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出版者:Schirmer/Mosel

作者:Cy Twombly

出品人:

页数:264

译者:

出版时间:2008-07-30

价格:USD 120.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9783829603683

丛书系列:

图书标签:

摄影
枕绿
Twombly
Photography
绘画
艺术史
现代艺术
抽象表现主义
Cy Twombly
艺术 monograph
美国艺术家
书写绘画
草图
20世纪艺术

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具体描述

Ever since his student days, Cy Twombly has concerned himself with photography, but only in recent years has he turned it into a unique artistic concept- and an aesthetic sensation. Twombly's photographic pieces are documents of a fascinatingly enigmatic and personal poetry. His studios in Lexington and Gaeta, details of his own sculptures and collected sculptural items, landscape motifs, fruits and flowers appear in a mysteriously transformed manner on these delicate sheets. Printed in matte colors on matte paper using a dry-print process that imbues them with velvet and an almost grainy hue, the images are vaguely reminiscent of the pictorialist tradition in fin de siecle photography. In their minimalist way, however, generating aesthetic visions by the simplest of means, they are utterly contemporary.

'Photographs 1951-2007' presents Twombly's photographic works of over fifty years- full of surprises and breathtaking beauty.

好的，这是一本名为《回响与静默：二十世纪中期欧洲艺术的内在景观》的图书简介，它完全聚焦于与Cy Twombly风格和主题不同的艺术创作，但力求展现那个时代欧洲艺术的广阔图景。 --- 回响与静默：二十世纪中期欧洲艺术的内在景观一部深入探索战后欧洲艺术在激变中寻求秩序与表达的深度研究。《回响与静默》并非一部梳理艺术史的百科全书，而是一次精选的、对特定时期——大致涵盖1945年至1970年代初——欧洲大陆艺术内部张力、结构性反思以及对“何为艺术”的本质追问的沉浸式考察。本书聚焦于那些在二战的废墟之上，试图建立全新的视觉语言，或者回溯至更深层、更具结构性的表达方式的艺术家群体。本书的叙事结构围绕两条核心脉络展开：对物质性的回归与对非具象秩序的重建。我们不探讨抒情表现主义的偶然性笔触或个体叙事的碎片化，而是转向那些更具系统性、几何性与概念化倾向的艺术实践。第一部分：光影与结构——新具象的理性回归在战后的文化气候中，一部分艺术家拒绝了那种被视为“过度情绪化”或“纯粹主观”的表达，转而投向了对形式、光线和空间的精确、近乎科学的探究。 1. 法国造型主义（Tachisme之外的路径）：本章将深入分析那些在巴黎学派内部发展出严格几何结构和色彩理论的艺术家。我们细致考察Jean Arp晚期作品中对有机形式的提纯，以及他如何通过简洁的形状探索宇宙间的平衡关系，这与当时盛行的抽象表现主义的喧嚣形成了鲜明对比。重点分析Frans Krajcberg对自然材料（尤其是烧焦的木头）的运用，这不仅是一种对原始力量的致敬，更是一种对物质内在纹理与抗争性的结构性记录，而非仅仅是笔触的情感宣泄。 2. 意大利的“未定形”与新现实主义的物质哲学：本书对意大利“Arte Povera”运动的先驱性工作进行了深入挖掘，但这部分研究刻意避开了对日常符号的戏仿，转而聚焦于其对“低级材料”的本体论思考。我们重点分析Jannis Kounellis早期以“活的”元素（如马、煤炭）构建的装置，探讨这些作品如何通过即时性的、不可重复的物质存在，挑战了艺术品的持久性和可复制性。这种对“此刻此地”物质性的强调，构成了一种与纯粹绘画叙事截然不同的时间观。此外，对Alighiero Boetti早期系统化、数据驱动的创作方法——例如他如何使用网格和重复计数来构建画面——进行了详尽的分析，展示了艺术家如何将自身从“天才创作者”的角色中抽离出来，成为“意义的排列者”。第二部分：冷的秩序——欧洲几何抽象的延续与突破二十世纪中期，几何抽象并未消亡，而是在新的社会背景下，发展出更具批判性和社会参与性的形态。 1. 荷兰的风格与“元素主义”的再阐释：本书专门辟出一章来探讨De Stijl（风格派）美学在战后荷兰的演变，重点分析Van Doesburg对“元素主义”的坚持，以及艺术家们如何试图将这种清晰、模块化的视觉语言应用于城市规划和群体生活构想中。我们关注Ad Dekkers和Ben Nicholson（在欧洲大陆的实践）如何利用严格的白度、黑度和有限的线条，试图创造一种“去个性化”的、普遍适用的视觉语法，以此抵御个人主义的泛滥。他们的作品是关于边界、平面和内部张力的精准测量。 2. 瑞士与德国的系统化探索：我们详细审视了瑞士具体艺术（Concrete Art）的严谨性。以Max Bill为代表的艺术家如何从数学和斐波那契数列中提取视觉规则，创作出“思考的艺术”。这些作品追求的是一种无可辩驳的逻辑性，它们拒绝了任何与外部世界模糊关联的联想，专注于形式自身作为一种自足的、可被理解的结构。在德国，对“零集团”（Zero Group）的考察将集中于他们对光、运动和纯粹颜色的物理性操作，例如通过机械或反射材料，制造出一种“视觉振动”，这种振动是可测量的、可重复的物理现象，而非主观感受的投射。第三部分：文本的边界与概念的基石最后的篇章转向了那些开始模糊绘画与写作界限，或将艺术实践转化为纯粹知识操作的实践者。 1. 视觉语言学的实验：本书分析了部分艺术家如何将语言（文字）作为一种物质性的、可被切割和重组的视觉元素。这并非关注文字的情感载荷，而是关注其符号学价值。我们考察了On Kawara（在欧洲的早期发展）的“今日”系列，尽管其创作方式看似简单，但其背后是对时间、记录和分类的强迫性系统的忠诚，这是一种对“存在状态”的纯粹陈述，完全脱离了对传统意象的依赖。 2. 空间与感知：早期环境艺术的雏形：在回顾对观众参与的探索时，我们避开了那些依赖个体叙事的作品，转而关注那些改变观看者对空间物理感知的结构性干预。例如，某些欧洲艺术家如何使用镜面、光纤或特定几何体，创造出“可被行走和经验的雕塑”。这些作品的目标是重新校准观众的身体与其所处环境的关系，使艺术成为一种空间性的、非叙事的体验。《回响与静默》旨在为读者提供一个理解二十世纪中期欧洲艺术的替代视角：一个关于结构、物质、系统与逻辑的内在世界。它引导我们关注那些在宏大叙事之外，默默构建起坚实视觉基础和哲学辩论的艺术实践，揭示了在战后艺术语境下，欧洲艺术家们如何通过克制、秩序和对材料的深刻理解，重新定义了艺术的边界和永恒性。