精髓”。这种科学的训练方法，让我不再是凭感觉去做混音，而是有了更明确的目标和方向。 让我感到欣慰的是，书中对于“创作理念”的探讨，也让我从一个单纯的技术使用者，转变为一个有思考的创作者。作者鼓励我去“想象”，去“尝试”，去“突破”。他让我们明白，技术只是工具，最终的目的是为了创造出具有艺术价值的作品。这种创作自由的理念，让我更加自信和大胆。 让我感到惊叹的是，这本书并没有停留在单一的音乐风格，而是涵盖了各种音乐类型的混音特点。从摇滚的“力量”到电子的“节奏”，再到爵士的“细腻”，作者都进行了深入的分析，并给出了相应的指导。这让我看到了混音的无限可能性，也拓宽了我的音乐视野。 总而言之，《混音艺术与创作》这本书，对我来说，不仅仅是一本学习混音的指南，更是一本启迪我音乐创作之路的明灯。它让我从一个懵懂的初学者，成长为一个对声音充满热情和创造力的探索者。我在这本书中获得的，远不止是技术的提升，更是对声音艺术的深刻理解和对音乐创作的热爱。这是一本我愿意反复阅读，并从中汲取灵感的宝贵财富。
评分在我开始阅读《混音艺术与创作》这本书之前，我对混音的理解，就像一个门外汉看着魔术表演，只看到了结果，却不知道原理。《混音艺术与创作》这本书，则像一位技艺精湛的魔术师，一步步地揭开了声音世界的面纱，让我真正理解了混音的“魔法”是如何实现的。 书中关于“频率的精细调校”，让我对EQ的看法发生了翻天覆地的变化。我曾经以为EQ就是简单地提升或衰减某个频段，但作者将频率的处理比喻成“雕刻”，让我明白了如何通过对不同频率段的精妙调整，来赋予声音“质感”和“表情”。例如，如何利用高频的“空气感”来让乐器“呼吸”，又如何利用低频的“厚度”来让鼓组“充满力量”。书中关于“共振”和“滤波”的原理，让我能够更自信地去“塑造”声音的“轮廓”。 其次，书中关于“动态的艺术”，彻底改变了我对压缩器和限制器的看法。我曾经将它们视为“扼杀”声音活力的工具，但这本书让我看到，它们更是“赋予生命力”的关键。作者通过形象的比喻，解释了“阈值”、“比率”和“时间常数”这些参数，是如何影响声音的“冲击力”和“延展性”。我学会了如何巧妙地运用压缩，来让鼓组的“力量”瞬间爆发，又如何让人声的“情感”得到更细腻的表达。这让我对音乐的“律动感”有了全新的理解。 更让我惊艳的是，书中关于“空间感”的营造，让我仿佛置身于一个由声音构成的3D世界。作者不仅仅是介绍混响和延迟，而是深入分析了它们如何影响我们对“距离”和“环境”的感知。我学会了如何通过调整“预延迟”和“衰减时间”，来模拟一个狭窄的舞台，又或者是一个宽广的音乐厅。这种对空间感的精妙运用，让我的作品瞬间拥有了“深度”和“宽度”，不再是平面化的声音堆积。 而且，书中对于“声音的质感”的追求，更是让我领略到细节的魅力。作者不仅仅是教我如何让声音“响亮”，更是让我如何让声音“有味道”。我学会了如何通过对“谐波”和“饱和度”的控制，来为乐器增加“温暖”和“颗粒感”，让声音听起来更加“饱满”和“醇厚”。这种对声音质感的精益求精，让我开始理解，为什么有些音乐听起来那么“舒服”和“耐听”。 让我感到特别的是，《混音艺术与创作》这本书，不仅仅是一本技术手册，更是一本关于“音乐表达”的哲学。作者在书中反复强调，混音是为了更好地表达音乐的“情感”。我曾经以为混音就是把所有声音都做到“完美”，但这本书让我明白，有时候，一点点的“不完美”，反而能增添歌曲的“真实感”和“力量感”。如何通过对声音的“染色”和“塑造”，来传递出创作者想要表达的情感，这是我从这本书中获得的宝贵启示。 书中关于“听力训练”的部分，也为我提供了一个非常实用的方法。作者指导我如何去“倾听”，如何去“辨别”，如何去“分析”。我学会了如何用“参考音轨”来对比自己的作品，如何去捕捉优秀混音的“精髓”。这种科学的训练方法，让我不再是凭感觉去做混音，而是有了更明确的目标和方向。 让我感到欣慰的是，书中对于“创作理念”的探讨，也让我从一个单纯的技术使用者，转变为一个有思考的创作者。作者鼓励我去“想象”，去“尝试”，去“突破”。他让我们明白，技术只是工具，最终的目的是为了创造出具有艺术价值的作品。这种创作自由的理念，让我更加自信和大胆。 让我感到惊叹的是，这本书并没有停留在单一的音乐风格，而是涵盖了各种音乐类型的混音特点。从摇滚的“力量”到电子的“节奏”，再到爵士的“细腻”，作者都进行了深入的分析，并给出了相应的指导。这让我看到了混音的无限可能性，也拓宽了我的音乐视野。 总而言之，《混音艺术与创作》这本书，对我来说，不仅仅是一本学习混音的指南，更是一本启迪我音乐创作之路的明灯。它让我从一个懵懂的初学者，成长为一个对声音充满热情和创造力的探索者。我在这本书中获得的，远不止是技术的提升，更是对声音艺术的深刻理解和对音乐创作的热爱。这是一本我愿意反复阅读，并从中汲取灵感的宝贵财富。
评分混缩太麻烦
评分介绍咋听分轨的，理论性太强，没有啥大用处，不过写的还行吧。。。
评分从“世界观”角度讲解了混音相关的概念，不错的教材。重点在于“混音艺术”，下一步打算看侧重“混音技术”的书
评分介绍咋听分轨的，理论性太强，没有啥大用处，不过写的还行吧。。。
评分偏理论，翻译一般
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