Harmony in Context Workbook/Anthology pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:McGraw-Hill College

作者:Miguel Roig-Francoli

出品人:

页数:422

译者:

出版时间:2010-02-05

价格:USD 51.05

装帧:Hardcover

isbn号码:9780073137957

丛书系列:

图书标签:

• 音乐理论
• 和声学
• 音乐分析
• 音乐史
• 音乐作品
• 练习册
• 选集
• 高等教育
• 音乐教育
• 西方音乐

弦歌不辍：西方音乐理论与实践精要 一部全面、深入、富有洞察力的音乐学习指南 《弦歌不辍：西方音乐理论与实践精要》旨在为严肃的音乐学习者、表演者、作曲家以及所有渴望深入理解西方古典音乐结构和美学的人们，提供一个全面而严谨的知识框架。本书超越了基础的记谱法和和声规则，深入探讨了音乐概念的演变、结构分析的复杂性，以及音乐实践中的实际应用。 本书的核心目标是培养读者批判性的听觉能力和深入的分析技巧，使他们能够不仅“听见”音乐，更能“理解”音乐背后的逻辑、情感和历史语境。 第一部分：基石：音乐的元素与结构（Foundations: Elements and Structure） 本部分将从最基本的音乐语言单位入手，逐步构建起复杂的音乐结构认知体系。 第一章：音高、节奏与节拍的辩证统一 本章将深入探讨音高系统的历史演变，从五度圈的构建到十二平均律的最终确立，分析不同音律对音乐情感表达的影响。节奏部分将不再局限于简单的拍号划分，而是探讨复节奏、非对称节拍（如5/4、7/8拍）在不同时期作曲家手中的应用，特别是新古典主义和二十世纪音乐中对时间感知的重塑。节拍的作用被置于宏观结构分析的框架下考察，而非孤立的度量单位。 第二章：和声的语法与修辞 我们超越了传统的功能和声（Tonic-Dominant-Subdominant）的机械应用。本章聚焦于和声“修辞”——即和声如何被用来叙事和激发情感。详细分析了： 级进与跳进： 探讨调式外和弦、半音阶和声（Chromatic Harmony）的使用策略，特别是瓦格纳和后浪漫主义时期和声的“模糊性”如何服务于无尽的旋律（Endless Melody）。 声部进行的高级技巧： 强调线性思维的重要性，分析严格对位法（Species Counterpoint）作为思维训练工具的价值，以及如何通过精心设计的声部进行来创造清晰的结构层次。 和声的“距离”： 引入和声功能空间（Harmonic Space）的概念，分析里曼理论（Riemannian Theory）在理解非传统功能连接中的作用。 第三章：旋律的形态学与逻辑 旋律被视为音乐的“叙述者”。本章剖析旋律线的设计原则，包括动机（Motif）的发展与变形（Variation）： 主题的构建与展开： 探讨如何通过序列（Sequence）、移位（Transposition）、扩大（Augmentation）和缩小（Diminution）等技巧，将一个简单的音乐思想扩展成一个宏大的乐章。 模唱与对答（Call and Response）： 分析不同文化背景下的旋律互动模式。 结构性旋律： 考察巴赫赋格曲或奏鸣曲呈示部中，旋律如何同时承担结构支撑和情感表达的双重任务。 第二部分：结构与形式的建筑学（Architectonics of Form and Structure） 本部分是本书的精髓所在，专注于如何将音乐元素组织成宏大、可辨识的结构。 第四章：古今奏鸣曲式的深度剖析 本章提供对奏鸣曲式（Sonata Form）的细致解构，超越“呈示部-展开部-再现部”的简化模型： 功能性区域划分： 强调“主题组”（Thematic Group）、“转调区”（Modulatory Zone）、“结束部”（Codetta）的严格界定。 展开部的思维： 分析展开部不仅仅是材料的碎片化处理，而是对核心动机的哲学性探讨和冲突的集中爆发。 不同的奏鸣曲式传统： 对比海顿的紧凑、莫扎特的清晰和贝多芬的戏剧化处理，并考察其在浪漫主义晚期和二十世纪的变异（如奏鸣曲-回旋曲式）。 第五章：交响曲与室内乐的宏篇布局 探讨多乐章体裁的内在联系和张力平衡： 调性规划（Tonal Planning）： 考察作曲家如何通过首尾乐章的调性关系（例如，从c小调到C大调的“英雄之旅”）来构建整个作品的叙事弧线。 对位与复调的织体分析： 深入研究赋格曲（Fugue）和卡农（Canon）的创作技法，并将其置于巴赫之后的浪漫主义音乐（如勃拉姆斯）的织体应用中进行考察。 变奏曲的逻辑： 分析变奏（Variation）作为一种结构形式，其内在的连贯性和多样性是如何被控制的。 第六章：二十世纪的结构性突破 面对传统调性体系的瓦解，本章考察了结构是如何被重新定义的： 序列主义与十二音技法： 严格阐述勋伯格、韦伯恩的矩阵构建、音组的变形操作，以及如何在这种“无中心”的体系中创造出结构上的清晰感。 极简主义的循环结构： 分析赖利、史蒂夫·莱奇等作曲家如何通过相位差（Phasing）和材料的渐进变化来创造一种时间性的结构体验。 场域音乐与空间化： 探讨音乐结构如何从线性的时间轴扩展到声场空间（例如，武祖的“场域”概念）。 第三部分：实践、演奏与诠释的桥梁（Bridging Theory and Performance） 本部分将理论知识与实际的演奏和创作实践紧密结合。 第七章：性能记号的深度解读 演奏标记不再是死板的指令，而是作曲家与演奏者之间的复杂对话。本章关注： 力度与音色的互动： 探讨“弱奏”（pp）在不同乐器和语境下的实际音色目标。如何理解并执行“渐强”（crescendo）的“点”和“范围”。 速度术语的语境化： 分析“Allegro”在莫扎特和马勒作品中的实际时值差异，强调演奏速度与音乐材料密度的关系。 触键与弓法（Articulation and Phrasing）： 对不同时期风格的连奏（Legato）要求进行对比研究，例如，巴洛克风格的“分离式连奏”与浪漫主义的“歌唱性连奏”。 第八章：分析即诠释：案例研究导论 本书通过一系列详尽的案例研究，展示如何运用前述理论工具进行有效的音乐分析和诠释： 案例一：巴赫赋格曲的声部追踪与调性路径分析。 案例二：贝多芬中晚期奏鸣曲中的“第二主题冲突”研究。 案例三：德彪西前奏曲的和声色彩与织体暗示。 每项案例分析都将侧重于“是什么（What）”、“如何做到（How）”以及“为什么（Why）”，引导读者将分析转化为富有洞察力的演奏指导。 第九章：走向未来：理论的融合与创新 最后，本书展望音乐理论的未来方向，鼓励读者将所学知识应用于现代创作：如何将十二音技法与传统对位法结合？如何构建一个基于非西方音阶的和谐体系？理论学习的终极目标是解放创作，而非束缚。 《弦歌不辍：西方音乐理论与实践精要》 是一份献给严肃学者的地图，它不仅描绘了已知领土的边界，更指引着通往音乐理解深处的无尽道路。阅读本书，意味着你选择了一条从“模仿”到“创造洞察”的深刻旅程。

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